电视台 剪辑技巧 让你剪出好的视频.docx

电视台 剪辑技巧 让你剪出好的视频.docx

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电视台剪辑技巧让你剪出好的视频

各时空的镜头如何组接 

在进行视频剪辑的时候，大家不可避免的要遇到大量时空关系的问题，为了保证时空关系的真实性（画面流畅性）

　　给大家3句话作为参考大部分时候都应该这样处理

　　1对同一时空内主体动作的剪辑，做到不出画不入画

　　2不同时空内主体动作的剪辑，可出画，可入画

　　3在大空间相同小空间不同的情况下，对主体动作剪辑，头尾可出入画，中间镜头不出画不入画 

分剪插接镜头技巧 

　　分剪镜头的意思就是将您拍摄的一个镜头切开切成2个或者多个镜头来用这在视频剪辑中是很常见的手法 他可以1加强戏剧性2调整不合理的时空关系3制造紧张气氛和悬念4增强节奏感 其实吧虽然我分了1234其实效果是一致的大家可以去体会。

举个简单的例子：

是 李和健2的正反打镜头 很明显 除去一些手部特写啊其他特写啊 是2个人的正反打镜头 可以看出其实是2个镜头分剪（因为景别是一致的而且没必要拍多次）拼接而成健2的镜头用了2次李的镜头用了大概4次～ 中间插接了手部特写～ 这我基本不用怎么说很明显这样比把2人的这两个镜头直接连起来会更有艺术效果，本身这部分是全片的高潮部分 这样可以加强节奏感让观众更加紧张。

　　值得注意的是：

时间问题是分剪插接的一个重要因素，当镜头被剪开用多次的时候，应将中间插入动作的时空计算进去，绝对不能一个镜头一分为两半直接拉开插入另一个镜头因为这样会让节奏拖沓时间就不对了怕对面人物表情的同时时间依然在流动，因此少用一部分是合理的 这样保证时空具有真实的感觉。

当你剪辑运动场景 

　　动作场景的剪辑在整个视频剪辑中占的比重是很大的。

那么怎么才能控制好呢？

我在这里泛泛的谈其实很容易被喷。

但是我还是把一些比较重要的东西指出来一看而过吧（看过是看过了在实践中多想）

　　1为了把整个段落的情节明晰的表现到观众面前，就要注意交叉剪辑不能打乱了连续性

　　2用变换剪辑的速度 ，按照你的意图来控制戏剧性的张驰变化。

　　3插入一些静态观众的反应镜头。

（当你剪辑激烈的赛车比赛）以缩短相互紧接着的动作镜头时间间隔，并且在特定的剧情下，经常会能影响观众的感性反应。

　　4通过频繁的交叉剪辑和改变同一动作的视角使得视觉多样化，并且必须使其具有很连贯的幻觉。

这才算成功。

　　注意:

以上四条是在戏剧性的某种特殊需要下产生的并不是所有都必须满足。

其实剪辑不适合用语言来描述。

因为很难描述很清楚艺术上的东西

　　如何对待对话场景的剪辑对话场景的剪辑方法对于动作段落的剪辑来说，剪辑工作的机动性要小的多。

动作段落可以有更多的发挥。

那剪辑对话是不是有固定套路呢？

显然不是的！

呵呵 但是如果你看的电影多了自然还是会觉得有相似之处的。

对话场景一般是这样拍摄的:

　　1用中景或者远景交代对话的场景，以确定大位置，有点儿相当于“主镜”                        

