七年级下第一课 艺术源于生活.docx
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七年级下第一课艺术源于生活
第一课艺术源于生活，高于生活
一、教材分析：
《全日制义务教育美术课程标准》初中阶段对"欣赏评述"课的要求是学生能"对美术作品和美术现象进行简短评述"。
"欣赏评述"是对美术作品进行分析、解释、判断的教学活动。
评述更着眼于对美术作品理解、评价的表达。
从古至今，艺术创造和现实生活有着密不可分的关系，，没有生活原形或者现象就没有艺术的创作源头和灵感，也就是说生活中的所有点滴小事或者发生过的是艺术素材的提供者和原形。
目前，学生欣赏美术作品往往以"像不像"来衡量，这体现了学生对艺术与生活的关系，认为艺术应该反映生活的朴素的理解。
然而，许多美术作品所创造的艺术形象又与生活中的真实原型不一样，对此学生就说不出道理了，尤其是对现代艺术与生活的关系，他们不能理解且疑惑甚多，既不可能"欣赏"也不会评述了。
学习此课的目的就是使学生能更好的理解艺术与生活的关系，即"艺术源于生活，高于生活"，为欣赏评述美术作品奠定基础。
（一）教学目标：
通过艺术作品的欣赏和分析，使学生进一步理解"艺术源于生活，高于生活。
"的道理。
让学生初步学会欣赏艺术作品。
在思考和讨论中培养学生合作互动地解决问题的能力，锻炼学生的评述能力。
在了解艺术和生活之间的关系中，增强学生对生活的认识，激发学生热爱生活、生命、自然。
（二）内容结构
本课分为三个部分。
第一部分是欣赏齐白石先生画的虾通过教师的讲解让学生理解齐白石的作品之所以打动人，是他的创作题材、内容、技法都来自于日常的生活，但并不是简单地描绘生活，而是寓于形象之中的诗意和对生活的热爱之情，也诱导、激发着人们对生活的爱。
通过了解齐白石尝试分析塞尚的《拜克托瓦尔山》它与现实的照片有什么区别。
第二部分是欣赏《开国大典》让学生了解创作的背景后，让学生通过照片与画作的对比以小组合作的方式分析这张画与照片的区别与画作给人的感受，并分析作者的创作意图，他希望传达的思想以及在绘画中运用的各种技法是如何来为画面服务的等方面，让学生更加深刻的理解艺术源于生活，高于生活的道理。
第三部分欣赏梵高的画作《夜咖啡馆》小组讨论生活与创作的关系，并参考一张照片进行艺术创作（仅参考照片进行构图并不需要上色）。
或者运用音乐肢体动作进行画作或者文学作品展示。
（三）教学的重点与难点
使学生理解艺术创作的题材、内容与技法都源于生活，艺术家所创造的艺术作品及其艺术形象是高于生活的。
以美术作品作为切入点，使学生理解“艺术源于生活，高于生活。
”
二、名词解释
艺术源于生活：
最初说这句话的人无法考证，但俄文艺理论家车尔尼雪夫斯基对这句话有较完整的阐述。
艺术素材来自生活，生活素材需要艺术家筛选，再创造。
含义大体意思是：
没有生活原形或者现象就没有艺术创作的源头和灵感.也就是说生活中的所有点滴小事或者发生过的事是艺术素材的提供者和原形。
一切的所谓“艺术”都是人眼中的艺术，而人是生活的产物，人的全部鉴别标准当然也是生活的产物，所以说完全脱离生活的所谓艺术不可能与人的鉴别标准接轨，逆而论之，人类艺术必来源于人类生活。
艺术高于生活：
生活中的所有点滴小事或者发生过的事是艺术素材的提供者和原形.而作家通过艺术手段的加工,精练的语言描述,有序的故事情节排列,渲染,夸张,集中矛盾等故事情节的等等描绘,就使一本小说或者是其他的文学作品更加的生动,耐人寻味.所以说,艺术来源于生活而又高于生活.艺术源于生活有高于生活的例子:
