概述艺术结构与艺术语言.docx

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概述艺术结构与艺术语言

概述艺术结构与艺术语言

艺术结构与艺术语言是艺术作品具体存在的形式，艺术作品基本上都是由内在的结构和外显的艺术语言两种形式因素构成，结构通常称内部形式，艺术语言通常称外部形式。

艺术结构是指作品中各个局部之间、题材各因素之间的内在关联与组织的样式。

艺术语言指在艺术作品中起到类似语言的表情达意的作用的物质表现手段，是作品的外部形式。

不同类型艺术作品结构和语言的表现形态又各不相同，下面根据工作实际，以造型艺术为例对艺术结构与艺术语言进行说明。

一、造型艺术的艺术结构

造型艺术有着不同于其它艺术的独特的艺术魅力，运用点线面、形光色等造型手段，运用表现、再现等艺术表现手法在空间中塑造具体的、个性化的视觉形象来反映生活,表达创作主体的审美感知和审美理想的艺术。

我们知道，造型艺术是依赖于视觉欣赏和感受的视觉艺术，它是运用点线面、形光色等造型手段，在二度空间中塑造具体的、个性化的视觉形象来反映生活，表达创作主体的审美感知和审美理想的艺术。

它的独特之处在于，正是因为它的造型必须是在空间上展开，这才为空间创造出人们所需要的立体幻觉提供了可能，艺术家利用人类视觉的虚幻创造出空间上的立体，这无疑是空间给富于想象的聪慧的艺术家们提供了创造的土壤，也为开拓空间构成的抽象、装饰绘画提供了解构意义上的需要；正是因为它的视觉直观性，艺术家们才会运用跃动的笔触或强烈的光影给视觉以温柔的爱抚之后让你觉得余音未尽，余味无穷；也正是因为它是静态的画面，艺术家们才可能去力图冲破这一凝固而又单纯的二维空间，运用生活中最具启发性的一瞬来展现这一瞬的前前后后。

德国美学家莱辛说：

“绘画在它的同时并列的构图里，只能运用动作中的某一顷刻，所以就要选择最富于孕育性的那一顷刻，使得前前后后都可以从这一顷刻中得到最清楚的理解。

所有造型艺术形式及整个艺术创作过程中，都会涉及到结构问题，结构是一种普遍的存在。

没有合适的结构，就不会有明确的外在形式。

艺术家在创作实践中，为了更好地突出主题，塑造艺术形象，必须考虑人与人之间的关系如何处理，前后内容如何过渡和照应，情节、场面如何处理，环境如何布置，各个部分如何安排，如何处理浓墨重彩重点描绘，何处只要轻描淡写粗线条勾勒，哪里该张，哪里该驰，开头和结尾如何呼应等，都属于艺术结构的范畴。

结构的好坏，直接关系到艺术作品的成败优劣。

茅盾在《漫谈文艺创作》一文中说到：

“结构指全篇的架子。

既然是架子，总得前、后、上、下都是匀称的、平衡的，而且是有机性的。

匀称指架子的局部美和整体美，换言之，即架子的整体和局部应当动静交错，疏密相间，看上去既浑然一气，而又有曲折。

平衡指架子的各部分各有其独立性而不相妨碍，非但不相妨碍而且互相呼应，相得益彰。

有机性指整个架子中的任何部分，不论大小，都是不可缺少的，少了任何一个，便损伤了整体美，好比自然界中的有机整体，砍掉它的任何小部分，便使这有机整体成为畸形的怪物。

”只有精心构思，巧妙结构，艺术作品才能成为匀称、平衡、和谐、统一的整体。

由于现实生活的丰富复杂性，艺术家对生活的认识和艺术修养的不同，结构的方式也多种多样，常见的有纵式结构、横式结构、复式结构、三迭式结构、连环式结构、包孕式结构、串连式结构等。

