《各具特色的欧美美术作品》教学案和资料.docx
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《各具特色的欧美美术作品》教学案和资料
授课老师
吕伟和
科目
美术
授课班级
九年级
授课时间
3.23
课题（章节）
第单元外国美术名作巡礼
第二课各具特色的欧美美术作品（2—1）
课时安排
2课时
教学准备
图片资料
授课内
容分析
本课以欧洲美术数千年发展史中的三次高峰为重点，连成一条清晰脉络，展示古希腊古罗马时期、文艺复兴时期、19世纪这三个时期的杰出作品、画家与画派，同时对中世纪、17世纪、18世纪、20世纪的美术作品也给与简明扼要的介绍。
教学目标
知识与技能
1.了解欧洲不同时期美术作品的主要风格和特点。
2.能运用文字形式对美术作品进行评述。
过程与方法
通过对比分析，了解欧美各个时期重要美术作品的风格、特点和时代特征，掌握欣赏美术作品的方法。
情感、态度
和价值观
了解各具特色的欧美美术作品，从而开阔视野，增长见识，陶冶情操，提高审美能力。
教学重点
能对各具特色的欧美美术作品进行分析，认识欧美美术作品的丰富性与多样性。
教学难点
领会欧美美术作品在形式上的差异及其与现实生活、宗教、审美观念的联系。
教学措施
调查并收集相关资料，结合当时的历史文化背景进行赏析和多角度体会美术作品。
教学过程
教学环节
教师活动
学生活动
设计意图
课前准备
引导学生从美术作品的造型元素（色彩、形象、构图）、艺术家艺术创作特点（意图表达、情感倾注、技法运用），以及美术作品的艺术语言、文化内涵（艺术特点、时代精神、思想倾向）等方面查找收集相关资料。
学生通过网络查找、书籍查阅的方式进行课前预习与材料收集。
培养学生收集和处理信息的能力。
使其对欧美美术知识有一个初步的认识。
导入阶段
提问：
这些作品分别是哪位艺术家的作品？
说说它们各自有什么特点？
展示几幅大师作品，如《向日葵》、《西斯廷圣母》、《创世纪》等。
世界的四大文明古国，开世界科学之先河，希腊的古文化，创世界之奇迹。
发源于古希腊和古罗马的欧洲美术更是影响了20世纪的世界美术发展，今天就请我们一起来欣赏欧美古代先民们智慧的结晶:
《各具特色的欧美美术作品》
学生回答问题，别的学生可以补充。
用猜一猜、说一说这种形式，激发学生的好奇心，调动学生学习的积极性。
发展阶段
一、课件展示本课的学习目标
1.了解欧美不同时期美术作品的主要风格及其特点。
2.能运用文字形式对美术作品进行评述。
二、把教材分为五部分，展示每部分的学习要点
（第一部分：
古希腊、古罗马美术作品；第二部分：
文艺复兴“三杰”；第三部分：
17、18世纪欧美美术画坛；第四部分：
印象派；第五部分：
20世纪至今的经典美术作品）
本课学习前两部分内容。
三、学习第一部分内容：
古希腊、古罗马美术作品
1.古希腊雕塑代表作品：
《萨莫德拉克的胜利女神》
作品简介：
又称胜利女神之翼，是前3世纪古希腊胜利女神的一件巨型大理石雕塑作品，高5.57米，重32吨，也是世界上最著名的雕塑之一。
表现内容：
该雕塑表现的是一位希腊神话中的胜利女神。
她伸展着双翼，高高站立在船头上，在海风吹拂下，翅膀的羽毛微微颤动，柔软的裙裾贴在身体上并向身后飘扬。
创作背景：
雕塑制作于公元前2世纪初的希腊化时期，是人们为了纪念一次海战胜利，在萨摩色雷斯岛的胜利女神庙内树立起来的。
艺术风格：
参照人体的形象塑造神话人物，并赋予其更为理想和完美的艺术形式，体现对和谐、理想、美的追求及情感。
古希腊人体雕塑产生的背景：
政治条件、创作源泉、现实条件。
2.《萨摩的拉客的胜利女神》和《罗马大角斗场》、《科隆大教堂》各有什么特点？
3.教师根据学生回答，补充小结每件作品的创作背景、作品思想内容、艺术价值等。
四、学习第二部分的内容：
文艺复兴“三杰”。
1.介绍米开朗琪罗及其雕塑《大卫》的艺术特色。
2.用圣经故事《耶稣受洗》引起学生赏析《岩间圣母》的艺术特色。
作品及作者简介：
此画创作于1483―1490年间，为油画，尺寸为198×123厘米，现藏巴黎卢浮宫。
作者达·芬奇是意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。
他是一位多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。
表现内容：
