西音史复习资料Word文档下载推荐.docx
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26.不用卡农手法不属于帕勒斯特里纳风格。
27。
复合唱是威尼斯乐派的重要体裁。
28。
通奏低音是指巴洛克音乐中的一种织体、记谱法、演奏方式。
29.大小调体系的和声是在17世纪下半叶成熟的。
30.蒙特威尔第后期的歌剧是在威尼斯创作的.
31.清唱剧的康塔塔的主要区别是:
采用宗教体裁、合唱具有更重要的地位.
32。
击弦的古钢琴叫做楔槌键琴。
33.德国巴罗克管风琴的主要体裁不包括组曲。
34.萨拉班德是慢速三拍子的。
35。
创作大协奏曲的作曲家有:
科雷利、托雷利、维瓦尔第。
36.拉莫从50岁以后开始创作歌剧.
37.斯卡拉蒂的奏鸣曲是单乐章的。
38。
《阿德米托》不是亨德尔的作品。
39.巴赫的《赋格的艺术》创作于莱比锡。
40.巴赫的复兴开始于19世纪。
41.追求民族性不属于古典主义音乐的风格特点.
42。
意大利歌剧序曲是交响曲的来源。
43。
善感风格的代表人物是C。
P.E。
巴赫。
44。
意大利喜歌剧的特征不包括采用对白.
45。
海顿从第三交响曲开始采用四乐章格式.
46。
海顿在埃斯特哈齐的宫廷工作了30年.
47.莫扎特短暂的一生中创作了600多首作品。
48.《安魂曲》不是莫扎特创作的意大利歌剧。
49.莫扎特最后的三部交响曲创作于1788年夏。
二、名词解释：
1.毕达哥拉斯：
是古希腊音乐理论的奠基人,他是数学家，认为“一切皆数”，因此音乐也与数学密不可分。
2.四音音阶：
是整个音乐系统的基础。
它自上而下排列,两端的音构成固定的四度音程，中间的两个音可以变化，从而形成三种不同的四音音阶.
3.里拉琴:
是最重要的弦乐器，类似小提琴.是供业余演奏者使用的比较简单的乐器。
它的一种变体叫基萨拉琴，体积较大.它被常用于崇拜日神阿波罗的仪式上，也常用来为颂歌或史诗伴奏.
4.弥撒：
弥赛虽然发展较晚，但却是教会主要的和最公开的仪式。
它是对耶稣最后的晚餐的象征性再现。
弥撒分为特定弥撒和常规弥撒。
5。
教会调式系统：
中世纪圣咏的调式系统，也成为教会调式系统，是在7-9世纪之间形成的。
这个调式系统有八种调式,八种调式的名称虽然从古希腊的调式沿用下来,但所指的音阶却不相同。
音阶的排列也从自上而下改为自下而上。
规多·
达莱佐：
11世纪的音乐理论家规多·
达莱佐发明了一套唱名法，以便帮助唱诗班的僧侣们在歌唱圣咏时记住全音和半音的位置。
7。
《我看到云雀高飞》：
是南部游吟诗人伯尔纳·
德·
旺塔多恩的作品。
这是一首分节歌,当时流行很广，至少有五首其他的诗采用了这个旋律。
8.奥加卡农：
9世纪末，正当圣咏的记谱开始增多时，同时唱两个不同高音的现象便出现了.这种唱法被称作“奥加卡农"
。
最早的奥加卡农是在即兴演唱中产生的，几乎没有被记过谱。
9.花腔奥尔加农:
12世纪初，法国南部的阿奎坦地区，特别是位于里莫日的圣玛蒂亚修道院,保存了一些复调乐谱，被称为阿奎坦复调或圣玛蒂亚复调。
奥加卡农在哪这里被分为两种，一种叫做“花腔奥加卡农”，它的圣咏声部位于下方,演唱长音符，被称为“支撑声部”。
位于其上方的奥尔加农声部，演唱华丽的旋律.
10.节奏模式：
初现于12世纪，是记谱法中最早的标记节奏的系统,对它的运用时巴黎圣母院的一大特点。
11.克劳苏拉：
早期经文歌的范本,有拉丁文歌词的一种早期演唱形式，在法国、意大利流行。
12.有量记谱法：
13世纪的音乐理论家弗朗科在他的著作《有量歌曲艺术》中总结了1225年以来的记谱法,提出了一种新的音符时值系统,这就是对以后几百年的西方音乐产生了重大影响的有量记谱法。
等节奏：
“新艺术"
经文歌还经常运用“等节奏"
的手法.这是一种利用节奏因素来组织音乐结构的手法。
其中，支撑声部有一个不断重复的节奏，叫做“塔利亚"
还有一个不断重复的旋律，叫做“克勒"
《弗威尔的故事》：
“新艺术”时期最有代表性的作品之一，是一部带有插入的音乐段落的讽刺诗剧《弗威尔的故事》，它的手抄本大约产生于1310—1314.