艺术就是生活的浓缩与提炼,它有时会把一些生活中的东西做的更纯粹,更极致。
它是美的，纯粹的，带着创作者的个人倾向，必定是展现，提取他认为有价值的东西。
三、教学建议
1：
实例可以是美术作品，也可以是音乐、舞蹈、戏曲、影视作品，还可以是文学作品。
2：
学生展示时，可出示实物，也可出示图片资料、音像资料，还可进行语言或肢体上的表演
四、教学内容及过程
（一）导入。
1、影视欣赏：
动画片《爱宠大机密》片段
2、思考比较：
动画片中的兔子形象与生活中的兔子的异同
3、点出本课重点"艺术生活"
（二）现实与艺术的关系
1、国画作品《虾》（齐白石）
①映示国画作品《虾》（教材P4）
齐白石是我国著名的艺术家，他在诗、书、画、印几个方面都达到很高成就。
齐白石作画反对拘泥于形似，主张作画要形神兼备。
他认为"作画妙在似与不似之间"，"太似为媚俗，不似为欺世"都不可取。
就拿他画的虾来说吧：
人们都觉得画的像极了，虾体透明，会游、会跳动。
不过当我们拿画中的虾与生活中的真虾相比，它们又有很多不同。
②《虾》的艺术处理：
齐白石依据真虾总结出极为简练的画法，使其所画之虾又不同于真虾。
真虾的眼睛看上去是一个小点，他却以浓墨横笔将虾眼画的非常突出，显得极为精神；真虾的腿有很多，他删繁就简，仅画五条，就显得多而生动。
所以他画的虾，既让人感到是充满生命力的在觅食游动的活虾，又让人体会到苍劲有力的笔法和浓淡干湿变化的墨色的艺术美感。
③《虾》的艺术特色及其艺术魅力。
齐白石所画之虾的头与尾是俯视效果，腰身是侧视效果，是由两处最具虾的形象特点构成的。
正是由于画家集中和强化了虾的典型特征，所以他画的虾比真虾更具典型性，也更高于生活。
画家根据长期的观察，按照美的要求，把生活中的虾变成了艺术的形象，它离不开对象的特征，但由于画家的夸张和取舍，使观者对虾的生动活泼的印象更强烈了，它"妙在似与不似之间"，给人以美的享受。
2、观看拜克托瓦尔山照片与塞尚《拜克托瓦尔山》他们的区别，说说他们有哪些异同，小组讨论并发言回答。
（三）艺术源于生活，高于生活
1、油画作品《开国大典》（董希文）
①播放《开国大典》影片片段。
②映示关于《开国大典》的油画作品和摄影作品各一张。
（教材P4）
这是一幅深为群众欢迎的革命历史画。
画宽4.05米，高2.3米，油画。
1952年至1953年作，现藏中国革命历史博物馆。
画面主体为毛泽东主席和其它中央领导人在天安门城楼上。
代表着亿万中国人民向全世界庄严宣告：
中华人民共和国成立了，中国人民从此站起来。
这庄严的声音，响彻天安门广场，回响在祖国大地，震撼着全世界。
它表现了新中国开国大典的宏伟壮阔的场面，再现了"中国人民从此站起来了"这一划时代的一刻。
③学生看教材P6,分小组讨论两者的差别。
④学生发表讨论结果。
⑤教师分析总结油画《开国大典》的艺术特色。
油画《开国大典》艺术处理方法：
（1）运用了油画表现手法，强调了空间感；
（2）拉开了毛主席与各位首长的距离，人群、扶栏的透视线与灯穗方向引向毛主席，突出了毛主席的中心位置；
（3）减少了近处的廊柱，抬高了灯笼，看到广场上的群众、红旗，烘托出隆重热烈的庆典气氛；
（4）蓝天、白云、红灯、红柱，色彩鲜艳明快；
（5）主席台上的菊花表现出"十一"正直金秋丰收季节。
画面上，国家领导人虽只在左侧占画面三分之一的部分，但在暖调子的红灯笼、红柱子、红地毯的衬托下，非常醒目。
毛泽东主席健朗魁伟的身姿处于画面中心，也体现了领导全中国的核心之核心，并与远方千千万万的群众遥相呼应，共同为中国历史掀开新的一页而自豪。