此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。
画中人物与景色搭配和谐，给人以安宁祥和的感觉。
创作背景：
此画是达.芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。
艺术特色：
此画为金字塔形构图，人物、背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，体现了画家在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
文艺复兴时期的艺术风格：
弘扬人文主义精神，注重写实和色彩的协调、自然。
文艺复兴艺术风格的形成背景：
政治条件、创作源泉、现实条件。
3.赏析《雅典学院》的艺术特色。
学生熟悉本课学习目标。
学生分组自选一部分内容，围绕教师所提出的问题自学。
小组成员可以共享课前收集的材料。
学生可在教师提出的学习要点的基础上，补充本小组学习的新看法与见解。
学生明确本节课学习所要达到的目标，指导学生有目的的自学。
采用先学后教的教学方式，培养学生独立学习的能力。
既可以提高学生处理材料的能力，又能培养学生合作的能力。
深入阶段
你是否还知道“文艺复兴三杰”的其他作品？
结合课前收集到的材料，尝试着谈谈这三位大师的艺术思想。
教师根据学生所讲内容的不足之处给与补充，对表达、评述有困难的学生加以引导。
每个小组派代表上台分享自学成果。
检验学生自学成果，及时调整教学策略。
学生练习
教师根据学生汇报阶段出现的问题给与纠正、补充，并提出建议。
学生任选一幅美术作品，独立完成赏析短文。
进一步培养学生的赏析能力。
总结阶段
对本课的要点进行梳理。
学生回顾，总结经验。
为以后学习积累经验。
教学反思
备课组长签名
教研组长审阅
教导处审阅
《萨莫德拉克的胜利女神》
萨莫色雷斯是爱琴海东北部的一个希腊岛屿。
大约在公元前190年，为纪念塞浦路斯海战的胜利，罗得岛的雕塑家创作了这尊胜利女神像，把它竖立在该岛上，《萨莫色雷斯的胜利女神》便由此得名。
是希腊化时期（公元前四世纪末——公元一世纪，又称作“泛希腊时期”）留下来的著名杰作的原作，被奉为稀世珍宝。
作者已无从考证。
又名为《萨莫色雷斯尼凯像》。
现在保存在法国国家艺术宝库——“卢浮宫”。
是三件镇宫之宝之一。
胜利女神是胜利的化身，是提坦帕拉斯和斯堤克斯的女儿。
她的罗马名字叫Victria维克托里亚（维多利亚）。
她的形象是长着一对翅膀，身材健美，像从天徜徉而下，衣袂飘然。
她所到之处胜利也紧跟到来。
她还是宙斯和雅典娜的从神。
在提坦战争中倒戈向奥林帕斯并助其获胜。
1863年一名法国外交官在地处爱琴海东北部的萨莫色雷斯小岛上进行考古时意外发现了这尊雕像。
从萨姆特拉斯岛的神庙废墟中发掘出来以后。
已经断裂，并且很多部分遗失。
经过三次修复，考古工作者才还原了胜利女神的大部分身躯和雕塑底座。
最后一次修复是在1932至1934年之间。
此后，卢浮宫再未对胜利女神进行修复，但研究工作随着科技手段的进步不断深入。
雕像将从2013年9月3日开始“闭门谢客”，将在一年多时间里“专心美容”，以期能以更加完美的形象迎接来自世界各地的参观者。
《萨莫德拉克的胜利女神》高328厘米，虽无头，无手臂，但周身呈现出热情奔放的动态。
张开矫健的双翅，跃跃欲飞。
上身前倾，胸部高挺，右脚迈出，像是迎风而立，又像大步前进。
雕像整个动势结构十分完美生动，雕刻技巧高超，雕像在形式上已转向世俗化、戏剧化和形象的人格化，并以传达人类心理和激情力量为其特征。
雕像屹立海边山崖之巅，迎着海风，那前倾展翅欲飞之态，被海风吹拂的衣裙贴着身体，可隐见女性人体的完美，衣裙褶纹构成疏密有致生动流畅的运动感，呈现出生命的飞跃。
希腊雕像充满着生命，即使残缺也是活物，人们在想像中弥补了残缺，获得了完满的审美享受。
《罗马大角斗场》
古罗马时期剧场建筑，世界名胜。
位于意大利首都罗马的威尼斯广场南面，是古罗马建筑的典型代表，也是古罗马帝国的象征。
角斗场又名斗兽场、露天竞技场。
因它建于弗拉维王朝（69～96）时期，故又称弗拉维露天剧场。
但其真正的名字是科洛塞奥，意为高大，因广场上原有尼禄皇帝的一个高大铜像而得名。
这座椭圆形的建筑物是由维斯帕西安皇帝于72年开始修建，其子提图斯皇帝于80年隆重揭幕。
