浅谈中国舞蹈表演在戏曲艺术中的借鉴与吸收Word文档格式.docx
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而中国戏曲艺术为中国舞蹈的发展提供了更多的舞台表演范式，中国舞蹈借鉴和吸收之后直接推动了中国舞蹈的进一步发展。
可以说中国戏曲的精华在中国舞蹈中渗透的非常深，让我们看到了中国传统文化的精髓在不同的表演形式中源远流长，不断迸发出新的生命力。
而对戏曲文化吸收最为彻底的则是属于中国舞中的民间舞，民族舞以及中国古典舞。
一、中国舞蹈表演借鉴吸收了戏曲艺术中的综合表演艺术
中国戏曲和中国舞蹈在历史渊源上存在着一定的联系，而在发展过程中又进行了进一步的分化，本章从戏曲的起源和发展，以及中国舞蹈的发展历程中分析其借鉴和吸收戏曲的原因。
1.中国戏曲的起源
提到戏曲，首先要提到中国远古时期的祭祀舞蹈，由于生产力的低下，人们对很多的自然现象无从解释。
采用了舞蹈这种形式建立与自然的沟通。
中国戏曲的起源有多种说法：
而第一种就是前面说的建立与自然的联系形成的“巫舞”。
第二种则是认为中国戏曲起源于人类由奴隶制社会向封建社会转变的先秦时期，《宋元戏曲史》中提到“戏剧者至春秋时始出”[3]。
第三种则是认为戏曲受到印度梵剧的影响，梵剧是古印度的一种表演方式。
第四种则是认为中国戏曲起源于汉代的百戏。
对于以上的几种说法都有一定的依据，但是有一点得到了认同。
即古代艺人地位低下，戏曲的题材则是出自民间，是对民间人事的演绎，因此并没有得到上层统治者的认可，因此发展相对缓慢。
但是戏曲仍然在这样的大环境下得到了大众的认可，并且其优美的唱腔，动人的神态，华丽的服饰等在世界艺术舞台上独树一帜，也成为了中国文化宝库中最为闪耀的明珠。
戏曲的表演体系是“唱、念、做、打”，而其中的“做、打”也是舞蹈的表现形式。
主要在戏曲舞蹈中体现。
也是舞蹈呈现的主要手段。
汉成帝时，赵飞燕能够掌上起舞，轻盈的体态，婉转的身姿将古典舞的柔美华丽表达了出来。
而到了汉唐盛世之时，《霓裳羽衣舞》又呈现了一幅轻盈典雅，宛若惊鸿般的古典舞姿。
这些为后世的古典舞步伐及体态奠定了基础。
而现代舞剧《三更雨.愿》以全新的舞蹈呈现方式，夸张的舞蹈语言让人们对现代舞有了更为深刻的了解，其中的一个段落采取了戏曲人物表现方式，让人耳目一新。
同时视觉上不管从其妆容设计，人物表情，服装，舞蹈动作等方面都看到了中国戏曲的影子。
甚至一个拧、倾的动作，一个跟随音乐的律动都是一个单独的艺术场景。
让人们在欣赏舞剧的同时，也会追溯一下这个戏曲人物的片段。
也震惊于戏曲与舞蹈的完美结合所带来的视觉冲击力。
2.中国戏曲的发展历程
戏曲是最具特色的中国传统艺术形式之一，有着悠久的历史和独特的的发展轨迹。
我们追溯过去能看到先秦时期的简单，粗狂的歌舞；
看到隋唐时期戏曲艺术的辉煌；
再到元杂剧的多姿多彩，昆曲的细腻多情；
甚至到现在戏曲已经成为了世界文化历史上的一朵璀璨的奇葩，受到了外国友人的关注。
可以说中国戏曲发展至今已经相当成熟。
（1）唐代的歌舞戏与参军戏——中国戏曲的雏形
上文提到中国戏曲的起源有多种说法，最早戏曲的雏形则是源自于唐代的歌舞戏，唐代的戏剧在吸收了前人的表演方式之外，还增加了一些民间戏本子中的故事情节，特定人物。