画家在构图、设色、人物等场面的处理上，体现出一个泱泱大国的气魄和风度。
如果你到过天安门城楼上，会更加体会到作者构图的大胆与巧妙。
画家在画面上加宽了左右两边红柱子的实际距离，并把右边的一组红柱子搬到画面之外；将栏杆、地毯、游行队伍平行舒展开去使宏大的群众场面得以充分表现。
天安门座北朝南，中央领导人本是面向南方站在毛泽东主席后面，处于逆光之中并背向观众。
画家大胆地将中央领导人的位置移至左侧一角，从而消除了逆光与背向观众的现象，使画面显得更加明丽而喜气洋洋。
再细看，毛主席的集团也不是面向正南方。
另外，典礼当天是阴天有雨的天气，画家却把它改为秋高气爽的晴朗天气，使人有天随人愿、清爽欢快之感。
所有这些大胆的改动，一般人看画时都并不会察觉，不会去分析这些情况给人的印象是，该画真实地、恰如其分地表现了开国大典的盛况。
非如此不可。
这就是艺术家大胆而高超的构图技巧，从而体现了一个深刻的道理：
艺术不是生活毫不走样的"复制"，不是生活的翻版和备份。
如果说生活是艺术的原型，那么艺术则是生活的升华。
艺术源于生活，更高于生活！
画家在此画中努力使西方的油画技法与我们民族的审美观相适应，特别在色彩处理上，强调色彩的单纯，对比强烈。
红地毯、红灯笼、红柱子及远处红旗的海洋与蓝天、绿树形成对比基调，使画面热烈而明快的；金黄色的菊花与蓝天、白云的对比。
既点明了秋高气爽的季节，又与黄色的灯穗相呼应，增强了华贵灿烂、富丽堂皇的欢庆气氛。
总之，画中强调了物体的固有色，减弱了随光线、环境而异的西方画法用色法。
柔进了中国画法的工笔重彩绘画技巧和敦煌壁画用色的特点。
画家在描绘红地毯时，还独具匠心地在颜料中加入砂粒而收到意想不到的艺术效果。
画家深厚的艺术功底，使这幅画成为具有强烈艺术感染力的优秀作品。
2、尝试从绘画色彩方面分析梵高的绘画《夜的咖啡馆》，为什么艺术来源于生活又高于生活。
3、美术作品的艺术魅力
凡高的油画作品《向日葵》的色彩美
列宾的油画作品《伏尔加河上的纤夫》的悲壮美
吴冠中的油画作品《长城》的壮观
罗中立的油画作品《父亲》的沧桑
4、动动手
1、以事先搜集的照片为创作材料，进行艺术创作（只构图，不填色）
2、有背景音乐的以肢体语言为辅助进行舞蹈或是艺术作品（绘画）或文学作品进行展示。
五、教学资料
齐白石：
齐白石经过数十年的艺术探索，深知画家必须能够把握对象活的形貌、质量感、运动方式、环境关系及个性特征，否则画得再似，也形同死物。
他画虾就是通过毕生的观察，力求深入表现它们的形神特征。
齐白石从小生活在水塘边，常钓虾玩；青年时开始画虾；约40岁后临摹过徐渭、李复堂等明清画家画的虾；63岁时他画虾已很相似，但还不够“活”，便在碗里养了几只长臂虾，置于画案，每日观察，画虾之法亦因之而变，他的虾也成为他代表性的艺术符号之一。
白石画虾已入化境，在简括的笔墨中表现了游弋水中的群虾。
粗壮、浓厚的茨菇，与群虾的透明、轻灵纤细形成对比，体现出晚年的齐白石画艺的成熟。
此图表现虾的形态，活泼、灵敏、机警，有生命力。
因为掌握了虾的特征，所以画起来得心应手。
就以画面上的虾为例：
虾头上的三笔，有墨色的深浅浓淡，表现出一种动感。
左右一对浓墨眼睛，脑袋中间用一点焦墨，左右二笔淡墨，于是使虾的头部变化多端。
硬壳透明，由深到浅。
而虾的腰部，一笔一节，连续数笔，形成了虾腰节奏的由粗渐细。
用笔的变化，使虾的腰部呈现各种异态，有躬腰向前的，有直腰游荡的。
也有弯腰爬行的。
虾的尾部也是三笔，既有弹力，又有透明感。