据说是为了纪念罗马帝国征服耶路撒冷的胜利，强迫8万名犹太俘虏服了10年苦役建成的。
3世纪和5世纪重加修葺。
角斗场是斗兽、赛马、竞技、阅兵、歌舞等的场所，用淡黄色巨石垒砌，外观为椭圆形。
占地2万平方米，外部高48.5米，周长527米，椭圆长径188米，短径155米，四周可容观众5万人。
分四层，一、二、三层有半露圆柱装饰，每两根半露圆柱之间即为一座拱门。
第四层为长方形窗户和长方形半露方柱构成。
场中心的竞技和斗兽处，也呈椭圆形，长、宽分别为86米和57米。
当初为观赏水中斗兽情景，还采用了引湖淹灌的办法。
后来在台下改建成许多地窖，供角斗士化装准备搏斗和关闭猛兽之用。
据记载，角斗场竣工后，各种表演持续了100天，动用了5000头狮子、老虎和其他猛兽，还有3000名由奴隶、俘虏、罪犯和基督徒组成的角斗士。
他们大部分都惨死在角斗场上。
经历了2000年风雨侵袭的圆形角斗场，其围墙已有半壁倒塌。
角斗士和猛兽生死搏斗的场地，也已破残不堪，当年建成的地窖也露出地面。
然而其四周的看台还保存得相当完整。
入口处有一座称为凯旋门的牌坊。
同时还有为游客准备的中世纪的轿式马车。
《科隆大教堂》
科隆大教堂是德国最大的教堂，也是世界最高的教堂之一。
以轻盈、雅致著称于世。
位于科隆市中心，莱茵河畔。
科隆大教堂又称圣彼得大教堂，是中世纪欧洲哥特式建筑的代表作。
始建于1248年，1880年建成。
占地8000平方米，建面6000多平方米。
内有礼拜堂10个。
中央大礼堂穹顶高达43.35米，中央双尖塔高161米，直插云霄。
大教堂四壁上方共10000多平方米的窗户上，全部绘有《圣经》人物，在阳光反射下，金光四射，多彩多姿。
教堂钟楼上有5座响钟，最大的重24吨，响钟齐鸣时，洪亮深沉。
21世纪的古文物被存放在教堂的金神龛中，被视为中世纪金饰艺术代表作。
登上钟楼可以眺望科隆市貌和风光。
每到夜晚，装在四周建筑物上的聚光灯向教堂射出光柱，为它罩上一层淡兰色荧光。
站在莱茵河对岸欣赏河水中教堂的倒影，更是神秘莫测。
1996年，科隆大教堂入选为世界文化遗产名录。
《岩间圣母》
创作时期：
第一幅约作于1483～1490年间，另一幅约作于1508年
作品规格：
第一幅为198×123厘米，第二幅为189.5X119.5厘米，
现收藏地：
第一幅现收藏于巴黎卢浮宫，另一幅则收藏于伦敦国立美术馆
一般题材的《岩间圣母》都按照教会意愿把圣母画在先知环绕之中，这是圣方救济会赞助者用来提升圣母玛利亚清白信念的一般性宗教构图方式。
而达芬奇的创作完全是一幅在佛罗伦萨正悄然兴起的世俗性作品，画面上的一切无不体现着新意：
情节的艺术化处理；不寻常的难以捉摸的风景；人物与环境的有机融合；光的巧妙利用；高尚的美所辉照出的人物形象。
这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，他的另一只手则向儿子伸过去，天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。
一连串手势代表保护、指示、祝福等含义，达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间，圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上，渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出佛兰德斯或威尼斯画派所少有的朦胧画意，整个景象如幽远的梦境。
充满了诗一样的温情，祥和而且典雅。
在构图稳定的和谐画面上，风景不再是简单的背景，逼真的景物环绕于人物四周，自然的和人物融为一体，这种真实感赋予画面一种别具一格的生动。
画上的情节取自圣经《新约全书马太福音》第三章《耶稣受洗》故事：
耶稣从加利利来到约旦河，见了约翰，要受他的洗。
约翰想拦住他说：
我当受你的洗，你反倒上我这里来么？
耶稣回答说：
你暂且许我，因为我们理当这样尽诸般的义。
于是约翰许了他。
耶稣受了洗，随即从水里上来，天忽然为他开了，他看见神灵，仿佛是鸽子在下降，落在他身上。
天上这时有声音说：
这是我的爱子。
按照圣经所述，施洗的约翰不是孩子，已是个成人了。
而圣母携子逃亡埃及和以色列的时候，耶稣也仅是刚生下的婴儿，他不可能象画上所表现的那样指手划脚与约翰对话。
此外，耶稣受洗的地点是在约旦河边，受洗时也没有玛利亚在场。