马绍：
是法国“新艺术”时期最著名的作曲家。
他不仅是一位作曲家，而且也是一位著名的诗人，他为自己的声乐作品创作歌词。
马绍的音乐作品有23首经文歌，1首圣母弥撒曲和大量的复调世俗歌曲。
叙事歌:
是14世纪法国复调世俗歌曲的一种体裁，最重要的作曲家是马绍,他以叙事故事为基础，经常有器乐伴奏.
17。
兰迪尼终止式：
以兰迪尼命名的“兰迪尼终止式”，是当时最常用的一种终止式.其中，两端声部仍然是大六度到八度，但在高音部的导音进入主音之前，先下行到导音的下方邻音，即音阶的六度音上，然后再上行三度跳进到主音。
18。
邓斯泰布尔:
一位重要的英国作曲家，他的作品从音乐语言的基础因素到体裁，都对15世纪初的大陆音乐产生了更深远的影响。
定旋律弥撒:
这是一种特殊的弥撒套曲，其中所有乐章都与一个借用的旋律相结合,这旋律通常是圣咏.它由支撑声部陈述，形成了对位的基础。
勃艮第尚松：
尚松是勃艮第乐派最有特色的作品，它们继承了14世纪的传统,仍是采用三声部织体和以支撑声部-高音部的二重唱作为结构的基础。
21.《Mi—Mi弥撒曲》:
在这首曲子中，一个三音基本动机E—A—E作为“题词"
出现在各乐章的开头，只在节奏和对位方式上不同，这个动机决定了此曲的名字。
22。
彼特拉克:
早期牧歌的发展还与当时对14世纪意大利诗人彼特拉克的复兴运动有密切的关系。
大部分早期牧歌的作曲家都曾为这位诗人的作品谱过曲。
23.英国牧歌：
受到意大利牧歌的很大影响,但也有其自身的特点，形成了一种独特的英国牧歌的风格。
这种牧歌虽然也是为无伴奏的独唱声乐而作,但其中很多在出版时也表明可以用弦乐器取代或重叠一些声部.
绘词法：
对个别词句进行特殊的音乐处理,通常是作象征性的音乐描绘，以加强表现力。
这种手法被牧歌作曲家广泛采用，因此也被人称作“牧歌主义”.
25.众赞歌：
众赞歌是路德教会的赞美诗.它的歌词通常是分节体的德文诗歌，配以单声部的旋律.路德自己为早期的众赞歌写了很多歌词。
26。
拉索：
是16世纪文艺复兴晚期的另一位重要分的作曲家，和帕勒斯特里纳属于同时代人。
拉索的音乐语言精美而生动，特写注重词与曲之间的配合.
《马采鲁斯教皇弥撒》:
尤帕勒斯特里纳创作，这首曲子在天主教会中挽救了复调,这首弥撒曲既有完美的复调音乐，又把歌词陈述的十分清晰。
28.坎佐纳：
是一种最早的器乐作品,它出现于1520年代，最初是由法国尚松移植或改变的，而且都是为管风琴而作的.
29.通奏低音：
巴罗克音乐的一个重要特征,又称数字低音。
这种织体的记谱法是由记写下来的高声部和带有数字标记的低声部构成，这种位于低音上方的数字是和声的标记,指导着演奏者即兴地填充和声.
30。
《尤丽迪茜》：
1600年，佩里为利努契尼作词的《尤丽迪茜》谱曲，表现希腊神话中的奥菲欧的故事，在佛罗伦萨为梅迪奇家族的宫廷婚礼上
31.吕利：
是创作法国歌剧的代表性作曲家，他出生于意大利,但长期服务于法国宫廷。
他的歌剧脚本作者是让·
菲利普·
奎诺，他们共同创作了富有特色的法国歌剧。
32.路德教会康塔塔:
起源可以从德国诗人诺伊迈斯特所作的康塔塔歌词中看出。
他构思了一种康塔塔的形式，其中用宣叙调和咏叹调的交替对每日经文进行沉思。
33.托卡塔:
一般由多段组成，在模仿对位和自由即兴地织体之间交替。
运用模仿手法的部分类似赋格，最终导致赋格作为一种独立的体裁产生。
34.赋格曲：
从托卡塔或前奏曲的模仿部分中发展出来，在17世纪末成为一种独立的体裁，取代了过去的里切卡尔.