而为了方便观众理解增加了旁白，同时歌唱艺术也有了明显的进步，呈现出不同曲调和种类划分[4]。
此外，服饰，舞台布景也更加艳丽和规范化。
唐代的歌舞戏代表有“踏摇娘”“兰陵王”“拨头”等几种。
“踏摇娘”讲述了一个因丈夫酗酒导致妻子备受煎熬的故事，歌舞结合，加入了“帮腔”这种戏曲形式，而表演上采用三人出演的方式也是一个创新，其呈现出来的效果也非常感人。
“兰陵王”，则是讲述了北齐大将兰陵王带兵打仗的精彩故事，其中出现了“代面”也成为现代变脸的起源。
“拨头”，则是加入了武术元素，舞蹈与武术想结合，后来成为了一种独立的节目形式。
这一时期的戏曲艺术并没有作为单独的剧种存在，仍然在探索阶段。
（2）宋元南戏——中国戏曲艺术形式的确立
到了宋元时期，各族之间的交往加强，使得艺术的交流也逐步增加。
这一时期的杂剧成为了主流。
杂剧又分为了两类：
一种是歌舞戏，主要形式是以滑稽的表演或者演唱的形式吸引观众。
而另一种为院本，主要以讲故事的形式表演戏曲吸引观众，例如常见的断案戏，爱情戏，以及游历戏。
另外到宋朝末年，又出现了两个南北戏剧中心。
这一时期的戏曲作品有《赵贞女蔡二郎》、《王煥戏文》、《王魁》等。
（3）元杂剧和明清戏曲——中国戏曲的繁荣期
元杂剧的戏曲分工已经相当明确，角色上形成了以正旦和正末为主的角色体制。
戏曲的演程式上分为了念白、科诨、舞蹈、演唱等艺术方式，分工明确，情节细腻[5]。
例如其中的“自报家门”，就根据人物身份和地位的不同，分为了“大夫家门”“秀才家门”等不同类型，这些程式都为以后的戏曲表演提供了坚实的基础。
明清戏曲在元杂剧的基础上又有了进一步的提高，尤其是基本功唱、念、做、打和舞台设置更加娴熟和专业。
另外在戏曲的写意手法和虚拟场景的运用上，更加成熟。
这些也形成了中国戏曲独有的表演方式。
这一时期最为有名的是“昆腔”，昆腔的词句优美，唱腔圆润，成为了文人雅士的消遣方式之一。
而其中的折子戏选取戏曲中的精彩片段单独演出，也非常出彩。
（4）地方戏和京剧一一中国戏曲的转型期
地方戏主要是指一些农村地区劳动人民所创造出来的戏曲，剧种有秦腔、梆子、弦索、皮簧等。
这些地方戏大多是反映人们日常劳作和生活的剧种，表现的是普通劳动人民的日常娱乐生活[6]。
因此，风格质朴，受到观众的喜爱，也成为了一个地区的特色文化。
地方戏大多以一些民间爱情及侠义故事为题材，例如《水浒传》、《隋唐演义》、《白蛇传》等。
将劳动人民坚强不屈的反抗精神和感动天地的爱情故事抒发了出来。
京剧则是在昆曲的基础上形成的以北京，安微等地的戏曲声腔为主的戏剧形式。
这些声腔艺人以精湛的技艺将这些地区的声腔进行编创和演绎，逐渐形成了独具特色的京剧艺术。
这些人也成为了京剧艺术的开创者。
而新中国成立后，加大了对戏曲的保护和传承，也让很多的戏曲艺术形式大放异彩。
3.中国舞蹈的发展历程及代表人物
中国舞蹈在新中国成立之前与戏曲并没有明确的划分，甚至有些人将中国古典舞划分为戏曲舞蹈。
我们从其发展历程也发现中国舞蹈在汉唐盛世之时有了很大的发展，但是仍然有一定的局限性。
直到明清时期与戏曲艺术相结合，才在大众之间得到快速的传播和创新。
成为了一种综合艺术形式。
在近现代，我国的舞蹈事业得到了长足的发展，也涌现出了很多的舞蹈作品和代表人物。
吴晓邦和唐满城就是这一时期中国舞蹈的开拓者和传承者。
吴晓邦将古代音乐旋律和节奏运用到中国舞蹈中，并赋予中国舞蹈儒家和道家文化内涵。
