浅谈肢体语言与角色台词的结合在戏剧表演中的重要性.docx
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浅谈肢体语言与角色台词的结合在戏剧表演中的重要性
浅谈肢体语言与角色台词的结合在戏剧表演中的重要性
摘要
在戏剧舞台表演中，可以通过许多种方式实现表达的效果，如外部的肢体语言和台词。
而本文阐发的重点是肢体语言和戏剧剧本台词之间如何结合以及如何具体运用。
肢体语言有时也称作身体语言，经探究发现，人类肢体语言十分繁复。
人类通过运用大量迥异的身体语言传达自身的想法感触。
传达此种感触的时候，通常运用许多具有普遍性的行为。
例如：
我们用掌声来表达肯定或兴奋，摇头或沉默不予回馈表达拒绝，拍桌子表达愤怒，双手紧握拳头，表达恐惧或是奋力击败对手，低头表达挫折感，捂着身体某个部位代表疼痛等。
人们使用这些经常出现的肢体语言来表达感受和情绪，而其他人则可以使用这种肢体语言来得到一定的信息与反应的回馈。
同时，肢体语言也是人际交往中的一种次要角色的表现，是提高言语交际艺术性的重要途径。
很多人会用夸张的肢体语言来增强自己的快乐感受，并经常给别人带来正能量。
总之肢体语言，无论是在生活中还是在表演艺术里，都有着十分重要的作用。
关键词：
肢体语言，角色台词，戏剧表演，融合与运用
一肢体语言在表演中的重要地位
（一）表演中肢体语言的重要性
戏剧表演艺术里，最核心的成分是戏剧剧里角色的对白、内心独白、旁白以及戏剧脚本中的诸多表演提示。
从这些部分可以看出，剧中人的台词表达与肢体语言对一场戏剧能否成功起着重要的作用，只有让两者相辅相成，相互融合，才能把一场戏剧的感觉表现得淋漓尽致。
本文通过对戏剧中的台词表达与肢体语言的分析研究，来浅析台词表达与肢体语言怎样融合以及两者融合对戏剧的重要性
肢体语言是我们日常生活中特殊且不可替代的一种表达方式，具有传达信息的功能。
例如，一些失去发言能力的人只能通过身体动作来表达他们想表达的内容和感受。
但是，这并不影响他们与他人沟通的能力。
在戏剧中使用肢体语言也是基于逐渐成熟和发展的人的特定表达。
艺术家观察或是体验生活中的身体动作元素，并将其收集和完善，并在角色塑造中运用他的艺术积累沉淀，重新编排这些元素，反映最具表现力的肢体语言。
在戏剧表演中，演员的肢体语言通常依靠表情和身体动作来反映角色的性格、情感生活和内心世界。
1真实、生活
表演是与现实生活的再现和反映最接近于逼真的现实生活的艺术：
演员应该在舞台上找到生活中的类似表达，以避免设计痕迹过重并反映与生活逻辑相对应的真实和自然。
真实性是演员表演的最基本要求。
即使你有一定的肢体语言来表达戏中的人物角色和规定情境下的事件，你也必须使它们真实可信。
这个基本要求对于角色的存在具有十分重要的意义。
2形象、生动
肢体语言中所体现出来的外部形象特征是最易识别和直观的特征，与台词语言十分不同：
肢体语言给我们视觉上直接的表达体现，让我们直接感受到此时此刻角色的感受、情绪以及内心活动，甚至会具有一定的冲击力，而台词语言则是从听觉给予我们这些，从某种层面上讲，没有肢体语言有力度。
另一方面，有必要传达身体表现和内在活动的统一。
身体是表演艺术的工具，只有充分利用这个工具，才能使表演变得形象、生动。
3感染、共鸣
所谓感染力和共鸣，可能是由于人类的一种惯性心理和相互影响的特点，比如：