虾的一对前爪，由细而粗，数节之间直到两螯，形似钳子，有开有合。
虾的触须用数条淡墨线画出。
看似容易，实则极难：
画得活，则虾之生命自出；画僵了，也就失去了生命。
虾须的线条似柔实刚，似断实连，直中有曲，乱小有序，纸上之虾似在水中嬉戏游动，触须也像似动非动。
塞尚：
他从最早开始便参加印象派的画展，可其真正的艺术追求在很多地方倒是与修拉有某些类似，他们的灵感虽然来源于眼睛所看到的自然，但在画面中却改变了形态，以另外一种不同的方式存在着，不再是对现实的亦步亦趋，而是具有宏伟、坚固、不可动摇的性质。
我们或许还记得莱奥纳多为了使画面变得更加接近真实而采用的方法，他让物体结构边缘混沌柔和，如同与空气融为一体。
但是塞尚在这里却反其道而行之。
他的画中，我们找不到传统绘画意义上的立体感、空间感、透视感，可如果你顺着前排一点点向后看去，仍然可以感觉到巨大的体积和深度。
后来的人喜欢把塞尚作品的这种特点称为“平面化的深度空间”，这不过是个方便的称呼罢了，但观众一旦意识到这种原则，再看塞尚的作品，一定会觉得很有趣，你的目光顺着画面感觉可以走出好几公里远。
而看到后来又猛然发现，最远的与最近的原来处于同一个平面。
不过，塞尚这样画的原因可不是要和观众做游戏，他在思考更深层次的问题。
对于塞尚来说，自然蕴涵着所有的智慧和奥秘，但它呈现给我们的一切都不长久，都是会消逝的。
因此艺术一定要记录能留住它永恒性质的一面，要能带给人一种大自然的永恒感。
为此，塞尚一再强调，在观察物体时，一定要把他们还原到最基本的方体、球体、椎体、圆柱体……这样才可以去掉表面的浮华，使树木、山恋坚固地屹立于大地之上。
《开国大典》：
《开国大典》是中国画家董希文于1953年完成的著名油画，描绘1949年10月1日中华人民共和国开国大典上毛泽东在天安门城楼上宣读中央人民政府公告，宣告中华人民共和国成立的一刻，为董希文最著名的代表作之一。
在文革期间，由于政治上的原因，原作不幸遭到两次修改，破坏了艺术的真实性。
2011年6月，为庆祝建党90周年，油画真迹首度向公众开放。
该作品收藏于中国国家博物馆。
1952年底董希文受中央美术学院交付任务绘制此画，耗费约二个月时间完成。
1953年9月27日完成图刊载于《人民日报》。
该画于1959年开国十周年时入藏北京中国革命博物馆。
油画《开国大典》所描绘的是1949年10月1日中华人民共和国中央人民政府成立时天安门国庆典礼的盛况。
场面恢宏，喜庆热烈，毛泽东和其他中央领导神采奕栾，气度不凡。
蓝天白云，风和日丽，广场开阔，红旗如海，天安门城楼金碧辉煌。
画家在进行严谨的写实描绘中，借鉴了民间美术和传统工笔重彩的表现手法。
作者使蓝天与地毯、红柱子、红灯笼及红旗等造成强烈的对比，并增加了节日的喜庆气氛。
在写实手法的描绘中，画家又进行了大胆的艺术加工，如透视和光影的处理都没有严格地按西方写实绘画中的素描要求，在画面的右侧部位减去一根柱子，这些都是为了适应并强化画面主题和总体的需要，同时也适于中国广大读者的审美情趣。
还应该提到的是，这些作品具有较强的装饰性抒情性。
有评者认为是“富有装饰意味的纪念碑性的大型历史画。
”
《开国大典》一直被誉为“共和国成立的艺术见证”。
它深入人心，也凝聚着一代又一代新中国建设者的爱国情感。
1951年初，中国革命博物馆遵照中宣部、文化部的指示，开始筹备建党30周年绘画展览，具体由中国美术家协会、中央美术学院领导蔡若虹、江丰、王朝闻组织落实。
参展的作者为北京、华东的几十位知名画家。
几个月的时间，这些实力画家们为展览拿出了近百件绘画作品。