成功的艺术结构来自富于创造性的艺术构思，取决于艺术家正确、健康的世界观、审美观和丰富的生活经验、精湛娴熟的艺术技巧。

二、造型艺术的艺术语言

语言是人类最重要的交流工具，是人们在相互交往中表达思想情感的手段。

人类不仅创造了口头语言和文字，而且创造了一种特殊形式的语言——艺术语言。

所谓艺术语言，是指各种艺术具有的独特的表现方式和表现手段。

例如，音乐的艺术语言是旋律、和声、节奏等；电影的艺术语言是画面、音响、蒙太奇等；舞蹈的艺术语言是人体动作、表情、节奏等；美术的艺术语言则是点、线、面、空间、光、色等。

各种艺术正是通过各自的艺术语言，创造各种各样的艺术形象，来表达作者对生活的独特体验和感受，并将这些体验和感受传达给读者、观众和听众。

艺术语言对于艺术创作来讲，它的作用主要表现在两个方面：

首先，艺术语言的重要作用是创造艺术形象，或者说是将艺术家头脑中主客观统一的审美意象物态化为艺术作品中的艺术形象。

这里所说的艺术形象是指艺术作品创造的诉诸于人的感官（视觉的或听觉的，或视听觉兼存）的形象，从美术来说它是一种视觉形象，是人的眼睛可以直接感受到的。

一幅画、一件雕塑、一幅书法作品、一幅摄影作品、一件工艺美术品，以至一座建筑，都是运用各自的艺术语言创造各种艺术形象。

这种艺术形象体现为可以作用于观赏者视觉的感性形式，同时，在这感性形式中又包含着理性的内容，从而引起人们的思考或起到陶冶情操的作用。

例如罗中立的油画《父亲》，为了强调所描绘对象的真实性，借鉴了西方现代照相写实主义的手法，表面上看似乎完全是客观再现。

但实际上，罗中立所创造的这一艺术形象，是基于他对现实生活的深刻体验和独特的理解，表现了作者强烈的思想感情和审美理想。

所以，人们在这一真实而又感人的艺术形象面前会受到强烈的感染和震撼，并引起理性的思考。

即使是一件实用工艺品，如著名的汉代《长信宫灯》，实用与审美高度统一的造型使人赏心悦目，设计的灵巧和结构的合理（此灯灯盘可转动，灯罩能启合，以便调节灯光的照向和亮度的大小，宫女的右臂和躯体中空，照明时产生烟火可通过右臂贮留体内），又使人深切地感受到人的智慧和创造力。

至于通常所说的抽象美术，虽不表现某一具体的客观实物形象，却有形、光、色、线等美术的艺术语言的组合，仍给人以一种直接的视觉感受，使人感受到一定的情绪、气氛、格调和趣味等。

其次，艺术语言的作用还表现在艺术语言本身就具有审美价值。

以美术中的具有真实体积的雕塑艺术和建筑艺术来讲，形体是这两种艺术的重要艺术语言。

优美而富有表现力的形体本身就具有审美价值。

例如法国现代著名雕塑家马约尔的雕塑，特别强调形体的壮实和丰富。

他的人物造型尽量向外扩张，使之达到最大的极限，如果再过一点便会显得臃肿或者就崩裂了，他的这种饱满有力的形体本身就显示出一种量感美。

再如世界闻名的古埃及金字塔，它的造型非常单纯，只是一个简单的正四棱锥体，没有任何装饰，但这种几何形体具有无比的稳定感，加上它巨大的体量，它的形体本身就具有一种宏伟庄严的美。