一场戏中，台上的角色失去了挚爱而十分悲伤痛苦，而观众也许没有发生过这样的实际境况，演员可以使用他们自己在表演中的肢体语言和台词来恰当地表达角色此时此刻的感受或是内心活动，这样他们就可以与观众一起对戏剧中的角色与情境产生“共鸣”，这样，演员和角色就可以做到“浑然天成”，给予观众真实的体验传达。
我们不愿意看到过“过多”的表演，夸张的角色台词和夸张的肢体语言，使观众感到存在一种误导性和不真实。
但是在中国传统戏曲中，当演员害羞地演绎时，演员会用兰花遮住脸，生气时，他们会使用垂手、耸耸肩等动作。
这些夸张的肢体语言却又是优美而准确的，因为这些表演具有一定的程式化，但也是从现实生活捕捉到并升华为舞台艺术表达的。
以斯坦尼斯拉夫斯基为代表的“体验派”强调演员在舞台上的重要地位，并要求演员不要去模仿形象，而是要去成为形象。
斯氏体系对全世界的戏剧文化产生了非常重要的影响，并有着不可言喻的存在意义。
与斯坦尼斯拉夫斯基的体验派相对应的流派是布莱希特的间离方法，他主张基于历史现实的理性分析和应对问题。
突出演员的表演也需要理性，设计角色需要技巧和新鲜感，不仅仅是追求表演的真实体验。
演员在戏中的触动还会破坏艺术的真实性，演员动摇了艺术的真实本质，事实上，它就并不会感动到人。
（二）肢体语言的戏剧情节表现张力
当人物传达剧本内容的时候，身体语言起到相关的加强和升华感染力的效果。
梅耶荷德选择表演者，不在意表演者的平常体验以及是否一定是风度翩翩，他重视的是表演者有能否做出符合艺术规范的表演姿势、体态是否灵动还有对于自己身体灵活性的把控：
表演者运用的手部动作、身体语言甚至一些脸部表情从而展现奇特以及放诞的剧中角色，传达出表演者饰演角色的某些时代性群体性特征。
以上梅耶荷德的一些看法，体现出身体语言于演出里的关键作用，也在他后来所导演的戏剧中可以体现。
他导演果戈理的《钦差大臣》被北京人民艺术剧院的优秀演员重新呈现在舞台之上。
除了他们的精彩丰富的台词外，剧中的演员还在整个表演过程中使用了颇为丰富的肢体语言，尤其是手势和表情的使用。
在演出期间，演员使用了许多手势，表演者的脸部表情放诞、繁复，和梅耶荷德对于身体语言在戏剧中所起的作用息息相关。
身体语言的具体运用不光在《钦差大臣》等喜剧作品中有所体现，在其他类型的戏剧作品中同样体现出来。
中央戏剧学院的教师李娜谈到：
“美国的剧作家山姆·谢泼德的作品《愚爱》讲述了沙漠里同父异母兄弟的轶事，故事如同变了形的一种爱情，人们如何传达内心中的焦躁不安以及彼此矛盾的思绪。
纽约的一个剧场中两个表演者扮演了兄妹二人，故事开始，妹妹头低沉着在地面蹲着，哥哥站立着一动不动在旁边看着她，突然妹妹紧紧的抱住了哥哥的腿，哥哥想要挣脱开来，把妹妹拖在地上晃了两圈，妹妹想放弃了然后松开了手，哥哥起到一边去，可是妹妹突然猛地一下跳在哥哥的背上，并且疯狂的撕扯他的衣服，哥哥把妹妹用力摔在床上并将她按倒，掰开了她的双手，准备走时，妹妹忽然过去拥吻他，接着她朝哥哥脸上打了一巴掌，一会儿功夫，哥哥与妹妹再一次抱在一起亲吻对方，紧接着妹妹踢到哥哥的下肢，伴随着哥哥难受地倒下去，妹妹向其他地方逃去。
以上是一出仅有身体语言来传达剧本思路的戏剧表演，充分的传达出兄妹二人爱而不得、爱中有恨的畸形恋爱关系。
”在李娜以上的讲述中，肢体语言于戏剧表演过程里起到的关键作用也得以确认。
《愚爱》这部作品里，那种痛彻心扉爱恨纠缠没办法用台词加以传达，因此唯有身体语言可以传达作者的内心深处的思绪，观看的人也才会感受到那种切肤的绝望，那种于悬崖边行走的爱恋永恒的魅力，才能达到剧本想要的效果。