教堂奏鸣曲由一些比较严肃的乐章组成，没有舞曲的因素，乐章通常有四个，速度顺序是:
慢—快-慢—快。
36。
室内奏鸣曲是由一些舞曲构成的组曲,通常包括四种核心舞曲.
37.大协奏曲:
是用一个独奏者的小组（主奏部）和一个较大的乐队（协奏部）相抗衡,这个乐队通常有弦乐器组成。
回归曲式：
由几个并列乐句组成，运用了重复和前进。
随后的几次回归再现都是局部的，但保持了音乐的感觉和统一。
39.《和声学》:
寻求从音响学和数学的理论，对后来两百年的音乐理论产生了重要的影响.
40.D·
斯卡拉蒂:
是意大利那不勒斯乐派的创始人,主要创作键盘奏鸣曲和意大利歌剧。
41。
《弥赛亚》:
亨德尔创作的清唱剧《弥赛亚》,以《圣经》和英国祈祷书的诗篇为基础，用三大部分分别叙述了耶稣的诞生、受难和复活.
路德教康塔塔:
康塔塔在路德教的仪式中通常在念福音书之后演唱，往往是用音乐对福音书的内容加以评论，巴赫也有一些康塔塔是对自己以前作品的改编。
《赋格的艺术》:
巴赫晚年的艺术《赋格的艺术》，是用一个简单的主题创作的一系列赋格曲.实际上是对自己一生的复调创作进行了最后的总结。
启蒙运动：
这是一场针对封建社会的精神上的反叛运动。
主张通过发展科学、文化和教育,进行普遍的民主自由的启蒙.
45.华丽风格:
在18世纪，人们用这个词来形容一种精美而文雅的艺术风格,它后来几乎可以用来一切新潮的、容易的、自由的和精致的东西。
46.《女仆做夫人》：
由意大利作曲家佩尔格莱西创作，包含了很多意大利喜歌剧的特征。
歌剧中的角色包括喜剧中常见的那些类型，经常对各阶层人物性格中的小缺点进行讽刺。
47。
歌唱剧:
自16世纪以来一直是喜歌剧的类型，英国民谣剧的成功鼓舞了它的复兴。
18世纪德国歌唱剧最早的例子是对英国民谣剧和法国喜歌剧的改编之作。
48。
约翰·
施塔米兹：
曼海姆乐派的创立者,他建立了当时欧洲最好的管弦乐队，这个乐队演奏十分精确并富余技巧，特别是擅长演奏较大的渐强或渐弱.
49.双呈示部：
在很多协奏曲的第一乐章中有两个呈示部,一个由乐队演奏，另一个由独奏乐器演奏。
50.《伦敦交响曲》：
12首伦敦交响曲是海顿交响乐创作的顶峰.他机敏地了解并适应了英国听众的口味。
这些作品的规模更大，配器更辉煌。
51。
华彩乐段：
独奏者开始即兴演奏扩展的华彩乐段,莫扎特为自己的协奏曲写了几个华彩乐段,特别是80年代以后创作的那些类似他的第二个展开部。
52.《魔笛》：
是莫扎特的最后一部歌剧，也是第一部伟大的德语歌剧。
这部歌剧把德国歌剧与意大利歌剧的有点结合起来。
三、大题:
1。
简述古希腊在音程、音阶和调式方面的理论。
2.比较柏拉图和亚里士多德的音乐思想。
答：
柏拉图和亚里士多德都认为音乐具有伦理道德的性质,可以影响人的性格、行为和思想。
音乐中不同的调式会使人产生不同的情感反应。
亚里士多德认为混合里底亚调式会使人悲伤，多利亚调式可以体现出勇敢，而弗利吉亚调式则使人激动和好战。
柏拉图强调音乐对人的道德品质的教育作用的观点，就是所谓的“音乐教化作用说”。
格里高利圣咏的基本特征和历史意义.
