常用乐器人声均衡调节技巧.docx

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常用乐器人声均衡调节技巧

常用乐器、人声均衡调节技巧

常用乐器、人声均衡调整技巧

在很多状况下，一种器乐单独听起来很动听，但仍需进行均衡调整使之频响与其他乐器没有抵触、突出较亮丽的部分，从而融入到作品中去，这就是均衡调整的主要目的。

下面让我们看一下常用乐器及人声均衡调整的一些诀窍：

1.底鼓（KickDrum）：

底鼓是一首歌曲里较重要的部分之一，因为它推动着节奏向前进行。

这里我们争论如何处理常见的三种底鼓：

第一种我称之为“80年月蓬头底鼓”，你肯定熟识的：

强而有力、富含中频、含有重击的"砰"声，想得到这种比较怀旧的底鼓声音，可以先过滤掉60Hz以下的频率，然后依据状况在78-84Hz提升3到6dB（Q值大约为1），使之听起来象是敲在你的胸膛上。

接下来在1.5-2.5kHz提升大约6dB来增加"砰"声（Q值在1.5-2.5比较适合），较后在120Hz降大约4dB（Q值1.0）。

参数可以反复调整直至听起来象"WhiteLion"的作品。

第二种是当今较流行的"Bonham"摇滚底鼓，我通常在120-240Hz提升4dB或更多来得到这种声音，还需要过滤掉1.5kHz以上的全部频率，有时候可能需要在80Hz略降低1-2dB、在60略提升2-3dB。

还有一种现在常用的底鼓：

比较空、有摩擦声，想得到这种声音，你可以过滤掉100Hz以下的全部声音，在125Hz提升大约3dB，在250-350Hz提升大约4dB。

然后过滤掉2kHz以上的全部频率。

2.军鼓：

目前有两种使用较广泛的军鼓类型：

一种紧凑、有力，另一种松散、比较长（通常用于ballads风格的歌曲）

首先，任何军鼓都不需要150Hz以下的声音，所以把它们过滤掉。

军鼓的中心频率通常在1kHz四周数百Hz的频段内，所以在这一频段提升3-6dB通常会特别有益。

对于紧凑型军鼓，你可以尝试分别提升中高频（5kHz四周）、部分高频（8-9kHz），提升量可以从3dB开头渐渐上升，左右变化一下提升的频点直到得到抱负的效果。

过滤掉250Hz以下、11kHz以上的频率会使这种军鼓听起来很舒适。

对于松散型军鼓，需要在低端（250Hz四周）进行一些提升，我通常提升6dB。

高频不用象紧凑型军鼓那样大幅提升，但在7kHz四周略作提升通常会有好处，再往上的频段可以过滤掉。

关键是中频，先把提升的频点在800Hz-2kHz之间移动，找到那个能引起共鸣的频点，然后调整一下提升的幅度和Q值。

对于这种军鼓，往往需要加上启动时间（attacktime）较长的压缩、较重的混响来与之协作。

3.钹（cymbal）：

对于这些富含高频的鼓件，可以降低4kHz以下的频率，依据状况提上升频区（10-14kHz）大约3dB。

4.沙锤（shaker）,手铃（tambourine）,手鼓（conga）、拍手（handclap）等：

沙锤（shaker）和手铃（tambourine）很相像，要光明并且贯穿高频区，对于沙锤，我通常过滤掉2kHz以下的全部频率，略提上升频，比如在9kHz提升6dB；手铃要略带叮当声，所以我过滤掉800Hz以下的频率，在1.5或2kHz提升4dB，在7kHz略作提升。