他是我国最早舞蹈教育体系的奠基人，他将全部的精力投入到了舞蹈的教育，创作中去，并结合社会实际对帝国主义的残暴行径进行揭露，对封建残余制度进行抨击。
新中国成立后，吴晓邦在中央戏剧学院开展舞蹈干部教学训练班，为中国舞蹈事业的发展做出了突出贡献。
吴晓邦在现代舞的教学上将现代舞的自然律动同民间舞特色结合起来，鼓励学员多学习，多思考，多创作。
其代表作有《饥火》、《罂粟花》、《梅花三弄》、《梅花操》等，为我国的舞蹈教育事业做出了突出贡献。
唐满城为湖南人，1950年加入中央戏剧学院舞蹈团。
比较擅长中国古典舞和民族舞的创作。
其作品《桃花扇》、《风雪山神庙》、《水泊风尘》、《大唐贵妃》等将中华民族的古典神韵演绎的淋漓尽致。
同时唐满城担任过各项大型文艺演出的舞蹈总监，1997年还担任庆祝香港回归祖国大型文艺演出舞蹈编导。
其对“形，神，劲，律”的精准把控使得中国古典舞充满了韵味。
其作品《唐满城舞蹈文集》收录了其很多经典舞蹈作品，让我们对其整个的创作和对我国古典舞的传承有了更加深刻的认识。
很多舞蹈动作也成为了很多古典舞效仿的对象。
二、中国舞蹈表演的训练体系对戏曲艺术的借鉴和吸收
中国舞蹈随着时代的变迁，呈现出不同的表现形式。
但是纵观舞蹈的表演形式都离不开戏曲中的表演艺术。
舞蹈与戏曲在现代相互渗透，相互学习。
尤其是戏曲中蕴含着我国古代传统舞蹈的很多元素，中国舞蹈不断的汲取戏曲中的营养，充实着舞蹈的表现形式。
这不仅仅提高了中国舞蹈的可观赏性，也丰富了中国舞蹈的内涵，让中国舞蹈的不仅仅是一种视觉上的享受，更能发人深思，从中找到与自身的共鸣[7]。
本文从舞蹈借鉴戏曲的训练体系入手。
在动作，神态以及内容上进行分析其借鉴和吸收的重要部分。
1.动作的借鉴
在动作的借鉴上，中国舞蹈的发展较晚，但是却有着厚积薄发的力量。
二十世纪四十年代，我国舞蹈已经形成了完整的表演体系和训练体系，同时舞蹈理论也趋于完善。
尤其是动作上对戏曲唱、念、做、打的借鉴非常的突出。
马跃教授的大型民族舞剧《奔腾》是表现蒙古族青年奋发向上，乐观豁达的作品。
其中大量运用了戏曲中的“做、打”艺术手段并结合蒙古族舞蹈特色呈现出了一部气势非凡，意蕴深远的民族舞剧。
中央芭蕾舞团的《大红灯笼高高挂》中也将戏曲中的“圆、含、腆、拧、倾”等元素运用的非常到位，其中的动律如“提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁”使得演员的身体张弛有度，柔韧且有延伸感，与戏曲的元素有异曲同工之处。
虽然是一部芭蕾舞剧，但是其中演员的表演重点却是通过戏曲的表演手段展示人物的个性，展示人物之间的关系。
舞剧中到处可以看到戏曲的影子，戏曲服饰的运用，背景音乐的运用。
这在一定程度上丰富了演员的舞台表现力。
当然最为重要的还是动作不仅仅贴近生活，也符合中国人的审美习惯。
这种传承和创新为中国舞蹈开辟了新的路径[8]。
2.神态的借鉴
中国舞蹈借鉴了戏曲艺术中的神态元素，主要表现在用眼睛传递舞者的喜怒哀乐。
用五官传递人物的形象，用神态结合意境达到舞蹈神韵。
还通过神态传达丰富的情感。
（1）用眼睛传递神态
中国舞蹈非常重视眼睛的表现力。
眼睛的训练包括“定，转，扫”等。
只有精确的掌握舞蹈眼神的变化才能让舞蹈更具感染力。