答:
基本特征：
1）单音织体，拉丁文歌词；
2）节奏自由，由歌词的韵律决定；
3）音域较窄，旋律以极进为主，多呈拱形；
4）音乐结构由歌词段落的划分决定;
5）音乐具有节制和超脱的表情特征。
历史意义:
格里高利圣咏构成中世纪教会仪式音乐的一份持久而丰富的文化遗产。
4。
法国游吟诗人歌曲概述。
兴盛于11世纪至13世纪末的游吟诗人，首先出现在法国南方的普罗旺斯以及加泰罗尼亚和意大利北部的一些地方。
这种游吟诗人叫做"
特罗巴多”。
12世纪中叶，在特罗巴多的影响下，法国北部也形成了一个游吟诗人聚集的中心。
这些诗人被称作“特罗威尔”.那些被记录下来的歌曲被收在《尚松曲集》。
南部和北部的游吟诗人的歌曲在题材上是相近的，中心题材是爱情，最重要的新主题是“宫廷之恋"
简述9世纪末到12世纪复调音乐的发展线索。
9世纪末，正当圣咏的记谱法开始增多时,同时唱两个不同音高的现象便出现了，这种唱法被称作“奥加卡农”，是西方复调音乐的祖先.最早的奥加卡农是在即兴演唱中产生的，几乎没有被记过谱。
在《音乐手册》和《学习手册》两篇文章中，谈到了两种形式的早期奥加卡农，一种是四度的，一种是五度的，新加的声部都在圣咏的下方。
11世纪末出现了一种与过去很不同的奥加卡农，它以四、五、八度的混合位基础。
最早已知的两声部的11世纪奥加卡农曲集来自英国南部的温彻斯特大教堂。
12世纪初,法国南部的阿奎坦地区，特别是位于里莫日的圣玛蒂亚修道院,保存了一些复调乐谱，被称为阿奎坦复调或圣玛蒂亚复调。
奥加卡农在哪这里被分为两种,一种叫做“花腔奥加卡农”，另一种叫做“迪斯康特奥加卡农”。
12世纪后半叶，在巴黎圣母院出现了一种复调形式，这就是巴黎圣母院复调。
这种复调有两个最重要的代表人物：
雷奥南和佩罗坦。
他们都曾先后在巴黎圣母院工作，是历史上最早的知道名字的复调作曲家.
6.13世纪经文歌的形成与发展。
13世纪后半叶最流行的复调体裁是经文歌。
它是从克劳苏拉派生出来的，它的上方声部原来是无词的,在加上新的歌词后，便成为经文歌。
早期的经文歌有这样一些音乐特征:
它们是为三或四个声部而作的,最低声部叫支撑声部，第二声部也叫经文歌声部,然后是第三声部和第四声部。
每一个上方声部都唱一种不同的歌词，它们既可以是拉丁文的，也可以是法文的.拉丁文较注意歌词之间的联系，法文歌词则大部分是情歌。
最下方的支撑声部大都来自圣咏，常用重复的节奏型。
14世纪的“新艺术”新在哪里？
在“新艺术"
时期，音乐技法上的新特征首先体现在以下几个方面：
1）记谱法有了新的发展,音符时值增多,有过去的三种扩大到五种；
2）音符时值既可以运用二重划分法，也可以运用三重划分法;
3）“新艺术"
经文歌还经常运用了“等节奏”的手法.这是一种利用节奏因素来组织音乐结构的手法。
其中,支撑声部有一个不断重复着的节奏，叫做“塔利亚”，还有一个不断重复的旋律，叫做“克勒”。
4）这个时期音乐的另一个特点是有了一种新的和声感.
8.什么是文艺复兴时期的人文主义?
解释它对当时音乐艺术的影响.
“文艺复兴”是一种“人”的精神的再生，或者说是一种文化标准的复兴.这种人文主义的思潮也导致了音乐风格的一些变化，例如这时的作曲家开始有意识地追求用音乐更好地表现歌词的音韵、意义。
文艺复兴时期不仅出现了很多具有强烈个性的、完全不同于以往的音乐风格，而且最终形成了一种遍布西欧的国际化的音乐语言。
影响：
在创作中追求从中世纪的思想方式和作曲形式的束缚中解放出来,使音乐具有了更多的人的个性与情感的表现。
9。
简述杜费和若斯特的音乐风格。
答：
杜费：
1）采用自由的、无规则重音的节奏与平滑流动的对位声部，构成15-16世纪宗教音乐风格的主要特征;
2）加强对不协调音的控制,三、六度音音响十分常见;
3）模仿已开始在作品的局部加以运用;
4）在支撑声部下方增加一个低音部，形成完整的四声部织体。
若斯坦：
1）大量运用卡农（主题模仿）的手法,把它作为统一音乐结构的基本手段；
2）在复调模仿手法为主的作品中，经常插入和弦式的段落，使织体富余变化。
3）和声虽然仍是调式的，但通过低音部频繁的四、五度运动，预示了主—属和声关系的萌芽，还常用一种很有动力感的“驱动式终止"
；
4）发展了新的弥撒曲类型，如“仿作你撒曲”，“释义弥散曲.