正因为艺术语言在艺术创作中具有重要的作用，所以，不论是从艺术创作的角度，还是艺术鉴赏的角度，都要认真地研究艺术语言及其应用。

而且，从某种意义上讲，艺术的创新和发展必然包括艺术语言的创新和发展。

一部艺术发展史，从某种意义上讲也是艺术语言的发展史。

从艺术的各个门类来讲，美术的艺术语言包括点、线、面、体、空间、光、色、材质和肌理等，这些艺术语言中的绝大多数为各种美术所共有。

了解这些艺术语言的主要特点，是欣赏各种美术作品。

点：

在几何学中是没有长、宽、厚而只有位置的，在美术的艺术语言中，点则具有大小不同的面积或体积，当然，这种大小是相对而言的。

在人的通常观念中，点是非常小的东西，是与人的视觉感受相联系的，例如在茫茫大海中的一叶孤舟。

在平面上的点，由于大小、位置的不同，可以使人产生不同的视觉感受，给人以不同的情绪感染。

在工艺美术的图案设计中，可以利用点构成各种优美的图形。

中国山水画中传统的点苔法就是以各种形状的点来表现山石、地坡、枝干上和树根旁的苔藓杂草。

这些点既是表现具体物象，又具有一种独特的美。

线：

也称线条，在几何学上是指一个点任意移动所构成的图形，有直线和曲线两种。

所以，简而言之，线是点的延伸，它的定向延伸是直线，变向延伸为曲线。

在二维空间中，线是面的边界线；在三维空间中，线是形体的外轮廓线和标明形体内部结构的结构线。

所以，线在造型中具有很重要的作用。

作为美术的重要艺术语言的线条，与点一样能使人在视觉上产生一定的感受，这种感受首先表现为一种心理和情感的效果。

例如，水平直线给人以平静、沉稳、舒展、安宁的感受；垂直线给人以挺拔、刚毅、庄严的感受；自由曲线给人以自由、活泼、流动与愉悦的感受。

此外，线条还能表现出一定的空间关系。

例如两条粗细不同的水平直线位于同一平面时，粗的线使人感到它离人比较近，细的线则使人感到离人比较远。

以线条作为最基本的造型手段的中国传统绘画，在运用线条这一艺术语言方面积累了极其丰富的经验。

例如，以墨线勾描物象、多不着色的白描，仅凭简练的线条就可创造出动人的艺术形象，如宋代著名的《朝元仙仗图》，或称《八十七神仙卷》。

中国古代人物画创造的“十八描”（指：

高古游丝描、琴弦描、铁线描、行云流水描、马蝗描、钉头鼠尾描、混描、橛头丁描、曹衣描、折芦描、橄榄描、枣核描、柳叶描、竹叶描、战笔水纹描、减笔描、柴笔描、蚯蚓描），就是为了表现中国古代人物衣物褶纹而创造的用线方法。

在现代设计艺术中，线条这一艺术语言更成为一种重要的表现手段，如以线条构成的各种商标和运动会标志。

面：

在几何学上，线条移动所造成的形迹被称为“面”。

它有宽有长，没有厚。

面在美术的艺术语言中，比点、线更显示出具体的形，所以，谈面实际上涉及到形。

当然，面是相对于体而言的，是一种具有长宽的二维空间形象，即平面形象。

换句话说，面就是平面的形，平面的形大体上可以归纳为“几何学形”、“有机形”、“偶然形”、“不规则形”4种。

几何学形由直线或曲线、或直线和曲线两种线结合而构成。

几何学形中由直线构成的有方形、矩形、三角形、梯形、多角形等；由曲线构成的形有圆形、椭圆形、曲线形等。

各种几何形给人以不同的视觉感受，例如方形给人以方正、坚实的感觉；横长方形给人以平静、沉重的感觉；竖长方形给人以高耸、伟岸的感觉；等腰三角形给人以向上与稳定的感觉。

有机形虽不像几何学形那样有规则，但它并不违反自然的法则，具有纯朴自然的视觉特征，给人一种有秩序的美感。

偶然形完全是偶然形成的，运用得好，可以丰富人们的想象力，创造一种特殊的美感。

不规则形是指人们有意识创造的无规则的形，如用手随意撕开纸张形成的不规则形，这种形由于是有意识创造的，所以，它能创造一种特殊的情境。

以造型为主要特征的美术，形的重要性远胜过于其他艺术，因为没有形，也就没有美术。

具有造型实体的建筑艺术，其重要艺术语言就是形。

通常所说的一座建筑的立面，如希腊帕底农神庙和我国山西五台山佛光寺大殿的正立面，体现了两种不同风格的建筑美，同时，在立面的处理上都运用了诸如对称、均衡、比例、节奏、韵律、虚实等一系列形式美法则。

体：

这里所说的体，是指立体形态的体，因为有体必有形。

所以，这里所说的体也可称之为体形和形体。

同时，有体，必有大小之分，即体积，因此，体与形状体积是密不可分的。

人对大小形体的感觉是绝不相同的，大的体积，给人以雄伟、沉重等感觉；小的体积，给人以灵巧、轻松的感觉。

例如，现今分布在江苏南京及其邻近的许多南朝陵墓石刻，大多是表现传说中的瑞兽，它们都具有形体硕大，气势逼人的特点，人们远远望去，其鲜明有力的体形便给人以深刻的印象，使人产生一种敬畏的心理。

