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摄影与电影的关系
摄影与电影的关系
课题：
摄影与电影之间的关系
关于摄影，作为一个摄影专业的学生，在学习摄影的一学年当中，对摄影有那么一点浅显的认识。
摄影，公众认为的诞生于1839年，大致分为写实主义，绘画主义，自然主义，纯粹主义，印象主义，新现实主义，达达主义，超现实主义，抽象主义，主观主义，堪的派摄影等等几种流派。
这众多的摄影流派，可以广义的被归结为艺术摄影，纪实摄影，新闻摄影等。
要了解艺术摄影，首先要弄清楚什么叫艺术，什么事具有艺术性。
艺术性是指文学艺术作品通过形象反映生活、表现思想感情所达到的准确、鲜明、生动的程度以及形式、结构、表现技巧的完美的程度。
摄影起源于绘画，认识这一点很重要，在最初的几十年里，摄影创作主要是仿效绘画的经验，整个艺术摄影的历史，实际上是那些模仿绘画的摄影家在试图证明摄影也能够创作出像绘画那样的作品来。
然而，在这一阶段，摄影并没有得到承认，人们普遍认为利用物理和化学手段制作出来的照片，并不能成为艺术。
只有通过手工制作出来的东西才能称为是艺术，所以许多摄影家在制作照片的时候，特别注重摄影画面的画意效果，把一张张照片制作的虚无缥缈，其实质是借助于摄影手段进行的一种绘画创作。
到19世纪末20世纪初，纯影派摄影的出现才让人们的观念产生了改变，纯影派摄影提出“只有通过纯粹的真，才能得到完美的美”，代表人物如此赏心悦目的图片让人们发现原来生活中的美是无处不在的。
摄影艺术是光线、影调、线条和色调等构成自己的造型语言。
摄影家正是借助这些语言来构筑摄影艺术的美。
这一流派的主要摄影家和作品有：
普莱期（?
-1896）的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景；罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日；雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯；金马伦夫人（1815-1897）的汤姆士卡莱尔和尼达（1820-1910）的弥留之际的嚣俄等等。
纪实摄影，所谓的纪实摄影，就是指真实地记录现实的摄影类型，摄影术自其诞生之日起便具有纪实的特性，其技术特点就是借助光学的特性逼真地再现现实事物的影像。
因此，纪实性可以说是摄影的天然属性。
在拍摄此类摄影过程中，需要摄影人带着职业作风、甚至不怕牺牲的精神进行创作，因此纪实摄影是需要良知和勇气的。
事实上，19世纪末、20世纪初，当社会上需要一些形象性的报道、各种画报得到蓬勃发展的时候，人们才意识到摄影纪录真实生活的能力。
作为一种传播信息的媒介，摄影从此有了自身的特征：
社会性、历史性、文化性和系统性。
因此纪实摄影不同于艺术摄影，它的价值不在于照片所给人的直观感受，而是取决于照片自身的信息价值，用事实说话，照片所讲述的内容胜于千言万语。
纪实摄影一般包括图片故事、图片系列、图片短评等类别，图片故事一般指对某人，某事件进行具体的描绘，注重情节和连续性。
注重非关键时刻的拍摄，使瞬间便为永恒。
图片系列是指相同的主题，相互关联的成组照片，静态纪实，没有时间的限制和变化。
图片短评指对某事、某群体的认识，每幅作品具有独立性，有评论，无互相承接关系。
最早的写实摄影作品当推英国摄影家菲利普·德拉莫特于1853年拍摄的那些火棉胶纪录片。