这是新中国美术史上的一次风云际会，绘画界各路诸侯的精品不仅在这次画展中引起了人们的共鸣，而且很多作品都被中国革命博物馆收藏，甚至后来一些作品还在中国美术史上赢得了一席之地。
如《地道战》、《毛主席延安整风》、《强夺泸定桥》等等。
后来大家在总结中一致认为：
好作品不少，但体现共和国成立的气氛不够。
当时谁也无法预知，这个结论为历史巨作《开国大典》的诞生打下了伏笔。
中国革命博物馆研究员李仁才对笔者说：
“作为国家级博物馆所收藏的有关党史的绘画作品，没有一件展现中华人民共和国成立的力作显然是不合适的。
当时革命博物馆展览厅确实需要一件这样的好作品。
”
1952年，中国革命博物馆决定委托中央美术学院组织完成一幅巨型油画：
“开国大典”。
中央美院把这项艰巨的任务交给了37岁的青年画家、院知名教授董希文。
几次为领袖、英雄画像，并参加过开国大典，由他执笔创作“当之无愧”应该说这是一个公正的选择，更是一个历史的选择。
董希文在美术界早已声誉鹊起，他的画多次得到徐悲鸿、艾中信等著名画家的好评。
董希文生于浙江绍兴，杭州艺专毕业后又去湖南及越南河内深造，后又到我国西南、西部和西北地区学习、创作，曾在敦煌临摹壁画达3年之久。
其素描、油画功底在同行中有口皆碑。
1949年初北平解放，董希文创作水粉画《北平入城式》。
虽现已说不清《北平入城式》的成功是否与点名董希文创作《开国大典》有联系，但董希文长于革命题材创作、长于人物画的本领确实是行内知名。
当年董希文手拿这张草图请教了许多画家，如徐悲鸿、艾中信、江丰、吴作人、罗工柳等。
值得一提的是，从草图上可以看出董希文创造性的突破有两个。
第一个是草图上除毛主席侧身站在靠近中间位置，其他领导人都站在左边三分之一的画面，而右面则是广场群众，这样左实右虚相差悬殊的布局按一般构图规律来看似乎有失平衡。
另外一个就是按正常视觉规律，在毛主席的右前侧应有一根天安门城楼的大红柱子。
美术界的同行们对董希文大胆的构图设想感到奇特并表示赞赏，认为第一个突破加大了领导人与广场群众一实一虚、一近一远、一少一多的对比效果，能更好地突出节日气氛。
而第二个突破大家认为极为大胆，“抽掉”这根柱子，广场显得更为开阔，相反如果画上这根柱子反倒显得累赘了。
为了稳重起见，董希文还请教了几个建筑学家，大家对此均表理解和赞同。
著名建筑学家梁思成这样评价：
“画面右方有一个柱子没有画上去……这在建筑学上是一个大错误，但是在绘画艺术上却是一个大成功。
”很快，董希文投入《开国大典》的实画创作。
两个月后，巨型油画《开国大典》创作完成。
决定《开国大典》的构图，曾做了较长时间的推敲，在构草图的阶段，他身上经常揣着一张像明信片那样大小画在重磅卡片纸上的画稿，凡遇到美术界及文艺界人士，便拿出来征求大家的意见。
我就是从六郎庄土改工作队回美院开会时第一次看到这张草图的。
草图的设计很有创造性，他既根据1949年10月1日天安门城楼上举行开国大典的庄重而喜庆的气氛为基调，又不局限于再现当时的实际情况，采用了一种表现派和现实派相结合的手法，艺术处理很大胆。
但是董希文当时并没有把握，因为构图上有几个问题可能会引起争议，甚至要被否定。
他对我说：
"能有机会创作这样重大的革命历史画，是千年难逢的好运气。
可是照片和电影资料不合我的构思理想，只能用作参考。
这幅草图试图把天安门广场的群众场面和城楼上的国家领导人联系在一起，我认为不这样不足以表现新中国成立这一历史事件的宏伟气概……这件作品必须集思广益，否则难以画好，限期又紧，我真有点着急呢!