再如，中国古代的楼阁式佛塔和欧洲中世纪的哥特式教堂，两者都有高耸的体形，但体形并不完全相同，中国佛塔的层层屋檐形成了许多水平线，轮廓饱满而富有张力；哥特式教堂的立面充满了垂直线，呈现出一种强烈的升腾之势，借此体现了基督教徒向往“天国”的精神。

空间：

是指物质存在的一种客观形式，由长度、宽度、高度表现出来。

各个门类的美术总是存在于一定空间之中，所以，美术又称“空间艺术”。

在美术中，因其种类不同，空间性质不尽相同。

一般说来，空间意识产生于视觉、触觉和运动觉中。

这些由人的感觉感知的空间，其性质也是不同的。

一般地说，绘画、书法篆刻、摄影艺术的空间性质依靠视觉；雕塑、工艺美术和建筑艺术，除视觉外，还依靠触觉与运动觉。

具体地说，绘画是通过透视、色彩、明暗等手段，在平面上产生现实空间的假象。

绘画、摄影艺术和雕塑艺术中的浮雕上形成的空间的错觉，使画面上的空间分为近景、中景和远景3个层次。

具有真实的体积感的空间是真实的实体。

特别是建筑艺术，“空间是建筑的主角”。

建筑与其他艺术的最大区别就在于它具有可供人使用的空间而且空间的形状、大小、方向、开敞或封闭、明亮或黑暗，对人具有强烈的情绪感染的作用。

例如，一个宽阔高大而又明亮的大厅，令人感到开朗舒畅；小而平易的空间给人以温馨，大而变幻的空间使人感到迷惘；开阔的广场令人振奋，四周围有高墙的小广场给人以威慑……这些都说明建筑的空间具有一种艺术感染力量。

光：

通常是指照耀在物体上、使人能看见物体的那种物质，如阳光、月光、灯光等。

物体因受光量强弱的影响，而产生明暗层次的变化，其受光面称亮部；背光面称暗部；光线被物体遮断时形成暗部和投影；物质受光面向暗面的转折处，称明暗交界处，又称明暗交界线；物体暗部受到周围物体亮部映射的面，称反光面；物体亮部反射出光源的亮点称高光。

西方传统的写实绘画就是运用这些光学原理，在画面上表现出人们可以感觉到的物象的明暗效果和物体的质感和量感、以及空间层次。

摄影艺术对光的运用则更加重视，故摄影艺术被称为光与影的艺术。

此外，从心理因素方面来分析，由于光和热是一切生命形态赖以生存的根本条件。

光能引起生命之物本能的兴奋和喜悦。

所以，人们赞美光明，厌恶黑暗。

在艺术中，光明象征生命、幸福、希望、正义和神圣；黑暗隐喻死亡、痛苦、丑恶和妖魔。

因此，美术家往往通过光的不同处理来表达不同的思想情感，光成为一种重要的艺术语言。

色：

这里所说的色是色彩的简称。

色是由光刺激眼睛而产生的视感觉。

自然界中的一切色彩都是在日光或白光的映射下形成的。

日光或白光在三棱镜折射下，分解为赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫七色，称为光色。

不同物质对光色的吸收成分和反射程度不同，呈现出复杂的色泽变化。

物质对光色全部或大部吸收则呈黑色，对光色全部或大部反射则呈白色。

一切可视的物质都具有在光照中显示色彩的因素。

红、黄、蓝是物质颜料中不能再分解或不能由其他颜料调和的色，故称“三原色”。

三原色中两者相调会产生橙、绿、紫，称为“三间色”；间色与相邻色再次调和成的色称“复色”；间色与对立的原色关系称色彩的互补关系、或称“补色”，如黄和紫为互补色，绿是红的补色，蓝是橙的补色。