对于手鼓（conga），我通常用扫频的方法找到那个引起共鸣的频点，依据状况略作提升或降低。

需要留意的是不能提升过多，尤其是共鸣频点较低的时候，可能与鼓和贝斯形成干扰。

为了突出conga的冲击效果，我通常在中频（5kHz四周）略作提升，比如提升6dB。

对于拍手声，可以通过提升中低频使之厚实，通常在250Hz提升2dB（Q值1.5）。

同样为了加强冲击力，可以提升中频（在1.5kHz四周提升约4dB）和高频（在8kHz四周提升2-3dB）。

5.钢琴：

假如钢琴是主要乐器，只与人声或少量陪衬乐器构成音乐，这时可不必做太多调整，假如没有贝斯，我通常会略微提升低频（140Hz四周），另外可以在高频区（8.5kHz四周）略作提升，比如3dB。

假如钢琴与其他7-8种乐器一起构成特别丰满的音乐，则需要对钢琴做一些衰减的均衡处理。

由于钢琴的弹奏多集中在中音区，因此你可能需要在中频区（3或4kHz）略作衰减使之听起来不那么"honky"。

过滤掉140Hz以下的频率，因为这段频率毫无疑问会与底鼓和贝斯形成干扰。

在8kHz四周略作提升可以使高音键听起来更光明。

另外尽量使中频到高频的过渡自然些。

6.电贝斯：

电贝斯的种类许多，处理的方法也不一样。

我较喜爱的是这种贝斯：

丰满、厚重、每个音符都很突出。

对于这种贝斯我通常这样处理：

过滤掉100Hz以下的全部频段，降低520Hz以上的频段，在260Hz提升6dB使音调变得丰满，在730Hz提升3dB来增加拨弦的噪声，然后再协作适当的压限效果器，就可以产生这种适用于多种音乐风格的贝斯声音了。

对于击弦贝斯（slapsandpunches），处理方法大体同上，但有两处不太一样：

不必从520Hz就开头降低高频，在中频（2kHz四周）提升4-6dB突出slap声；低频过滤点可以设在50Hz，以便保持足够的隆隆声。

7.电吉他：

与钢琴一样需要依据整个作品的配器来打算处理方法。

假如只有一轨电吉他外加鼓与贝斯，可以让电吉他听起来洪亮；假如有好几轨电吉他，另外还有钢琴、电钢琴、打击等乐器，就必需让电吉他在频谱中占据合理的位置，从而融入到音乐中。

对于第一种状况，只要不与贝斯发生冲突，可以尽可能的洪亮，我处理那种只有一个吉他手的小型摇滚乐队时，会尽可能提升电吉他的低频，通常会在160Hz提升3dB以上，同时留意与贝斯相融合。

另外依据电吉他的声音特点可以在700-800Hz稍作提升。

有时需要突出中频，可以在3kHz四周提升。

假如想要得到那种压碎般的声音（crunchier），可以在高频区（7kHz）提升6dB左右。

同样，把不需要的低频和高频过滤掉——这是一个好习惯，但要认真听，以免过滤掉有用的泛音和谐音。

对于第二种大型乐队的状况，假设还有另外两把电吉他。

首先过滤掉200Hz以下和9kHz以上的频率，重点是中频，可以先通过扫频来推断哪些频段需要提升、哪些频段需要衰减。

我发觉提升4kHz、衰减6kHz通常能取得好的效果，但有时却正好相反，主要取决于作品的整体要求。

对于有多把电吉他同时演奏的状况，要确保其声音略有不同，否则听上去会特别刺耳。

8.木吉他与弦乐：

对于不同的混音作品，木吉他的均衡处理睬有极大的不同。

图六（愧疚在原文里没有找到图例）示范了一个与鼓、贝斯、钢琴、电吉他、打击乐以及大量人声一起演奏的木吉他均衡处理。

我过滤掉了90Hz以下的全部频率，在360Hz作了少许提升。

在中频、高频作了相当大的提升：

在2kHz提升了10dB，在7.1kHz提升了9dB，这样处理后木吉他听起来的确比其他乐器都要光明了。

来看图七，这首作品里除了木吉他外只有人声、少量打击乐器。

为了使木吉他听起来更饱满，我把低频过滤点降低到了43Hz，在166Hz提升了3.4dB。

中频提升点放到了3.1kHz，只提升了7dB，用更平滑的均衡曲线在高频区（7.1以上）提升了9dB。

弦乐的均衡处理与木吉他特别类似，在乐器许多的音乐里，我通常会过滤掉大部分低频，然后在中高频（7kHz）提升大约4dB，较后或许会在高频区（10kHz）用坡形曲线做提升来增加一些空气感。