　　2用摄像机追踪剧中人物，或者把镜头剪辑成同一视线较近的双人镜头

　　3相互交替的近景，（过肩很常见）（再或者只露出某人后脑勺呵呵）一般相接的镜头是对称的正反打，也会是反应镜头，     

4在表现趣味点的时候就用特写  最后摄像机总是缓慢的从演员身上移开。

以上就是和大家分享的一些视频剪辑技巧。

剪辑一种特殊的蒙太奇手法，是由特写镜头直接跳切到全景镜头或由全景镜头直接跳切到特写镜头的组接形式。

两极镜头的组接能使剧情的发展在动中转静或在静中变动，产生特殊艺术效果。

为了使作品出来的更好，要用到一些剪辑的技巧！

今天哈尔滨完美动力就和大家分享一下几个非常实用的剪辑技巧！

形象的大小与角度转变范围 

　　当2个镜头的差距相当小的时候连接在一起往往感觉相当别扭！

因为2镜头的差距小，观众感觉不到应有的转变，因此会感到厌烦，这样就没有达到流畅的效果。

比如说从远景切换到近景还是可以接受的但是远景切换到和远景差距不大的大概脚脖子的位置，观众就会觉得相当别扭了。

另外从角度上来说，如果你第一个镜头是某人的正面在人的后面有个路灯，下一个镜头只转15度或者说30度拍摄很明显在演员位置不改变灯的位置也不改变的情况下取得的拍摄结果肯定是在背景中灯的位置相对于前一个镜头发生改变。

这明显是一个错误。

2个镜头接在一起当然很奇怪当然是错误。

但是如果你转了90度或者180度的角度来拍摄所得到的结果是另外一种情形灯和人的相对位置也发生了改变，由于改变的角度很大，观众是可以接受的，观众知道这是动其他角度拍摄的。

所以萤幕上人物的大小和角度的转变宁大勿小。

保持明确的方向感 

　　视频剪辑中保持明确的方向感，所以这和导演对演员和摄像机的调度都有关系。

对摄像机的调度：

大家都知道轴线的概念，为什么一般来说不要越过轴线拍摄（声明：

没有人规定不可以越过但是好莱坞为了让观众不动脑子看片子而这么做，大家别误解）就是为了保持一种方向感。

比如正反打拍摄对话人物A和人物B对话 第一个镜头A朝右看B朝左看进行对话 当反打的时候 一定还是A超右看B朝左边看进行对话。

恩这就是所谓的方向。

再次声明这是好莱坞电影工业的手法，和艺术无关。

但是有一点可以肯定,这样不会让观众感觉空间混乱（当然这不是唯一方法，很多方法你可以创造，因为电影是幻觉） 另外一点大家看好莱坞的片子经常会有这样的感觉如果人物从右边出画在下面的镜头他一定从左边入画。

当你想让他从右边入画接上个镜头，中间必然要加入一个他转方向的镜头进行过渡。

这是一个简单容易实现的好莱坞工业手法。

大家可以借鉴。

剪辑点的选择 

　　剪辑点，视频剪辑中经常出现的一个名词，也就是在什么时候进行镜头的切换。

我不能概括这么大的问题，但或许以下的文字可以对你的实际剪辑中会有帮助。

一般来说，剪辑点分为画面剪辑点和声音剪辑点。

我们重点解释画面剪辑点。

一般画面剪辑点分为1动作剪辑点2情绪剪辑点3节奏剪辑点。

我们只谈论动作剪辑点。

　　大家在剪辑的时候经常会遇到，用不同景别的镜头来表现一个动作的情况，因为这样会让镜头语言更多样一些。

但是流畅的画面组接在剪辑的时候是有技巧的，例如前面所说的小白鼠奔跑的例子。

 视频剪辑中最常遇到的莫过于：

起坐；起卧；拥抱；握手；脱帽；穿衣；抽烟；开关门窗；走路；跑步等等。

第一帧用起就是这些平时看起来很流畅的动作其实中间都会有相对的停顿。

也就是说在逐帧观看的时候你会发现有几帧画面是相对静止的，这个地方通常就是我们要选择的剪辑点。

值得注意的是，一般情况下，这些静止的帧（1-2帧）我们留在上一个镜头中，下一个镜头（一般是不同景别）从开始动的那帧用。

　　下面说说不精髓但很关键的脱帽|戴帽会在手接触帽子的时候静止 开关门窗会在手接触门窗的时候静止握手会在握手上下起伏的最高点或者最低点静止走路会在脚踏地和最高点静止（注意左右脚一致）。