稍后，则是罗斯·芬顿的战地摄影和六十年代末的威廉·杰克逊的黄石奇观。
1870年以后，写实摄影渐趋成熟，开始把镜头转向社会，转向生活。
如当时的摄影家巴纳多博士就拍摄了流浪儿童的悲惨境遇，而震动了人们。
纪实摄影代表人物及作品：
英国勃兰德的《拾煤者》；美国R·卡帕的《通故的法国女人被剃光头游街》；法国韦丝的《女孩》等等，不胜枚举。
关于新闻摄影 ，新闻摄影概念的两个层次含义：
广义上它泛指一切用摄影手段报道新闻的活动，包括用照相机拍摄照片，用摄影机拍摄新闻纪录电影，以及用摄像机拍摄新闻电视来报道新闻这三大类。
狭义新闻摄影则专指以相机为工具，以摄影图片为手段，以印刷品为媒介的新闻摄影报道活动。
我国老一代行文摄影家蒋齐生认为利用摄影技术，用画面形成，在新闻现场对新闻进行形象的传真、纪实（或对新闻进行形象纪实）就是新闻摄影的特性，也就是新闻摄影的定义。
1999年，中国新闻摄影协会在组织在编写《新闻摄影学概论》一书时给出一个定义：
新闻摄影，是对正在发生的新闻事实进行瞬间形象摄取并辅以文字说明予以报道的传播形式。
因此，新闻摄影就是新闻形象的现场摄影纪实，以图文结合的形式，传递新闻信息的媒介，在这一过程中，主要强调的是摄影本身或者事件本身的真实性与时效性，因此它又有别于纪实摄影。
新闻摄影在各个时期各个年代都有其不同的代表人物，1842年初，德国汉堡发生火灾，有人用银版法拍摄了火灾现场,被称为新闻摄影之始。
早期的新闻摄影,器材笨重,技术操作复杂,只能纪录静态人像及场景。
要刊登于报刊，须由画家加工改为线画，制成木刻版。
从事摄影的，是照相馆的摄影师。
1880年3月4日，纽约《每日图画》用S.H.霍照相铜版术，印出了照片《棚户区风光》。
1904年1月7日英国《每日镜报》创刊，全用照片插图，刊登谋杀、犯罪、杂耍之类照片。
20世纪20年代,由于传真术、照相制版术、纸张的改进,特别是小型相机的问世,新闻摄影才有了发展的物质技术条件。
1928年德国E.萨洛蒙用小型相机、室内光和不干涉对象的方法，抓拍新闻镜头，为现代意义上的新闻摄影奠定了美学与技法的基础。
被称为“新闻摄影之父”。
这些遍是出现最早的新闻摄影。
关于对摄影的一点认识，纵观现今中国的摄影界，对摄影的表现手法及风格类别的审视越来越倾向于西方的价值取向与标准，这也就是当今最时髦的所谓“国际接轨”。
其中，由此而引发的对纪实和唯美（被称以风光摄影为代表的所谓沙龙片）两大类别的讨论，始终没有停止过。
笔者认为摄影作品的不同，价值取向将有不同的评价标准。
例如艺术摄影作品的价值取向，在不能兼顾的时候，可以忽视摄影作品的记录性，也可以忽视摄影作品直接或潜在的商业要求。
艺术摄影作品的价值取向，决定了艺术摄影以美为目标。
摄影具有纪实性的特征，纪实乃摄影的天人属性，一张照片能够瞬时框取局部形象，并且令瞬间变为永恒，这既是一种对现实真实的纪录，一种对社会真实的反应。
然而，纪实摄影同样具有艺术的特性。
认识这一点也很重要。
比如说提出决定新瞬间理论的布列松，以及法国著名摄影大师罗伯特一杜瓦诺，细细观察他们的作品我们不难发现，一幅优秀的摄影作品（纪实摄影作品）往往不但其纪录的事件耐人寻味，通过艺术角度如用光、构图、瞬间抓取等方面我们依然能感受到其与众不同的优点。
比如布列松拍摄的《巴黎穆费塔街》这张作品，作者采用瞬间抓取得手法在不干涉被摄对象的前提下给予被摄体以完美的形势，这张作品首先打动我们的是小孩子那纯真自然的表情——好像刚刚完成一件光荣而艰巨的使命，兴冲冲走在回家的路上，把儿童那种天真无邪表现得淋漓尽致!