中国戏曲表演元素的运用对戏剧艺术的演出有重要作用与影响。
当前，戏剧表演中包含大量和中国传统戏剧结合而成的剧作，像田沁鑫执导的《赵氏孤儿》等等。
这个作品是把西方戏剧手法与中国传统戏曲高度融合的剧作。
集中表现在对于空间时间发生一种转换的重新编排。
开始的那一刻，主角孤寂地彳亍于梦幻世界，待到变幻舞台灯光之后，主角翻腾了一下，从梦幻世界回到了实在的生活中，简单的身体动作将实在的生活与梦幻世界发生切换，表演者于作品中的那种假定性展现的淋漓尽致。
著名的蔡伟教授彩排该校学生毕业剧目《灵魂拒葬》时，对于身体语言在表演中的具体运用也有所探究。
当舞台表演的帷幕拉开之时，官兵向观看的人展现了美妙的舞姿，以反映冲上前线前士兵的气势。
士兵们在战场上牺牲，并利用尸体的复活在远处的十字架上爬行。
这些身体动作反映了他们对生命的热爱和对上帝的信仰。
每个士兵的都在这部戏中增添了很多丰富且合理的肢体语言，例如：
约翰和贝丝在记忆美好时光的过程中，随着平台的转动，演员们通过简单的舞蹈动作强调当下的情绪和氛围；例如，琼和莱维广泛运用舞蹈动作等元素，表达当时的规定情境。
这些肢体语言的使用极大地刺激了观众的视觉并产生了台词语言所给予不了的效果，相比传统的叙事结构更为震撼。
演员学习肢体语言外部技能的要求非常高。
如果表达不够，丰富的内心体验和活动将无法得到充分反映，也不会令人感动和产生共鸣，更不会具有冲击的视觉表现力。
演员的肢体语言更好地作用于演员本身，这是他们更高的要求。
单纯充满激情的肢体语言是不够的，身体语言必须经过训练，从而达到“技巧、理性、控制、节奏、鲜活”等等的特质。
二角色台词与肢体语言融合的方法培养
一部成功的戏剧作品，是需要角色台词和肢体语言共同融合而成的。
两者只有相辅相成，不断融合才使得能戏剧艺术更加鲜活饱满，不断地向前发展。
老舍先生曾经说过：
“语言是有生命的。
”两者的结合能够让戏剧的生命延续更长的时间，为戏剧注入更加新鲜的血液。
以下将针对于人物台词和身体语言如何实现有机结合的模式还有其关键性展开探究。
（一）角色台词与肢体语言融合的方法
台词也是一种内外部动作，我的理解是语言动作。
两者的相互融合需要一个正确的方法来作为指导，才能使两者更好的结合。
例如，如果只有单方面台词的表达，则不能使观众的感受到更加真实和完整的表演。
因此，有必要在角色说台词的过程中匹配相应的身体语言。
在肢体语言塑造角色的方法中，最基本的内容和要求是：
在符合规定情境的前提之下，表达一系列合理的肢体动作，以及针对最高任务的所需求而形成和设计的一系列动作，必须是围绕行动而进行的。
因此，角色台词和肢体语言的融合要求具备有机性与合理性，因此要承担最高的任务。
另一种方法是将特定台词转换为符合生活逻辑的语言，通俗讲就是“说人话”，然后将其划分为一系列行动线，以使表演画面更逼真，更深刻，且合乎逻辑。
实际上，当讨论可以在身体的不同部位传达的身体语言的语义时，试图在特定的身体动作和身体语言的抽象语义之间建立清晰的因果逻辑联系。
我希望不仅能够解释肢体语言相关的运动意义，而且还能说明为什么肢体的这种运动可以表达相似或是不同的反应，例如手臂环抱在胸口，在说明其所包含的防御、保护性的体语信息后，我们不能仅单单理解这个“表象意义”的简单对应，而是应该深入思考表达这个肢体语言的缘由。
因此，当我们得到一个可追溯且充满理性的理由时，我们才能将这种身体语言有更深入的理解。