"董希文对油画创作一向深思熟虑，同时又很虚心听取别人的意见。
在《开国大典》的创作过程中，特别在起草阶段，更是虚怀若谷，不耻下问。
据我所知这张画在小卡片上的草图，有不少北京美术界的同行曾经看到过，他也向一些年轻美术工作者征求过意见。
一位很有威望的教授，在业务问题上表现出如此自觉的群众观点，是非常可贵而且值得称道的。
这幅画在不到十五平方英寸卡片纸上的草图和原来定稿的构图没有多大出入，画面的格局已经可以看出天安门广场的开阔。
人物的勾画虽很简单。
但已经能看出主要国家领导人的身材特征。
董希文所要征求的意见重点有两个方面，首先是关于画面上人物的布局安排。
草图上除了毛主席侧身站立在画面中间，其他的领导人都站在左边大约三分之一的画面上，形成左实右虚相差悬殊的布局。
从一般的构图规律来看，似乎失去了平衡。
他特别担心画成大幅油画以后，不知将是什么效果。
其次是构图上天安门城楼中间两根廊柱之间的跨度大大放宽了，和实际的建筑构架也相差悬殊，可能会引起人们的非议。
他所以要做这样的构图处理，都是为了显出天安门广场的明朗开阔，群众场面的雄壮宏伟，使得国家领导人置身在这样一个天地恢恢的气氛中，从而体现出"中华人民共和国成立了！
中国人民从此站立起来了！
"的庄严宣言。
一个透视上的问题是画面上的正阳门城楼坐落在画面上垂直的子午线上，这和天安门城楼的方位稍有偏差。
董希文对我说过，他要把正阳门城楼画成正南北方向，也是为了使得广场感到开阔。
我觉得这个作用不大，但是他还是这样画了。
《开国大典》上有这样一些透视上的问题，可是爱挑毛病的透视学教授却并没有提出过非议，这也说明董希文的创作构思得到了大家的理解，而主要是画面的感人效果说服力。
如果画面上看起来别扭，那是一定要责怪透视上的错误的。
董希文接受这件创作任务时，正在北京郊区参加土改工作（1950年初）。
他被调回城里后，遵照必须尽快完成的指示，只用了两个多月的时间便交了卷。
他虽然不习惯赶任务的创作方法，但以无比旺盛的创作热情克服了许多困难，如在收集文字资料、形象素材进行构思的同时，还亲自参与制作画布（那时没有现成的宽门面油画布），以及筹划做大型油画的各种设施和所需的工具材料等。
为了画《开国大典》，董希文搬到亲戚家的一间小屋。
这个临时画室很窄小，面对2米多高、4米多长的画布，后退的空间仅有三四米。
董希文作画时后背紧贴墙壁，也不能将画面尽收眼底，无法看到画面的整体效果，董希文是凭借经验和直觉完成创作的。
董希文的女儿董一沙说：
“《开国大典》动手以后，父亲常常是没日没夜地画。
那时，他抽烟抽得很多，没半天工夫，烟灰缸就满满的了。
在他画得入神的时候，喊他吃饭，都听不见，家里人都知道，这时候绝不能打搅他，只好先把饭收起来。
”为了节省时间，董希文常在画室的椅子上过夜。
由于房间太小，画幅上接房顶，下贴地板，作画时，一会儿爬上房顶，一会儿躺在地上。
《开国大典》的创作进度很快，不到两个月的时间已经完成七八成，而且从画作创作中的一些细节里可以看出董希文心思所用至深。
董一沙介绍说：
“父亲画天安门城楼上的地毯时，为了增强地毯的质感，他在颜料中掺上锯木的木屑和沙子，增强了地毯的质感。