那么达芬奇为何作如此大胆改动呢？
圣经上说，希律王为了剪除耶稣的后患，正派人在他诞生的地区大规模屠杀两岁以下的婴儿。
天使启示约瑟，让他带着玛利亚与耶稣逃出伯利恒，圣母子一家刚刚来到约旦河边，得知约翰在这一带传教，于是相约与约翰在附近一个岩洞内会面。
画家把画面人物展现在一个古老的岩洞内，也是合乎生活情理的。
耶稣受洗，在圣经上始终没有讲清年龄关系，此类题材往往随画家构思，各有不同表现。
达芬奇在学徒时期与老师合作的那一幅《基督受洗》，耶稣和约翰的形象显然已是成人了。
画家在这一幅画上没有受宗教题材的局限，而以一种世俗的生活感情去表现这一主题。
为了使人物充满一种天伦之爱，他把这种耶稣与约翰的所谓神圣会见，改变成两个天真的孩子有水边戏耍。
但为了点明宗教题意，又不得不从动作上作些注解，如小耶稣用右手指着约翰，似乎在说：
你暂且许我……。
约翰也做出拱手向耶稣请安的样子。
右侧坐在地上的天使，作为自天而降来到人间的美丽使者，她的形象被刻画得最美，脸上展现着达芬奇的微笑公式，右手指着这幕受洗的趣剧，也象亲人一般似乎在庇护他们。
显而易见，画家在这里决心以圣母为中心，赋予画面以庄重、温存和受天庇佑的母爱的感召力，而不是表现某种苦难、艰辛与恐惧的生活坎坷。
中间的圣母一手扶着约翰，另一手去抚慰耶稣，体现了人间伟大的母性的力量。
这和他早年那幅《基督受洗》是截然不同的。
它表现了一种伦理感情，一种富有人性的美，而这也正是当时人文主义思想的内容。
在构图上，达芬奇用的是金字塔形构图，它具有一种稳定感。
四个人物统一在这一稳定的结构中。
尖顶部位正好是圣母的头，耶稣的左手与天使的衣角，是塔形右轮廓的边缘，但这种塔形构图不是很呆板的对称公式，中心人物的圣母仍稍微向左侧倾，而塔形构图的下部却接近于棱形；约翰的头部略低于对面天使的头部，两角不相平衡，由于背景洞口的亮光被加强了,它们的色彩对比仍然是稳定的。
全景既显得庄重，又很自然，它具有古典美的造型特色。
《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？
被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？
而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？
学者们热烈地讨论这些问题。
然而达芬奇本人却像所有大画家一样，从来就不解释他作品中的含义，他相信观者必然感觉得出非文字所能形容的弦外之音。
显然达芬奇在此作品中综合了他过去的学习心得。
列奥纳多·达·芬奇（1452-1519）daVinci，Leonardo意大利文艺复兴时期最负盛名的美术家、雕塑家、建筑家、工程师、机械师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家和发明家。
他生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国。
其父为律师兼公证人，母为农妇，他15岁来到佛罗伦萨，学艺于韦罗基奥的作坊，1472年入画家行会，70年代中期个人风格已趋成熟。
1482--1499年间一直作于米兰，主要为米兰公爵服务，进行了广泛的艺术和科学活动，《岩间圣母》是他在这段时期创作的最有名的代表作。
他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学。
学画历程
达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥的作坊学艺。
1472年入画家行会。
15世纪70年代中期个人绘画风格逐渐成熟。
1482～1499年居留法国，除为米兰公爵服务外，还从事其他艺术和科学活动。
这期间他的绘画作品不多，但《岩间圣母》、《最后的晚餐》则是他的代表作。
1500年出游曼图亚和威尼斯等地。
1506年回到佛罗伦萨，创作《圣母子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》，还着手为市政厅绘制壁画。
1507年再去米兰，并服务于法国宫廷。
1513年移居罗马，1516年又到法国，最后定居昂布瓦斯。
晚年极少作画，潜心科学研究，去世时留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。