但与此同时我们又不得不叹服摄影家对瞬间的敏感、对构图尺度的把握都是那么天衣无缝，深层次体现了摄影的艺术价值。
由此我们不难看出，不论是纪实摄影还是新闻摄影，优秀的摄影作品除去其自身的记录真实的特性以外，它还同时具有艺术的特征，摄影的纪实性与艺术性往往是相互统一存在的。
电影：
电影，也称映画。
是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种现代艺术。
是一门可以容纳文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈等多种艺术的综合艺术，但它又具有独自的艺术特征。
电影在艺术表现力上不但具有其它各种艺术的特征，又因可以运用蒙太奇这种艺术性极强的电影组接技巧，具有超越其它一切艺术的表现手段，而且影片可以大量复制放映
电影的定义：
电影根据“视觉暂留”原理，运用照相（以及录音）手段，把外界事物的影像（以及声音）摄录在胶片上，通过放映（以及还音），在银幕上造成活动影像（以及声音），以表现一定内容的技术。
（信息来于《电影艺术词典》）
电影艺术:
以电影技术为手段，以画面和声音为媒介，在银幕上运动的时间和空间里创造形象，再现和反映生活的一门艺术。
电影的简介：
种综合艺术，亦正如艺术本身，有着复杂而繁多的科系。
电影世界里有很多不同种类的电影，也有很多种电影的分类方法。
用强灯光把拍摄的形象连续放映在银幕上，看起来像实在活动的形象。
从有声电影到现在，已经发展到了科技的时代，运用大量的电脑特技制作出来的电影，受广大中年以下的朋友欢迎。
国外电影广告在美国和英国的电影广告中，有这样八种标记：
美国X——禁止未成年者观看的影片；G——所有观众可看片；R——十七岁以下禁止观看；PG——一般观众可看；英国U——内容正派片；A——一般观众可看片；X——18岁以下青少年禁看片；AA——少年儿童禁看的凶杀片。
电影一种以现代科技成果为工具与材料，运用创造视觉形象和镜头组接的表现手段，在银幕的空间和时间里，塑造运动的、音画结合的、逼真的具体形象，以反映社会生活的现代艺术。
电影能准确地“还原”现实世界,给人以逼真感、亲近感，宛如身临其境。
电影的这种特性，可以满足人们更广阔、更真实地感受生活的愿望。
在电影萌芽时期，存在着两种不同的摄影倾向：
一种以卢米埃尔兄弟为代表，主要在现实中去捕捉生活现象，银幕上展现的就是人们身边的琐事；一种以梅里爱为代表，主要记载舞台上已经加工的虚构的生活图画。
沿着这两种创作方式，发展成后来的纪录片和故事片两种片种。
这两种倾向反映到故事片摄影中来，又逐步形成两种不同的流派：
绘画派和纪实派。
世界电影的诞生
1895年12月28日在巴黎的一家咖啡馆里放映了12部每部一分钟的影片。
就在这一时刻电影诞生了。
请注意这个诞生的时间，是从电影对众放映开始的，并不是由电影拍摄完成的那一刻开始的。
为什么要这么去定义呢？
难道美术的产生也应开端于某个画展吗？
然而，很遗憾，这个问题没有横向可比性，因为在所有的艺术中只有电影是有其开端的，而其它各个门类的艺术基本都找不到一个准确的时刻作为开始。
要追寻电影的开始，先要知道什么是电影，电影的定义是什么？
早在1894年，美国爱迪生在纽约已经有一家电影镜观赏店，所谓电影境是只是一个四英尺的箱子，每次只供一人看50英尺的活动影片，没有银幕只有胶片，史书上说抱歉，这还不是真正的电影，那电影到底是什么呢？
最普遍的解释是：
随着电学、光学、化学、机械学等诸学科技术的发展，人类可以将活动的物像用摄影机拍摄在胶片上，又能通过放映机将这些记录在胶片上的活动物像投射到银幕上的这种东西叫做电影。
定义明确了，电影开始的诞生的标志就变得合情合理了。
中国电影发展趋势：
中国第1到第5代导演的代表人物：
第一代导演：
郑正秋任彭年、侯曜沈浮史东山何非光袁牧之蔡楚生洪深
第二代导演：
陈怀皑·桑弧·崔嵬
第三代导演：
谢晋谢铁骊·谢添·沙蒙水华林农李前宽肖桂云·凌子风
第四代导演：
黄蜀芹黄健中郑洞天谢飞王启民·滕文骥·吴贻弓丁荫楠
第五代导演：
陈凯歌·张艺谋田壮壮·黄建新吴子牛
新生代导演;张杨张元路学长贾樟柯王小帅李少红孙周姜文叶大鹰冯小宁冯小刚
中国电影发展史（1896-1949）中国电影的未来趋势和中国经济曾长有很大的关系,同时和公民的生活质量也有关.