而在舞台上，舞者眼睛的放、骤、收、合、凝等动作将舞者表现的情绪表达了出来。
让观众感受到了鲜活的人物心境变化。
而在戏曲中“眼法”则是情感表达的重要组成部分，戏曲眼神的传递更为夸张，更为传神。
其主要目的是“叙事”与“传情”[9]。
中国舞蹈继承了戏曲眼神的表现力，将舞者的“喜怒哀愁羞恨呆怕盼狠思蔑”十二种情感通过眼睛的训练进行继承。
使得中国舞通过眼神传递者舞者的神态，传递着深层次的内在情感。
在舞剧《丝路花雨》中，英娘的一颦一笑都充满着情感。
正是她不仅仅将古典舞的精髓演绎的非常到位，更为重要的是她的眼睛将其嫉恶如仇，善良淳朴，灵动活泼的内心表现了出来，让人们看到了一个震撼人心的精彩故事。
也让我们深刻的感受到了中国舞蹈的优秀文化底蕴。
（2）以五官传递神态
五官是情绪展现的重要部分，表情的喜怒哀乐与舞蹈动作相辅相成。
表现愤怒时面红耳赤，五官扭曲；
愉悦时嘴角轻微翘起；
烦恼时眉头微皱；
大笑时嘴张开，五官舒展；
悲伤时嘴角撅起，鼻子微挺……。
五官与肢体舞蹈动作相结合共同展现中国舞蹈的韵律美和艺术感。
相比较肢体的动作，五官表现情感更为直接，更容易让观众感受到舞者的情感，也更快速的将舞者带入到舞蹈情景中去。
如果说戏曲的五官情感炙热，而中国舞蹈则是细腻如丝。
将戏曲五官的表现力与舞蹈充分的结合，并与舞蹈的节奏音乐充分的融合，使得舞蹈的美感通过五官也能清晰的感受到。
我们通过舞者的鼻子，眼睛，嘴巴甚至耳朵的变化感受到了舞蹈所要传递的情感，也被中国舞蹈的情感所折服。
（3）以神态融合意境
戏曲讲究“美”的艺术。
不管是扮相或者神态都非常有讲究。
而中国舞蹈也同样借鉴和吸收了戏曲的神韵。
在中国舞中，身法和韵律的统一是舞蹈成功的关键。
“身未动，神先领，形已止，神不止”是中国舞蹈的神韵意境所在[10]。
中国舞蹈是非常注重意境的艺术，形与神的统一是中国舞蹈意境的重要表现。
在进行舞蹈的表演时，舞者要将面部表情与人物的内心情感达到一致，同时还要结合音乐的节奏，不断变换神态，使得神态与音乐结合，构成一幅完美的画卷。
例如由房进激和黄少淑编舞的中国舞剧《鱼美人》将自然美景与神态进行完美的融合，表现了人与自然和谐相处的美好愿景。
在群舞《小溪、江河、大海》中神韵结合着平和的神态，与自然的旋律完美的进行搭配。
配合湛蓝的背景，将人与水和谐共生，仿佛畅游在水中的鱼儿，自由洒脱，同时又有着对自然的感恩，这种美好的意境让人心生向往。
（4）用神态来传递舞蹈内涵
戏曲的神态主要在传达人物性格以及心境上，对于整部戏曲的内涵把握并没有那么的强烈，更多的是通过声音传达深意。
而中国舞是“身心并用”的舞蹈艺术。
要求舞者在舞台上将形神演绎的非常到位，才能达到以形传神的目标。
这不仅仅要求舞者借鉴戏曲神态的特点，更多还要挖掘神态背后更深层次的内涵，才能通过舞蹈这种艺术形式传达更多的内容。
因此神态就显得非常的重要，在神韵的训练中需要特别注意结合神情进行训练。
例如在《三更雨.愿》中，第一部分花，描述的是一朵春天的花儿，开在了秋天里，从其含苞待放时的喜悦，我们感同身受。
这时舞者的表情如花一般惊喜。
而当花儿彻底开放，那一刹那，花儿的笑脸有些失控，仿佛看到了世界的最为美好的一瞬间。
而当花儿发现原来已经过了时节，只能慢慢的凋零时，痛苦的卷曲着枝叶，脸部的表情也非常的低落，悲伤。
我们也同样感受到了那种无奈和痛苦。