他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。
其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。
学术界一般将其创作活动分为早期和盛期两个阶段。
素描的特点
在达·芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。
其特点是：
观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化，他的每一件作品都以素描作基础。
其艺术理论散见于他的5000多件笔记和未完稿的《画论》中，也是文艺复兴时代理论研究的重大成果。
达·芬奇是意大利文艺复兴时期著名的画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。
他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的美术家、雕塑家、建筑家、工程师、机械师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家和发明家。
他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。
后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。
所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。
创作才华
达·芬奇是人类智慧的象征，他怀有神灵般的无限理想，试图重新创造世界的美，量度世界的广大无垠，解释世界的奥秘。
可是他只有常人的生命和力量。
他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切。
他的生命是一条没有走完的道路，路上是撒满了崇高的未完成作品的零章碎片，他在临终前心酸地说过：
“我一生从未完成一项工作。
”列奥纳多生于佛罗伦萨郊区的芬奇小镇，因此取名叫芬奇，5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像，同时还能即席作词谱曲，自己伴奏自己歌唱，引得在场的人赞叹不已。
父亲安东尼奥律师认识到儿子的绘画才能，决定送他进佛罗伦萨艺术家委罗基奥工作室学习。
在那里，他不仅接受绘画、雕刻、建筑艺术的教育，还受到其他科学的影响。
芬奇在委罗基奥工作室曾经研究过鸡蛋的明暗变化关系，发现了明暗渐进画法。
他在委罗基奥工作室度过了6个年头，成长为具有现代科学思想和勇于探索的人类智慧的典范。
芬奇在佛罗伦萨是无法施展自己的才能的，他一心想要把他的艺术和智慧带进现实世界，光彩照人。
他在31岁那年写信给米兰大公鲁多维柯·斯弗查，在信中列举了自己的各种才能，最后他还表示可为大公的父亲塑造一座骑马像，成为世界上前所未有的巨型雕像。
大师41岁时完成这一巨作的土制塑像，因没有足够的铜铸造而使巨作终未完成，1499年法军入侵时被毁，否则将成为世界一大奇迹。
艺术造诣
大公对他的天才和辛勤劳动酬谢不是金币，而是金言玉语，这使芬奇十分不安，大公为了安慰他，请他为米兰格雷契寺院食堂画幅画，这就是《最后的晚餐》。
如果说《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画，那么芬奇在51岁时自米兰重返佛罗伦萨而作的《蒙娜丽莎》则无愧为世界上最著名、最伟大的肖像画。
这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史。
达·芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。
他曾说过：
“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。
”他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗转移法（亦称明暗渐进法），即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界，《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。