张澜长袍上的褶皱看上去是特意熨平折好，专等到庆典才穿上去的，还有汉白玉的栏杆故意没有画得很白，而是偏黄，是为了体现中国是有几千年历史的古国……”
当年5月，毛泽东等党和国家领导人审查一批美术作品，当他们看到《开国大典》时，都很兴奋。
毛主席点头赞道：
“是大国，是中国。
”这对董希文无疑是莫大的奖赏和鼓励。
因为用油画来体现中华民族的气派，一直是他的愿望。
《开国大典》是新中国成立不久随即和广大群众见面并博得广泛称誉的革命历史画。
董希文精心设计的这件新颖的油画也被艺术界人士所普遍推崇，成为他生平最重要的代表作，也是他的成名之作。
董希文早已是我国著名的油画家，但自从《开国大典》问世，这幅洋溢神州风采的油画，使他在国际上也获得了不小声誉。
《开国大典》引起较大反响，并掀起了“油画中国风”的艺术思潮。
画家艾中信曾作过如下分析：
“从构图到设色，从人物到场面，它的气派很足以反映泱泱大国的风度。
董希文把主要人物处理在不到一半幅面的左侧，不仅是手法的大胆，重要的是他懂得构图的大局……《开国大典》的大块色彩，通俗易懂，看起来似乎简单，但这大红、碧蓝和金黄（缨络和菊花）是有意安排的。
它把一个风和日丽日子里一个庄严热烈的场面描绘出来……”
一些知名画家看了这幅油画之后，都认为这是一件不可多得的绘画精品。
中国革命博物馆将这幅画展出后，在艺术界和社会上都引起很大的反响。
徐悲鸿看了《开国大典》之后非常兴奋，对此做出了很高的评价。
他说：
“董希文圆满地完成了任务，应得一百分。
”但他同时也以西洋油画的传统标准做了后半句评价：
“也应扣掉五分，因为缺少一点油画特色。
”
这里所说的“缺少一点油画特色”，是指这幅画在很大程度上运用了中国传统画的手法和风格。
但这恰恰被很多画家认为正是《开国大典》的成功之处；如果按传统油画用光和设色的手法去创作，这幅画就不会有这种热烈的气氛。
艾中信说：
“《开国大典》在油画艺术上的主要成就是创造了人民大众喜闻乐见的中国油画新风貌。
这是一个新型的油画，成功地继承了盛唐时期装饰壁画的风采，体现了民族绘画特色，使油画朝着民族化的方向发展。
”
至此，绘画界掀起了董希文所一直倡导的“油画中国风”。
《开国大典》无疑成为这一理论的典范之作，而这种思潮一直影响至今……
1953年，人民日报在头版重要位置发表了油画《开国大典》。
也是在这一年，人民美术出版社将《开国大典》印成年画在全国发行，发行量达到一个顶峰。
反映重大主题的绘画作品，总是不同程度地维系于特定时代的，革命历史画更是直接和时代的命脉相联系，和人们向往光明、进步的心态紧紧的扣在一起。
人们热情欣赏《开国大典》，正是因为它形象地揭示了光辉灿烂的中华民族新世纪，它不仅鼓舞了中国各民族人民自信心和自豪感，同时也震撼着世界人民的心坎，为新中国从此屹立宇东方而同心欢庆。
人们喜爱《开国大典》无疑是受到了它的强烈艺术感染，没有艺术性的绘画是不可能令人瞩目倾心的。
然而，考察一件艺术品的
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