肢体语言是现实的艺术，生活的艺术，我们周围的现实生活场景和存在于它当中的人是这种艺术中最一望无际的海洋和根源。
肢体语言是经验知识，其现有的和即将到来的内容是基于对人们生活的不断观察，反思和整合。
预计本文中提供的有限数量的肢体语言条目将仅用作指导，以吸引更多演员对于肢体语言进行探索，并获得一些理解，更重要的是提升肢体语言的重视和技巧。
然后，积极观察生活，观察自己，观察他人，记录和探索他们通常忽略的大量信息，最后可以巧妙地融入他们自己的舞台表演当中。
身体语言的完善绝对不是简单行动的记录。
在上面所阐述的内容当中，我们反复强调肢体语言解释的合理性。
这种合理性的根源来自哪里？
它来自对肢体语言本身的全面理解。
肢体语言出现在人的身上，是生活中人们情感体验的一种外化方式。
从这个意义上说，观察和捕捉肢体语言的过程实际上是探索对象内心世界的过程。
所有被应用的肢体语言都被置于特定或特殊的假定情况下，只有这样确实的具有最准确的表达，才能得意传达所想要传达的、符合规定情境的信息。
如果我们想真实地表达某个人的行为习惯，那么仅仅观察他们的外部动作和姿势是不够的。
我们一定要了解这个人物的成长背景、性格、生活、社会关系、阶层、工作以及现在的处境等多方面因素。
只有了解且理解全面的必要信息，例如与角色的关系，可以包含着每个动作的最微妙和必要的结论，然后才能自然地为塑造的角色重新构建形象。
对于一个演员来说，观察和理解生活是一回事，另一方面是体现在从自我本身出发和现实观察下思考与探索得出的情感相融合。
它们之间的联系是一个主观和内在的过程，一个绝对抽象的思维过程，我们无法计算手写纸上的情感。
演员的工作是非常“自闭”的，并且存在着某种“难言之隐”，关于演员的角色塑造过程只能说它是不可思议且无法感同身受的。
但尽管如此，演员也必须反复的在排练过程中一次又一次的推敲和探索，改进和创作出最准确和恰当的身体表达，以便他们在排练中所扮演的角色，更加真实直接地感受自己，表达自己。
幸运的是，在我们的路上有许多有才华和成功的艺术家。
这是观察和学习的好方法。
这些前辈成功地展示了他们的生活经历，是最生动，最真实的教科书，他们的专业技能和经验是对我们有最价值的资源和学习模板。
但从另一种角度讲，还是要开掘属于自己的表演，不要刻意去模仿，从本我出发，这很重要。
（二）角色台词与肢体语言融合的重要性
通过上文的介绍和分析，我们明白了只有让角色台词与肢体语言不断地融合、相通，才能让戏剧的生命力更加顽强。
戏剧需要角色台词，需要肢体语言，这两者为戏剧的发展奠定了坚实的基础。
但是，这两者的充分融合更是戏剧所需要的，必要的。
它们的结合让戏剧艺术更加灿烂辉煌，更加博大精深，源远流长。
戏剧需要语言、需要动作，更加需要两者的结合，只有这样，我们的传统古典表演艺术才能更加具有强大的生命力。
由此可见，两者的结合对戏剧的发展和生命具有重要的意义。
演员通过研究分析和探索角色的各种必要信息，来在舞台上塑造一个完整的鲜活的人物形象，从而呈现出一场精彩的表演。
在这个过程当中，肢体语言与台词是表达角色心理核心特征的唯一方式，但来自生活和生活的表演艺术要求我们创造的人物形象不仅保持在真实层面。
艺术源于生活但高于生活，现实有时会因平庸而变得模糊，角色形象在舞台上应该是独特的，清晰的，充满活力的。
为了达到这样的效果，我们更应该专注于捕捉角色的肢体动作和进行肢体语言的能力提升。
角色的完美演绎是基于形和神两方面均被传神塑造的事实。