10。
简述16世纪意大利牧歌的产生和发展。
早期:
主调风格为主，注重对歌词的音乐表现。
代表人是阿卡代尔特。
中期：
主调与复调风格交替，声部增多，对技巧和表情的更多探索。
代表人是罗尔。
晚期：
各方面的探索达到高峰，半音化和声，大胆处理不谐和音，宣叙性音调。
代表人是马伦奇奥、杰苏阿尔多、蒙特威尔第。
11.文艺复兴2晚期的器乐。
大致可以分为五类.
第一类是舞曲,常成对组合，一慢一快.
第二类是即兴创作，包括前奏曲、幻想曲和托卡塔.
第三类是对位体裁，主要是利切卡尔。
第四类是坎佐纳和奏鸣曲。
第五类是变奏曲。
11。
简述16世纪“宗教改革"
和“对位宗教改革”时期的音乐。
发生在16世纪的西方教会的分裂给教会的音乐带来了深刻的变化.由于各国的宗教改革者们有着各种不同的背景和目标，宗教音乐也呈现出不同的地方形式。
加尔文改革的宗教音乐只是对诗篇歌的同度齐唱，英国国教的仪式保留了天主教的许多特征，因此，德国宗教改革的音乐—众赞歌的创作，是最有特点的。
天主教会对宗教改革的回答
12.威尼斯乐派的代表人物和特征。
文艺复兴后期,在这样的城市环境中诞生了威尼斯乐派。
它的主要代表人物有维拉尔特、A。
加布里埃利和他的侄子G.加布里埃利。
威尼斯乐派的许多代表性作曲家都曾担任过那里的管风琴师。
双管风琴推动了双合唱或称复合唱的发展,威尼斯的大规模的典礼音乐，以G。
加布里埃利的双合唱经文歌最为典型。
威尼斯乐派的作曲家特别喜欢创作器乐合奏曲。
坎佐纳便是一种最早的器乐作品.
13.简述意大利歌剧的早期发展。
格局的诞生是和佛罗伦萨的卡梅拉塔的活动分不开的。
其中包括两位重要的早期歌剧的作曲家——雅克布·
佩里和朱里奥·
卡契尼.最早的歌剧是《达夫尼》,可惜只有一些片段保存下来。
1600年，佩里为利努契尼作词的《尤丽迪茜》谱曲。
这部作品代表了现存最早的完整保存下来的歌剧,其中运用了单生歌曲风格的所有类型，特别是宣叙性的风格。
蒙特威尔第在1607年创作了他的第一部歌剧《奥菲欧》,它是为曼图瓦宫廷而作的。
蒙特威尔第所写的音乐包含了多种多样的声乐和器乐的风格。
蒙特威尔第之后,为威尼斯歌剧院创作的重要作曲家有弗朗切斯科·
卡瓦利。
17世纪后期,意大利歌剧在那波利得到了进一步的发展，变得更加成熟，形成了歌剧的“那波利风格。
这种风格的代表作曲家是亚历山德罗·
斯卡拉蒂。
宣叙调被分为两类,一类是干唱宣叙调，另一类是助奏宣叙调。
在咏叹调中，反始咏叹调占据了主导地位。
让-巴蒂斯特·
吕利是创作这种法国歌剧的代表性作家，他出生于意大利，但长期服务于法国宫廷。
他的歌剧脚本是让·
奎诺，他们共同创作了富有特色的法国歌剧.
意大利巴罗克时期的清唱剧和康塔塔的主要特征是什么？
清唱剧：
1）采用宗教题材，歌词是拉丁文或意大利文，以圣经为基础。
2）类似歌剧,采用宣叙调、咏叹调、二重唱和乐队。
3）与歌剧不同的是,无需舞台布景和表演。
康塔塔:
1）它是为独唱和通奏低音而作的，乐队中有时增加一两件助奏乐器.
2）它通常采用意大利文的抒情的或近似戏剧性的歌词.