颜色的固有色称“色相”；色彩的深浅浓淡称“色度”；色彩的冷暖对比倾向称“色性”。

此外，色彩还具有知觉特性、情感性和象征性；色彩的知觉特性，是指由色彩引发起的人的知觉与联想所产生的感觉，这些感觉包括冷与暖、兴奋与安静、扩张与收缩、前进与后退、华丽与朴素等。

例如，凡是偏向于红、橙、黄的色相，由于能引起人对太阳、火光等的联想，给人以暖和的感觉，被称为“暖色”；偏向于青、蓝、绿的色相，使人联想到天空、海洋等，使人产生寒冷的感觉，这些色相就被称为“冷色”。

同样大的色块，暖色给人的感觉要比实际的大，冷色给的感觉要比实际的小。

在同一画面上的冷暖两块色彩，暖色有向前的感觉；冷色有后退的感觉；明度和纯度均高的色彩给人以华丽的感觉；明度、纯度均低的色彩使人感到朴实。

美术家们正是利用色彩的这些特性结合其他艺术语言，创造出富有感染力的艺术形象。

色彩的情感性与象征性，和人对色彩的感觉与联想密切相关。

因为，所谓色彩的情感性，并非色彩本身具有什么情感，而是色彩在一定条件下可以诱发出人们的种种联想，唤起各种情绪，例如，红色常使人联想起血与火，所以，它是一种强烈、温暖、活泼的色彩，常用以象征革命和危险；绿色使人联想起生机盎然的自然界，给人以宁静、自然、和平的感觉，常用以象征生命、和平。

当然，不同时代、不同国家和不同民族赋予色彩的象征性是有很大区别的，我国古代黄色象征皇权，所以，黄色是皇家专用色，但欧洲中世纪的人们则非常忌讳黄色。

中国以白色丧服表示悲哀，欧洲人的丧服则是黑色。

总之，色彩在美术的艺术语言中，对于传达人的心理和情绪是极有表现力的，不过，各类美术在运用色彩这一艺术语言时，其方法是多种多样的，归纳起来，大体上有两种方法：

一种是要求真实地再现客观对象的色彩关系，这种色彩被称为“再现性色彩”或“写实性色彩”，如19世纪法国印象主义绘画最为典型。

一般用作绘画基本功练习的水粉静物画也依照这种方法。

另一种是根据美术家的表现意图，主观地进行色彩搭配，以表现作者的主观感受和审美情趣，这种色彩称为“表现性色彩”。

其中又可分为装饰性色彩和情绪性色彩。

前者多用于工艺美术中的装饰绘画、建筑艺术中的色彩装饰等；后者如西方现代主义美术中的野兽派和表现派等绘画。

材质和肌理：

任何艺术都要依靠一定的物质材料，如写小说需要笔、纸和墨水，但是，这些材料对于创造小说中的艺术形象没有多大的关系。

然而，美术则不同，各个门类的美术所创造的艺术形象与它使用的物质材料密切相关。

中国画、油画、版画等画种的特点，很大程度上取决于它使用的物质材料，用质地细腻、洁白的汉白玉或大理石塑造的少女的雕刻，显然比用陶土塑造的形象更动人；现代流行的玻璃幕墙建筑显然比使用一般材料的建筑更使人赏心悦目；中国传统的书法、篆刻艺术离开了它使用的物质材料是很难想象的；摄影艺术更是与它使用的胶卷、洗印药品等物质材料的性能和质量密切相关。

所以，物质材料在美术创作中的运用，不仅是创造艺术形象的手段，而且物质材料的性能、质量的好坏也与审美价值密切相关。

所谓肌理，是指美术作品表面的质感，具体地讲，就是美术作品表面的纹理，经触觉和视觉所感受到的起伏、平展、光滑、粗糙、精细的程度。

在绘画艺术中一般称为笔触，即绘画中之笔法。

例如，在油画中，画家常用稀薄的颜料、轻匀柔润的笔法渲染出缥缈的云天和明净的水面，而用浓重的颜料，重叠堆砌的笔触画出坚硬的岩石和厚实的土地。

在工艺美术作品中，光滑的绸缎与粗毛线的编织物呈现出两种不同的肌理美。

所以，合理运用材料的肌理效果，也可以增强美术作品本身的审美价值。

正因为如此，材质和肌理也是美术的艺术语言之一。