我们的身体具有良好的和多样的可能性，在此基础上我们可以学习和模仿各种动作。
然而，单纯的动作模拟仅完成了表演的外在表现过程，表演遵循人物形象对观众内心进行鲜活生动且感染的刺激，这是简单模仿身体动作不能满足的。
生活中的人让我们感到真实的原因是他们表达的内心情感和外在表达是对动机的无意识的，本能的反应。
如果角色在密切复制外部动作时无法实现角色的内部活动，则角色的真实感会大大降低。
当角色的内涵被捕捉并且表演活动在真实的情感基础上发展时，完美地完成角色的形态情节是关键。
在肢体动作表演的实践过程当中，我们警惕地避免模仿的刻板印象，并仔细了解每一个动作的意义和原因。
当演员从行动开始并从逻辑上向前推进时，他们会发现有必要结合许多内部因素，如人物的成长背景、性格、习惯、生活、社会关系、阶层、工作以及现在的处境，以充分揭示角色的具体行为。
在捕捉角色的特征和深刻理解角色的情感世界时，这样的过程是一个很大的帮助。
（三）台词表达与肢体语言融合的方法
在戏剧表演中，台词是演员必须具备的基本技能，这是戏剧的基础。
我们的台词已经完成了纸上文字转换为生活语言的转换，因此在戏剧表演中的位置是不可或缺的。
台词表达的艺术有很多，它需要剧中人在深刻的了解作者的意图和内心情感之后，通过自己的艺术功底和专业技能来替作者表达出来想要表达的意思。
下面让我们就如何用台词表达来表现戏剧的深刻含义做一个具体而深刻的研究。
在戏剧中，台词就是动作的另一种姿态。
它是剧中人的一个诉求或者是由于与对方交流而做出的反应。
台词艺术可谓是十分的高深，它包括潜台词、重音、停顿、节奏、感情等等方面。
每个方面都对戏剧起着重要的基础作用，例如：
潜台词，它是角色在行动过程中的真实内在表现，也是角色形象的灵魂。
深入挖掘潜台词，并把它清楚清晰的表达给观众是演员的最基本的责任与义务，通俗讲就是“说人话，让人听得懂。
”一段文字如果表现的好就会有出人意料的效果，如果演员能够把潜台词演绎和表达的好的话，那么他就可以把戏剧的灵魂淋漓尽致地表现出来。
由此可见，潜台词的艺术魅力令人回味无穷。
停顿，也是台词艺术的一种，剧中人如果运用好停顿，也会表达出来一些不为人知的感情，留给观众更深一层的感情。
停顿，有时候会给观众留下一丝遐想，有时候会给观众很多思考的空间和选择性，有时候也会引起观众的观看兴趣。
台词艺术表现出了语言魅力，台词艺术的主旋律就是贯穿始终的语言艺术，只有把握好这个主旋律，戏剧的灵魂深处才能被挖掘出来。
以潜台词为例，子潜台词应该说一些不能说的东西。
如果你想谈论不出口，你想说一些你不能说的话。
戏剧中的任何人都不会在任何时间，场合，任何事情，告诉自己的内心世界并毫无保留地表达自己的想法，在这样情况下，潜台词的优点就会逐渐显现出来，它可以把剧中人丰富的内心世界完整的表现出来，用简单的几句话，甚至几个词就可以达到完美。
这就是台词的艺术和语言的魅力。
在戏剧中，人们必须从角色的语言行为和规定的情境中提取潜台词，以便在整个戏剧的矛盾和冲突以及对人物和每个句子之间的关系的深刻理解的基础上进行。
语言行为的准确性必须基于对戏剧中人物的充分理解。
可以看出，台词的艺术需要长时间的积累和努力才能达到这样的高度，使得线台词艺术的主题可以在整个戏剧中继续。
（四）台词表达与肢体语言融合的重要性
肢体语言是戏剧中人们不可或缺的特殊词汇，是恢复戏剧形象的一种手段。
肢体语言在舞台演出中所起到的关键作用具有一种无可代替性。