剪辑办法可以按照上面的精髓来做 

　　当然什么事情都有例外。

就是我前面说的情绪剪辑点和节奏剪辑点。

当人愤怒的时候当我们要求节奏加快的时候 那么就把下个镜头的画面少用几帧就ok了。

（例如开窗第一个镜头是手接触门窗时候结束下个镜头接门窗已经开了一部分了。

就是这个意思。

这就是传说中的情绪剪辑点和节奏剪辑点，我想这只是一个说法而已，这些都要靠剪辑师的经验和艺术修养来完成，看概念是没用的。

后期影视剪辑人员必备理论基础知识

一、电影、电视的景别

　　景别，根据景距、视角的不同，一般分为：

极远景：

极端遥远的镜头景观，人物小如蚂蚁。

远景：

深远的镜头景观，人物在画面中只占有很小位置。

广义的远景基于景距的不同，又可分为大远景、远景、小远景（一说为半远景）三个层次。

大全景：

包含整个拍摄主体及周遭大环境的画面，通常用来作影影视作品的环境介绍，因此被叫做最广的镜头。

全景：

摄取人物全身或较小场景全貌的影视画面，相当于话剧、歌舞剧场“舞台框”内的景观。

在全景中可以看清人物动作和所处的环境。

小全景：

演员“顶天立地”，处于比全景小得多，又保持相对完整的规格。

中景：

俗称“七分像”，指摄取人物小腿以上部分的镜头，或用来拍摄与此相当的场景的镜头，是表演性场面的常用景别。

半身景：

俗称“半身像”，指从腰部到头的景致，也称为“中近景”。

近景：

指摄取胸部以上的影视画面，有时也用于表现景物的某一局部。

特写：

指摄影、摄像机在很近距离内摄取对象。

通常以人体肩部以上的头像为取景参照，突出强调人体的某个局部，或相应的物件细节、景物细节等。

大特写：

又称“细部特写”，指突出头像的局部，或身体、物体的某一细部，如眉毛、眼睛、枪栓、板机等。

二、摄影、摄像机的运动（拍摄方式）

推：

即推拍、推镜头，指被摄体不动，由拍摄机器作向前的运动拍摄，取景范围由大变小，分快推、慢推、猛推，与变焦距推拍存在本质的区别。

拉：

被摄体不动，由拍摄机器作向后的拉摄运动，取景范围由小变大，也可分为慢拉、快拉、猛拉。

摇：

指摄影、摄像机位置不动，机身依托于三角架上的底盘作上下、左右、旋转等运动，使观众如同站在原地环顾、打量周围的人或事物。

移：

又称移动拍摄。

从广义说，运动拍摄的各种方式都为移动拍摄。

但在通常的意义上，移动拍摄专指把摄影、摄像机安放在运载工具上，沿水平面在移动中拍摄对象。

移拍与摇拍结合可以形成摇移拍摄方式。

跟：

指跟踪拍摄。

跟移是一种，还有跟摇、跟推、跟拉、跟升、跟降等，即将跟摄与拉、摇、移、升、降等20多种拍摄方法结合在一起，同时进行。

总之，跟拍的手法灵活多样，它使观众的眼睛始终盯牢在被跟摄人体、物体上。

升：

上升摄影、摄像。

降：

下降摄影、摄像。

俯：

俯拍，常用于宏观地展现环境、场合的整体面貌。

仰：

仰拍，常带有高大、庄严的意味。

甩：

甩镜头，也即扫摇镜头，指从一个被摄体甩向另一个被摄体，表现急剧的变化，作为场景变换的手段时不露剪辑的痕迹。

悬：

悬空拍摄，有时还包括空中拍摄。

它有广阔的表现力。

空：

亦称空镜头、景物镜头，指没有剧中角色（不管是人还是相关动物）的纯景物镜头。

切：

转换镜头的统称。

任何一个镜头的剪接，都是一次“切”。

综：

指综合拍摄，又称综合镜头。

它是将推、拉、摇、移、跟、升、降、俯、仰、旋、甩、悬、空等拍摄方法中的几种结合在一个镜头里进行拍摄。

短：

指短镜头。

电影一般指30秒（每秒24格）、约合胶片15米以下的镜头；电视30秒（每秒25帧）、约合750帧以下的连续画面。

长：

指长镜头。

影视都可以界定在30秒以上的连续画面。