最终败落的一瞬间，引发了观众的共鸣，人生也是这样充满了无奈，充满了辛酸。
3.内容的借鉴
中国舞蹈借鉴戏曲在内容上表现为对作品文学内涵的借鉴，节目程式的借鉴以及对于作品的赏析上：
（1）作品的文学内涵
戏曲作品的文学内涵是指对于作品剧本的深刻理解。
戏曲在元代兴起之后，很多的剧本来自于文学作品。
例如当时的文学大家的作品关汉卿的《窦娥冤》、王实甫的《西厢记》和纪君祥的《赵氏孤儿》等。
另外一部分则是来自于朝代英雄人物的传记，例如《穆桂英挂帅》，《关公》等。
这些剧本着重在人物形象的塑造上，通过剧本的故事情节叙事。
用身段来演绎人物形象，用唱功和念白表达故事内容。
这种清晰，精准，丰富的形式使得戏曲受到了很多人的喜爱。
而舞蹈作品的剧本大多是通过对日常生活的故事或者感悟进行再加工。
在进行舞蹈创造时，根据剧本所要表达的内涵加入一些其他元素，例如历史的，现代的，民族的。
由于戏曲和舞蹈本身在欣赏时存在一定的差异性。
因此舞蹈更多的是选用差异性较大的，对比比较明显的事物作为彰显内容的载体。
动作上也更为热烈，富有激情和感染力[11]。
舞蹈作品所要表达的内涵不同于戏曲那么清晰明了，而是通过观众的感悟去体会舞蹈所要表达的内涵，但是这种内涵又根据观众的经历不同，知识层次不同而有不同的审美体验。
因此相比较舞蹈的情感更为浓烈，也更容易与观众达成心灵的共鸣。
如果说戏曲是在讲述故事，抒发情感。
那么舞蹈则是更为含蓄的抒发情感。
（2）剧目的表演程式
戏曲的剧目较多，有上千部。
在具体的表演上根据内容需要侧重点不同，唱功、念功、做功、武打戏侧重一个方面或者两个方面。
而行当则是分为了“生旦净末丑”，每个行当的程式也不尽相同。
演员在进行演出时必须严格按照一定的程式来进行，举手投足，手眼身法步都要按照程序进行。
另外演员的妆容，服饰都必须按照一定行当，甚至一个人物的程式进行。
程式即是标准同时又是串联内容的重要辅助。
在戏曲中人物需要走什么样的步伐，先迈左腿还是右腿；
身段需要怎么表演；
上下场的次序，动作等都是按照一定程式进行的。
例如骑马蹲裆式的动作代表了演员上马奔走，“仰面亮杯”代表酒已喝完。
“走边”表示演员在夜间潜行执行特殊任务。
可以说戏曲表演有了程式才更加精彩，才使得人物更加鲜活，更深入人心。
中国舞蹈则是根据舞种的不同有各自不同的程式。
例如我们比较熟悉的古典舞，本身就是戏曲舞蹈的演变而来，因此舞蹈动作上更贴合戏曲。
而古典舞剧的剧目更与戏曲相似。
民族舞也有很多的经典动作是程式性的，代表着一定的含义。
例如傣族的孔雀舞，在表演开始时，是一幕孔雀飞出巢穴的探视动作，之后的翩翩起舞，戏水，互相嘻闹，孔雀开屏等都有着严格的程式。
（3）作品的欣赏态度
戏曲的欣赏首先要对剧情和剧目有所了解。
还要懂得唱词的意思。
如果没有明白戏曲的含义盲目的去听，会觉得枯燥乏味。
只有对剧情充分了解，对唱词和戏曲的历史进行关注，才能真正欣赏到戏曲的美，另外对于戏曲的欣赏更多的是要以正面积极的心态去了解故事情节，才会回味无穷，鉴赏到戏曲文化的魅力。
而对于中国舞蹈，首先同样要了解舞蹈的内容，有一定的审美水平，了解相关的舞蹈知识，甚至对舞蹈作品的创作经历有一定的了解才能真正欣赏到舞蹈的精华所在[12]。
不管是戏曲或者舞蹈都需要观众有一颗发现美的眼睛，认真观赏和感知，才能让精神得到升华。