9.铜管和木管乐器：

通常中频比较突出，处理好中频特别重要。

对于象小号这样的乐器，低频过滤点可以设在200Hz甚至更高，在对中频进行处理时要留意避开混浊。

对于那些低音突出的铜管乐器来说，状况正好相反，需要过滤掉高频部分，比如过滤掉9kHz以上，通常要提升中低频，比如1.5kHz四周。

对于大号，记住肯定要过滤掉40Hz以下的频段，以免引起某些音箱发出低频噪音。

大多数木管乐器需要突出气流声，通常可以通过提升9kHz以上的频段来达到这一目的。

巴颂管可以演奏特别低的音符，所以不要过滤掉它的低频。

但对大多数木管乐器来说，过滤掉低频是有益的。

10.主唱：

往往需要在音乐里处于显著、靠前的位置，通常可以通过提升中频来实现。

主唱是音乐较关键的部分，要求能听清每一个字又不让人感到烦扰。

对于不同特点的人声，处理方法各不相同，需要通过多听来推断。

有一点必需要留意，男声和女声的处理方法有很大的不同，我前一阵刚完成一首男女声二重唱歌曲，男歌手和女歌手在同一个录音棚录音，用的都是U67话筒，但声音的差别让我大吃一惊。

我对他们分别进行了均衡处理，见图8（愧疚在原文里没有找到图例）。

男声我用坡形均衡曲线在高频区提升了1dB，女声我在8.8kHz衰减了3dB。

由于男歌手那天感冒了，鼻音较重，所以我在5.1kHz衰减了5dB，在7.5kHz提升了2dB。

女声的低频区我分别在733Hz和283Hz提升了4dB，目的是用女声低频来补充男声。

好玩的是我对男声和女声都在2.5kHz作了提升，可见提升中频对于人声来说有多重要。

11.背景人声：

有两种类型的背景人声，一种是标准的高八度合唱，我通常使用与主唱相同的均衡设置；另一种是有3-4个不同声部的背景和声，声像范围跨越整个声场，这时我会使用不同的均衡设置，要让他们听起来富有空间感并且超凡脱俗：

对于高声部和声，我通常过滤掉400Hz以下的频率，对于低声部和声，过滤掉100Hz以下的频率，在不丢失合唱清楚度的前提下尽可能的降低中频（1-4kHz）。

在中高频和高频我做了较大提升，直到听前来如同天使发出的声音。

12.念白：

对于那种不许要与音乐相融合的念白，可以让声音尽量厚重，尽可能保留更多的低频。

假如想让宣讲者的声音听起来如同上帝般宏亮，可以依据状况提升60Hz及120Hz。

然后提升7kHz四周的高频。

有时需要降低一点中频，但要留意不要丢失声音的清楚度。

作品的成就与被认可这主要取决于操的听力、阅历、学问，阅历不能在课堂上传授，只有多实践、多体会、多创新。

总之，在混音时千万不要遗忘多转动均衡按钮！

学吹管乐器对孩子的影响

经过科学的实践，人们对学习音乐来开发智力这一观点的熟悉趋于成熟，因为学习音乐的孩子会更聪慧。

我们来对声乐、键盘乐器、吹管乐器进行一个比较：

声乐——动口、运气;键盘乐器——动手、间或动脚;吹管乐气——运气、动口、动手;