对于长、短镜头的区分，世界上尚无公认的“尺度”，上述标准系一般而言。

世界上有希区柯克《绳索》中耗时10分钟、长到一本（指一个铁盒装的拷贝）的长镜头，也有短到只有两格、描绘火光炮影的战争片短镜头。

反打：

指摄影机、摄像机在拍摄二人场景时的异向拍摄。

例如拍摄男女二人对坐交谈，先从一边拍男，再从另一边拍女（近景、特写、半身均可），最后交叉剪辑构成一个完整的片段。

变焦拍摄：

摄影、摄像机不动，通过镜头焦距的变化，使远方的人或物清晰可见，或使近景从清晰到虚化。

主观拍摄：

又称主观镜头，即表现剧中人的主观视线、视觉的镜头，常有可视化的心理描写的作用。

三、影视的画面处理技巧

淡入：

又称渐显。

指下一段戏的第一个镜头光度由零度逐渐增至正常的强度，有如舞台的“幕启”。

淡出：

又称渐隐。

指上一段戏的最后一个镜头由正常的光度，逐渐变暗到零度，有如舞台的“幕落”。

化：

又称“溶”，是指前一个画面刚刚消失，第二个画面又同时涌现，二者是在“溶”的状态下，完成画面内容的更替。

其用途：

①用于时间转换；②表现梦幻、想像、回忆；③表景物变幻莫测，令人目不暇接；④自然承接转场，叙述顺畅、光滑。

化的过程通常有三秒钟左右。

叠：

又称“叠印”，是指前后画面各自并不消失，都有部分“留存”在银幕或荧屏上。

它是通过分割画面，表现人物的联系、推动情节的发展等。

由于

划：

又称“划入划出”。

它不同于化、叠，而是以线条或用几何图形，如圆、菱、帘、三角、多角等形状或方式，改变画面内容的一种技巧。

如用“圆”的方式又称“圈入圈出”；“帘”又称“帘入帘出”，即像卷帘子一样，使镜头内容发生变化。

入画：

指角色进入拍摄机器的取景?

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出画：

指角色原在镜头中，由上、下、左、右离开拍摄画面。

定格：

是指将电影胶片的某一格、电视画面的某一帧，通过技术手段，增加若干格、帧相同的胶片或画面，以达到影像处于静止状态的目的。

通常，电影、电视画面的各段都是以定格开始，由静变动，最后以定格结束，由动变静。

倒正画面：

以银幕或荧屏的横向中心线为轴心，经过180°的翻转，使原来的画面，由倒到正，或由正到倒。

翻转画面：

是以银幕或荧屏的竖向中心线为轴线，使画面经过180°的翻转而消失，引出下一个镜头。

一般表现新与旧、穷与富、喜与悲、今与昔的强烈对比。

起幅：

指摄影、摄像机开拍的第一个画面。

落幅：

指摄影、摄像机停机前的最后一个画面。

闪回：

影视中表现人物内心活动的一种手法。

即突然以很短暂的画面插入某一场景，用以表现人物此时此刻的心理活动和感情起伏，手法极其简洁明快。

“闪回”的内容一般为过去出现的场景或已经发生的事情。

如用于表现人物对未来或即将发生的事情的想像和预感，则称为“前闪”，它同“闪回”统称为“闪念”。

蒙太奇:

法文montage的音译，原为装配、剪切之意，指将一系列在不同地点、从不同距离和角度、以不同方法拍摄的镜头排列组合起来，是电影创作的主要叙述手段和表现手段之一。

它大致可分为“叙事蒙太奇”与“表现蒙太奇”。

前者主要以展现事件为宗旨，一般的平行剪接、交叉剪接（又称为平行蒙太奇、交叉蒙太奇）都属此类。

“表现蒙太奇”则是为加强艺术表现与情绪感染力，通过“不相关”镜头的相连或内容上的相互对照而产生原本不具有的新内涵。

剪辑：

影视制作工序之一，也指担任这一工作的专职人员。

影片、电视片拍摄完成后，依照剧情发展和结构的要求，将各个镜头的画面和声带，经过选择、整理和修剪，然后按照蒙太奇原理和最富于艺术效果的顺序组接起来，成为一部内容完整、有艺术感染力的影视作品。