舞台演出要有具备感染力的演出人员，它们从生活中走出，同时是现实的一种升华改造，它们出自对于现实的感知，可是又比对于现实的感知更加精彩。
剧中人的一举一动、一颦一笑、隐藏在心中的微妙情感可以生动地刻画，展现出肢体艺术的深刻魅力。
肢体语言的一般概念主要是指通过身体的运动和运动的节奏以及运动的张力来完成任务的内心世界和情感生活。
肢体语言在情节的发展和丰富的舞台表演的影响中起着重要作用。
肢体语言不仅使画面更生动，更逼真，更生动，而且还增强了人物的情感表达和故事的详细描述。
由于许多情感不仅因语言而完美、完整，完美的戏剧也不能错过肢体语言的增光添彩。
同时，肢体语言的解释与表达需要更深层的更具专业技能功底，所以，肢体语言的意义是显而易见的。
舞台表演中大量运用身体语言早就成了戏剧表演一种大的形势，它们使得舞台艺术更加精彩灵动。
同时角色的感情呈现得以强化，也有利于叙事单元的有效展开，因此它对演员的肢体表现力提出更高的要求，演员的肢体动作一定要有美感、有控制、有节奏、有技巧，更重要的是从他们的的肢体动作当中，让观众感受到戏剧的深度内涵与情感体验。
演员只有做好了这些基本的功课，才能让戏剧艺术吸引更多的观众，才能让戏剧艺术源远流长。
三表演艺术中肢体语言的控制方法
（一）肢体语言之中控制的关键性
本章的上一节对于在舞台上怎么样形成理性进行了分析，这样说来掌握控制于舞台上到底多么关键呢？
刘汁子于《电影表演控制论方法》中谈到：
“控制其实是一种理性的产物。
”百科全书派代表人物狄德罗于《演员的矛盾中》谈及：
“庸常的表演者由极端感性而产生，中度感性是产生劣质表演者的原因，而高度理性产生杰出的表演者。
”像狄德罗所说的那样，表演者看待舞台表演需要非常的理性才行，表演者要与敏感作斗争，表演者需要拥有一种控制能力。
但此种想法其实也有失偏颇。
倘若看待舞台表演保持一种高度理性，避免自我感情的介入也可能使得人物丧失鲜活性，这种情况观看者也不同意。
前苏联知名艺人连斯基谈到：
“狄德罗表现出一些不正确的观念，他觉得表演者的强大控制力为失去敏感的集中体现。
倘若他觉得强大的控制力为他本人理论的出发点，这样他对于表演者的诠释是不一样的：
它们一定得是这样：
必须摒弃感情，敏感性很强以及控制能力欠缺，创造一个具有极高灵敏度和完全自我控制的主要演员-一个伟大的演员。
”
“伟大的演员”的提出，让我们知道，演员必须创造一个充满活力和艺术形象的人。
有必要将人的整个生理、身体和整体心理功能结合起来，在可以控制的范围内去体现角色，这才是演员要做到的控制。
在控制肢体语言时，我们要讲究度，能屈能伸。
在表达情感时，演员必须根据角色和环境的需要，并根据行动的发展和变化进行准确和衡量。
作为演员，这些必须是要认真去思考才能得以又控制的体现的。
舞台上或电影和电视剧中演员的哭泣和笑声不能像生活中随意的哭泣。
这是一种艺术创作，不仅给人们一种享受艺术的感觉，也给了他们一种美好的享受。
前段时间网络流行的“咆哮帝”马景涛，他主演的大多数电视剧的在线整合，无论是哭泣还是笑声，谈话或辩论，跑步还是跑步，整个肢体语言都被夸大了，这让观众面临压力。
我认为在生活中，无论是哭泣还是笑，无论是好看还是丑陋，辛苦还是愉快，人们都无所谓，但在屏幕前，演员们感觉他们正在享受一幅美丽的画面。
以这种和谐的方式，演员希望他们的表演能够观众带来良好的感觉，而不是让观众在看了他们的表演之后感到有所不适。
通常来说，一些“激动的”演员为了证明他们与角色的融合，往往控制不住表演的力度，而这种方式却起到了适得其反的效果，他们不仅不能很好地体现他们与角色相互融合，反而会破坏艺术之美。