通过对比我们可以发觉：

吹管乐器综合了声乐和键盘的不同功能。

无怪乎，吹笛弄箫之人多为聪慧灵活之人。

我国闻名笛箫演奏家、训练家、理论家林克仁教授对很多民族吹管名家大师进行跟踪观看，发觉了他们有三个共同特征：

无一名癌症患者、气管和肺等呼吸系统无一人有毛病、健康长寿心灵手巧。

2021年4月9日72岁高龄的北派笛子大师王铁锤，在北京音乐厅连续讲解民族吹管乐器的演奏与协商，说话声音嘹亮有力，三小时后仍旧不知疲乏。

笔者是个二十多岁的小伙子，也不肯定能这么长时间连续说话讲解。

吹管乐器的学习对孩子们有什么影响呢?

耳朵（听觉）的训练——对孩子非母语语言的学习有关心、音乐方面可以培育孩子的固定音高概念;

手指（触觉）的训练——身体末端神经的刺激、心灵手巧;

音乐基础乐理学问（数字）的训练——可以促进孩子的数学力量;

娴熟的唱谱记谱（记忆力）——可以增加孩子的语言力量和记忆力的进展;

正确的运气用气（呼吸）的训练——气功的训练，对孩子的身体健康大有裨益。

吹管乐是通气的，其吐纳与原理与气功如出一辙：

采日月之精华，抒胸中之淤积，吐故纳新，困倦时高吹一曲真是神情舒爽，心旷神怡。

（林克仁《中国笛箫》）

在吹奏过程中需要口腔（存气）、舌头（技巧）、耳朵（听音）、眼睛（视谱）、手指（技巧）、内心（节拍、节奏、背谱）、横膈膜（存气、控气）等协调工作。

练习过程中将全身的机能都调动起来。

另外、长期的训练还可以培育孩子的顽强意志和不屈的一面。

吹管乐器的学习可以自娱自乐，可以登台表演，可以独奏、可以合奏、更可以有益健康，可谓作用多多、好处多多。

何不让孩子一试?

音乐配器的四个基本层次

一首完整的器乐合奏（包括伴奏音乐）包括四个较基本的织体层次:

1.旋律层2.和声节奏层3.低音层4.噪音层.

1、旋律层这是每一首乐曲较先被别人听到的层次,他是全曲的灵魂所在,旋律不同于其他层次,具有可唱歌性,亲切而鲜亮.各种乐音乐器均可用于旋律的演奏.这个层次还可扩展出副旋律层,第二副旋律等等.

2、和声节奏层这是用某些乐器组或和声乐以恰当的和弦进行的方式,按音乐的律动规律衬托旋律的层次.和声的律动节奏型非常敏捷,有柱式和弦;半分解和弦;分解和弦;综合型等等这个层次既是音乐节拍律动的交待,又是调式调性的交待,同时还用来衬托音乐共性化的背景.

3、低音层与和声节奏层一样低音层也是乐曲中特别重要的角色,没有好的低音的音乐是不完整的和单调的.主要的低音乐器除了传统的如Bass,Tuba,Basson等,在各种音源中还有很多合成音色,这些音色无论作和声节奏也好还是作低音也好都有传统乐器所不及的地方,这有待同志们去开发利用.但我也劝大家,低音层在以往种被人们忽视,认真听一下,没有哪首好的乐曲不是低音设计得特别细致的.他既要体现每一个和弦的功能,同时低音的连接本身就是一段好听的旋律.,在作曲的过程当中我们还要注意低音的连贯性和旋律性.

4、噪音层这是由一些非乐音成分组成的,如打击月,风声,鸟鸣声等,他们虽然在乐曲中不是主导地位,但对于音乐风格的呈现和共性的表达起到了不行抹煞的作用.但也应当留意到,电子乐器和音源的使用使得噪音的运用变得空前的便利和简洁,固不要忍不住就乱用,用得恰当可以使音乐陈述更加有力,用得不当只会适得其反。