三、中国舞蹈表演对戏曲元素的继承
中国舞蹈表演继承了戏曲元素的民族性，传承了戏曲的身段并在舞蹈的道具和服饰上进行了改良和创新。
1.中国舞蹈表演继承了戏曲中的民族性
中国舞蹈继承了戏曲中的民族性。
除了身段，舞美之外，尤其是戏曲中对于民族情感的继承，使得中国舞蹈在表现力方面更加丰富多彩[13]。
戏曲艺术根据地域的不同有着不同的情感，例如我们在听豫剧时感受到了豫剧的淳朴，接地气。
而秦腔更多的是悲凉，振聋发聩。
昆曲的婉约细腻；
在中国舞蹈中对于戏曲民族性的继承让中国舞蹈更易于让观众接受，更符合中国人对于舞蹈的审美。
例如在《三更雨.愿》中出现了大量的戏曲元素，其中最为深刻的就是舞剧对于戏曲所表现情感的运用。
在观赏时，我们看到了“花鸟鱼虫”悲凉的一生，似乎没有一个完美的结局。
但是在并非完美的结局背后又是对命运的抗争，对不公的挣扎。
与秦腔《三滴血》的故事有异曲同工之妙。
尤其是其中“鸟”的部分与秦腔中的人物造型极为相似，在束缚中极力的展现自我，希望突破自身，希望通过不断的挣扎，实现轮回，最后的一声极为悲凉的一嗓子也使得我们对于戏曲唱腔中的情感有了更为深刻的认识。
可以说中国舞蹈将戏曲中的民族性进一步的延伸和创新，使得其更具对比性，更能展示舞蹈的深刻内涵。
2.中国古典舞对戏曲艺术身段的继承
在戏曲中，身段的表演占据非常重要的地位。
每一个姿势怎么表演，每一个仪态应该怎么做，都是戏曲成功与否的关键。
而中国古典舞对于戏曲身段的继承使得古典舞在众多的舞蹈中脱颖而出，极具观赏性。
中国古典舞在对戏曲身段进行借鉴的同时，又进行了一定的创新，形成了一定的训练体系。
例如在身段的训练中要求舞者身法同节奏同时进行，每一个动作都要与音乐相一致。
形态与舞蹈情感想联系，同时形成了独特的古典舞身段。
例如《丝路花雨》中的反弹琵琶、霓裳舞等标志性舞蹈动作都是由戏曲舞蹈演变而来。
舞剧中的英娘接头卖艺片段更是直接借鉴了中国戏曲武打中的动作，显得英姿勃发。
彰显了中国戏曲的独特魅力。
由于古典舞身段的优美和独特的表现力，也使得中国古典舞在世界舞台上独具一格。
3.中国舞蹈表演中对戏曲道具及服饰的继承
中国舞蹈表演中对戏曲道具及服饰的运用使得中国舞蹈呈现出不一样的韵味。
我们在中国舞蹈中经常看到一些独特的道具在舞蹈中让人眼前一亮，例如我们最常见的手绢，由戏曲演变而来的水袖，灯笼，刀等，还有一些极具戏曲意味的妆容设计，服饰设计都给人赏心悦目之感。
例如我们在《三更雨.愿》中看到的新娘造型，是中国传统戏曲的造型之一。
还有其中的关公的造型，“蚊子”部分的脸谱妆容都使得整个意境更具张力。
借助戏曲的元素达到了意想不到的效果。
《大红灯笼高高挂》中的戏曲服饰运用的更加明显。
让我们看到了不一样的舞台效果。
也让我们感受到了戏曲的新生，感受到了戏曲的独特魅力。
四、总结
中国舞蹈表演充分借鉴和吸收了戏曲中的元素，同时又根据中国舞蹈自身的特点进行了创新，形成了中国舞蹈本身的身段，韵味以及训练体系。
使得中国舞蹈更具观赏性，更有韵味。
这也为我国传统文化的新生提供了很好的借鉴。
在进行传统文化的借鉴时，要根据自身的特点对传统文化进行有选择的扬弃，只有这样才能让传统文化换发新的生机和活力。
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