演员对角色的塑造过程，实际上是一个二度创作的过程，演员既要表现出真实的自我，也要表现出角色的自我，从两种“自我”的关系上说，“第一自我”，也就是演员自身，是“施控”系统，是用来对“第二自我”（角色）控制的。
单就从表演的特殊性来看，演员和角色是要相融合的，这就需要“第一自我”与“第二自我”在保持独立的同时又相互统一，这样才能使这两种自我在演员身上体现出来，并进入内心。
演员的一举一动，一颦一笑，任何情绪的表达都要确保“第二自我”始终在“第一自我”的监督和控制之下。
在舞台上，理性和强势的演员通常不容易改变他们的真实感受，但在特殊的激励下，一旦感性将理性冲破，瞬间迸发的火花就会产生巨大的吸引力和能量。
作为演员，我们需要掌握专业的表演深层内在的能力，以及夯实专业技能基础，越稳定且坚固越有益处。
记得在大一的表演基础课时，老师让我们做出表现“热”的练习，那时刚好是冬天，在冬天要表现出热的感觉。
由于我算是初学者，有点紧张但是态度认真，表演的就是我自己平时生活常态，热的时候会擦汗、抖一抖衣服、会用手当扇子扇风，还会发出热的呻吟。
老师说我真实自然，更加的专注于所有感受到热动作。
事实上，我只是充分反映了炎热的生活状态。
后来，我再次做了这个练习。
我没有深刻的经验。
我理性地重复了最后的动作，终于还是得到了老师的称赞。
我突然意识到，只要肢体语言是正确的，它就能唤起内在的真实体验，同时也表明理性设计也是通过体验而存在的。
体验所体现出来的肢体语言不同于基于生活的有意设计。
设计的肢体语言是没有灵魂的。
从现实生活体验中捕捉和提取出来的肢体语言是有机的，每次都被驱动内心有真实的感受。
这种类型的基础训练，如同绘画，无论是写意还是实景画，具体还是抽象，只要有扎实的基础，就可以产生良好的效果，但对于绘画而言，并不是每幅画都需要具体的现实。
因此，对演员的通常训练需要非常用心，但在舞台上它不必像练习那样逼真。
在舞台上就是模仿和再现“现实生活”。
就像戏剧表演一样，你的台词不仅可以与你的对手分享，也可以与你周围的观众分享，因为这部分是为了观众。
这足以打破“现实生活”。
演员的目的不仅仅是深入研究和创作角色，更需要对角色的生活有真正的体会，这样才能更深一步的理解角色，从而将角色完美真实地呈现出来。
演员在设计肢体语言与对手沟通的时候，必须要对角色有一个深刻理性的理解，这是合理的流程，否则演员的表演将失去表现力，得不到观众的认可。
有些人会说演员表现不佳表明内心体验不足。
在剧组中，导演经常听到导演告诉演员：
“你这情绪不对，表达的方式不对，不够饱满，太假了。
”可以看出，仅依靠真实的内在体验是不够的，表达的动作和节奏也是不稳定和不准确的。
一些演员在情感上过于兴奋，并认为经验就是一切。
当他们遇到一个哭泣的场景时，他们就像一匹被带走的野马，他失去控制，没有人可以接受它。
如果在排练中没问题，但是在演出期间发生，人们会感到烦恼和粗俗。
事实证明，艺术不可能与生活完全相同，但必须合理选择和雕刻。
无论是对剧本和人物的分析还是在舞台上扮演角色，演员的理性作用于角色都不容忽视。
“作家从生活到角色，演员从角色到生活。
”这句话决定了创作过程中演员的合理性。
无论丰富和发展如何，在整个排练过程中的任何时候都会对其进行
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