瓦萨利认为这种明暗画法是绘画艺术的一个转折点。
芬奇的一生始终在探索艺术的高贵气质，只有在美的创造中他才能感到心满意足。
15世纪意大利的科学与理智、美的追求与创造，由于达·芬奇而登峰造极。
可是大师的才能到了晚年并没有受到重视和赏识，教皇的冷漠使他十分伤心。
1515年法兰西国王弗朗索瓦一世重新占领米兰时，邀请大师赴法国定居克鲁堡，应聘为宫廷画家。
大师1519年客死异国，终年67岁。
《大卫》
《大卫》雕像创作于16世纪初，像高2.5米，连基座高5.5米，用整块大理石雕刻而成，重量高达5.5吨。
它是文艺复兴雕塑巨匠米开朗基罗的代表作，被视为西方美术史上最优秀的男性人体雕像之一。
2014年5月，意大利科学家发现，“大卫”的脚踝处有细小裂纹，存在倒塌的危险
大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人歌利亚，保卫了祖国的城市和人民。
米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。
在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。
他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手抓住投石带，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。
大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。
这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。
与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。
他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。
雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使得大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。
米开朗基罗是意大利文艺复兴盛期一位多才多艺的巨人。
他不仅是伟大的雕刻家、画家，而且也是一位杰出的建筑家和诗人。
在他漫长的一生经历了意大利从繁荣到衰落的转变，他始终是一名坚定的人文主义者，他的作品带有强烈的英雄主义色彩。
如果说达芬奇创造了内心深邃、高度智慧和风格文静的典型，那么米开朗基罗就以塑造了充满力量、坚毅果断和具有信心的英雄形象而不朽。
他的笔下、刀下的英雄虽然取材于宗教、神话故事，其实是讴歌当时人们心目中的力挽狂澜拯救祖国的英雄，寄托了艺术家和人民的希望和理想，具有鲜明的时代意义。
米开朗基罗于1475年3月6日出生在离佛罗伦萨不远的努加普莱斯，父亲是当地的地方长官，自幼丧母，他是在乳母（一位大理石匠之妻）的家中长大的。
从小就和大理石做伴，米开朗基罗十三岁时违抗父命，不再学习拉丁文，改从佛罗伦萨著名画家基兰达约的作坊学艺，显出惊人的绘画天赋。
一年多后他进入当时佛罗伦萨当权者美狄奇的庭苑学习在这里他接受雕刻家贝尔托尔多·弟·乔凡尼的指导。
贝尔托尔多是多那太罗的学生，这对少年米开朗基罗产生重要的影响。
1501年春，米开朗基罗回到佛罗伦萨，秋天开始创作著名的雕塑《大卫》，至1504年完成。
《雅典学院》
拉斐尔和达·芬奇、米开朗基罗并称文艺复兴时期艺坛三杰。
他的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。
其代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。
11岁时，父亲去世，他给一位画家当助手。
后来，他学习了15世纪佛罗伦萨艺术家的作品，开始走上了独创的道路。
拉斐尔潜心研究各画派大师的艺术特点，并认真领悟，博采众长，尤其是达·芬奇的构图技法和米开朗基罗的人体表现及雄强风格，最后形成了其独具古典精神的秀美、圆润、柔和的风格，成为和达·芬奇、米开朗基罗鼎足而立的文艺复兴艺坛三
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