3）一般由几个段落组成，在宣叙调和咏叹调之间交替。
4）到17世纪下半叶,在宣叙调和咏叹调的数目一般是二或三首
15.简述巴罗克时期键盘音乐的发展。
16.简述巴罗克时期的奏鸣曲和协奏曲。
大约1660年，奏鸣曲一词开始被用来指多乐章的器乐作品。
按功能分,可以分为两类：
教堂奏鸣曲和室内奏鸣曲;
另一种按织体分类:
独奏奏鸣曲和三重奏鸣曲。
教堂奏鸣曲由一些比较严肃的乐章组成，没有舞曲的因素。
室内奏鸣曲则是由一些舞曲构成的组曲；
三重奏鸣曲是为两个高音乐器和通奏低音乐器而作的；
独奏奏鸣曲则是为一个乐器,通常是小提琴和通奏低音乐器而作.
协奏曲出现于17世纪的80和90年代，很快便成为巴罗克器乐作品的最重要的形式。
这种形式建立在一个独奏和一个乐队之间的系统性对比的基础上。
它主要有两大类,：
一类是大协奏曲，另一类是独奏协奏曲。
最早开始写作独奏协奏曲的是意大利的作曲家朱塞佩·
托雷利。
后来有很多作曲家都在托雷利式的协奏曲的基础上继续发展，其中包括威尼斯的作曲家阿尔比诺尼和维瓦尔第。
亨德尔的清唱剧有哪些主要特点？
举例说明。
1、首创英语清唱剧；
2、大多采用英国人熟悉的《圣经》“旧约”故事；
3、熟悉德国和英国的合唱传统，在清唱剧中把合唱放在更突出的地位，合唱风格比巴赫简单，对位较少。
但又宏大的效果;
4、像歌剧一样，采用咏叹调谱写抒情的歌词，并用宣叙调做情绪上的准备.
简述巴赫的生平与创作。
1、早年（1703-1717）管风琴师——大部分管风琴作品：
主要包括《管风琴小曲集》;
2、科腾时期（1717—1723）宫廷乐长——大部分世俗器乐曲：
两卷《平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《法国组曲》...
3、莱比锡时期（1723—1750）教堂乐监—-大部分宗教音乐作品。
19.谈谈交响曲在前古典主义时期的产生和发展。
在大约1700年，歌剧序曲形成了一种标准的形式。
到了18世纪30年代,一些作曲家，如意大利作曲家萨马蒂尼开始创作这种独立的序曲，也成“辛弗尼亚”,这便形成了最初的古典主义时期的交响曲.
1740年以后，德国的曼海姆、维也纳和柏林成为交响曲创作的三个主要的中心。
曼海姆乐派的创立者施塔米兹,他建立了当时欧洲最好的管弦乐队。
在施塔米兹创作的交响曲中，首次使用了对比性的副部主题.
JC`巴赫是巴赫最小的儿子,也是早期交响曲的一个重要作曲家，他创作了一些为近代钢琴而作的协奏曲,在其中引入了奏鸣曲式的原则，对莫扎特后来的创作产生了影响.
20、简述格鲁克的歌剧改革。
“音乐为戏剧的情节和表现的诗意服务”。
1、使序曲，合唱，舞蹈和乐队的运用与剧情密切联系起来；
2、清除歌唱家即兴炫耀技巧的花腔段落；
3、减少咏叹调和宣叙调之间的对比；
4、取消割裂歌词的间奏，避免不自然的反始咏叹调，创作出宣叙调、咏叹调与合唱组成的复合场景。
21、简述海顿的交响曲和弦乐四重奏的创作。
交响曲:
1、早期:
最早的几部还是三乐章的,还有巴罗克的遗风.60年代开始在小步舞曲后增加终乐章，形成四乐章结构；
2、中期:
1768—1774年的交响曲代表了他的成熟风格.1774-1788年的交响曲激情和实验性减少，更加老练并注入一些喜歌剧的精神；
3、晚期：
90年代的12首伦敦交响曲是他的创作顶峰。
规模更大,配器更辉煌，和声更大胆，旋律更优美，节奏也更有张力
弦乐四重奏:
弦乐四重奏是古典主义时期最重要的室内乐体裁，而海顿是这种体裁的第一位杰出的大师。
1770年左右，海顿的四重奏达到成熟。
取消一个小步舞曲乐章之后，形成与交响曲相同的四个乐章的固定格式.海顿晚期的四重奏属于弦乐四重奏曲目中的巅峰之作.特点是继续运用了单主题的第一乐章，和声更加扩展.
22、莫扎特在维也纳时期的创作特征和代表作品。
1、器乐作品:
莫扎特献给海顿的六首弦乐四重奏
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