剪辑是影视声像素材的分解重组工作，也是摄制过程中的一次再创作。

　四、书中涉及的其他名词

前景：

镜头中靠近前沿或位于主体前面的人或物。

在镜头画面中，用以陪衬主体，或组成戏剧环境的一部分，并增强画面的空间深度，平衡构图和美化画面。

后景：

镜头中靠近后边或位于主体后面的人或物。

后景在镜头画面中，有时作为表现的主体或陪体，但大多是戏剧环境的组成部分，有时直接构成背景。

中景：

处于画面中间的部分。

一般主体会出现在中景或前、中景之间的部位。

前景、中景、后景是摄影构图的基本层次，它们可以使画面富于层次感、纵深感。

有些画面的层次作了更细致的划分，如斯皮尔伯格《拯救大兵瑞恩》的许多画面构图，可达七八个层次。

内景:

也称“棚内景”。

指在摄影棚内搭置的场景（包括室内景或户外景）。

外景:

摄影棚以外的场景，包括自然环境、生活环境等实景，以及在摄影棚外搭建的室内景。

优点是真实、自然，具有生活气息。

摄影棚:

专供拍摄影视作品使用的特殊建筑物。

较大的摄影棚面积一般在400平方米以上至1000平方米，高度为8米以上。

棚内四周有为绘制背景用的天片，装有各种照明设施、音响条件，以及隔音、通风、调节气温、排水等设备。

棚内可搭建供拍摄的各种室内外布景。

造型语言:

传统意义上指绘画、雕塑等艺术门类用一定的物质材料塑造视觉直观形象的手段和技法的总和。

对于影视而言，各种视觉造型艺术的手段和技法（如线条、色彩、光效、影调、构图、透视规律、材料结构、空间处理等）与声音造型诸因素（音量、音色、音调、运动、方位、距离等），共同形成了它们的造型语言体系。

画外音:

指影视作品中声音的画外运用，即不是由画面中的人或物体直接发出的声音，而是来自画面外的声音。

旁白、独白、解说是画外音的主要形式。

音响的画外运用也是画外音的重要形式。

画外音使声音摆脱了依附于画面视像的从属地位，强化了影视作品的视听结合功能。

银幕：

一种由反射性或半透明的材料制成、其表面可供投射影像的电影放映设备。

宽银幕电影：

本世纪50年代兴起的新型电影，采用比标准银幕宽的银幕，可以使观众看到更广阔的景象。

目前，最普遍的方法是采用横向压缩画面的变形镜头来拍摄和放映宽银幕影片，使放映画面高宽比由普通银幕电影的1:

1.33，变成1:

1.66至1:

1.85，故称之为变形宽银幕电影。

遮幅宽银幕电影:

也称“假宽银幕电影”，使用35毫米胶片，拍摄和放映时，在摄影机和放映机片窗前加装格框，遮去画幅的上下两边，以压缩画面高度，但不改变画面宽度，能得到与变形宽银幕电影相同的银幕效果。

摄制这种宽银幕电影的方法较为简便，已得到广泛采用。

声画同步：

也即音画同步，指影视作品中的对白、歌曲和声响与画面动作相一致，声音（包括配音）和画面形象保持同步进行的自然关系。

声画平行：

影视作品声画不同步的一种情形，也称声画并行、声画分立，指影视作品中声音与画面所表现的思想感情、人物性格、艺术风格和戏剧性矛盾冲突相互贴近，但速度节奏并不同步，声音与画面各自按照自己的逻辑展开，互相补充，若即若离。

其基本特点是声音（尤其是音乐）重复或加强画面的意境、倾向或含义。

说明性音乐、渲染性音乐都属于声画平行的音乐。

声画对位：

影视作品声画不同步的另一种情形，包括两种艺术处理方式：

（１）声画对比。

声音与画面的内容和情绪一致，但存在量度、节奏的反差。

（２）声画对立。

声音与画面的形象和情绪完全相反。

制片人:

英文名称为Producer，一部影片行政上的监督者，地位和负责艺术的导演并驾齐驱。

制片人负责为一拍片计划筹措资金、购买电影剧本和延聘导演与其他重要的相关人才,如大卫·塞茨尼克。