为什么美国电影是NO.1?
不是因为他们早,也不是因为他们的导演,演员,编剧比我们的好,而是他们有资金,他们的生活质量高,用一句很通俗的说法就是吃饱了撑着没有事做,为什么这么说呢,他们的生活富足了不用为吃饭穿衣发愁,他们就是闲暇想些乱七八糟的,天马行空的事情,所以他们有了超人,蜘蛛人等等一系列的科幻电影.有了资金就会有高技术的设备,选材什么的质量也会提高,美国电影公司的老板和中国电影公司的老板他们考虑的事情角度都不会一样,虽然都是为了盈利.其次他们的后备人才也跟的上,受到了全球最好的教育,而在中国进电影院看电影的人是少的可怜,所以中国电影和美国电影之间存在的不仅仅是电影上的差距.中国电影要想快速的在全球电影中占的一习之地我认为首先:
加强我国电影公司之间的竞争,大家留意的话就会发现我国的电影公司是少之又少,有规模的就屈指可数了,只有在竞争强烈之下影片的质量才会有快的提升,怎样才能有竞争呢,电影公司的曾多,或者政府也可以出面做一些调整.其次中国的电影也应该逐步进军外国影院当然现在就有,可是还很不够,也可以融入一些外国的元素在里面,更容易让别人接受.再下来就是我们的后备人才应该接受更全面更好的教育,比如说定期定量的美国留学生/而我们的影星可以更多的去渗透美国电影市场,比如成龙.李连杰这样的人太少,我们需要年轻的具有国际票房号召力的人,当然我们现在可以去培养这样的人.
对于全世界最大的市场而言中国电影未来发展的趋势是可以看的到的.
好莱坞的全球化与中国电影的发展
二十世纪三、四十年代是中国电影最举步维艰的时代，不单是指战火硝烟的打击，更是指战乱时期列强对中国文化市场的侵略。
这其中，好莱坞成了俨然构成了最主要的威胁。
那个时候，夏衍、尘无等电影人曾倡导过一场抵制好莱坞软性电影侵蚀的文化运动，振兴了中国电影的新生力量。
而现在，自新世纪到来之后，再看中国电影的格局，似乎很多人都已经张开怀抱迎接这种“文化侵略”了。
把美国电影的流入说成是一种文化上的入侵，这虽然有点言过其实，但中国电影的现状和发展动向依然是令人担忧的。
毋庸置疑的，青年人是电影这一娱乐活动的主要消费群体，而好莱坞恰恰对青年群体的影响力是最大的。
撇开购买光碟和网上下载不谈，但就去影院看电影来说，今年夏天，南京德基广场影城中《夜宴》票价为六十元，而《狩猎季节》、《迈阿密风云》打折后仅为二十五元。
所以不论从哪个角度来看，大多数人都会选择后者。
不夸张的说，好莱坞大片就像磁石一样吸引着以娱乐为目的的青年影迷。
《指环王》系列、《骇客帝国》系列、《星球大战前传》系列以及《加勒比海盗》等大片的相继引进在中国刮起了一场强劲美国大片的旋风。
现在，在网络上大家谈论的，各种相关杂志媒体报道的，影迷关注较多的也都是好莱坞的影片。
就连中央8套的《世界影视博览》一周七天所谈论得也都是北美的电影、评论和影人。
甚至很多人对美国各电影公司的了解都比对中国的制片厂了解的要多。
这对于中国电影来说是一种不容乐观的现象。
好莱坞电影无论从制作效果上还是娱乐性上都无疑是能抓住影迷的心的，但是，这并不能成为中国电影走下坡路的原因，也不能成为部分激进影迷“鄙视中国电影”的理由。
不能不说，中国电影自身已经出了问题。
现在，国内的很多电影都出现了一种“中西合璧”的现象。
2003年，看《千机变》的时候，这种感觉就很明显了。
这《千机变》不论在魔幻化的故事主线还是数字化的视觉效果等方面，都像是一个“海外侨胞”、黑头发的好莱坞电影。
似乎只有这样的电影才能达到娱乐大众的效果，但是，个人认为，这样故事没有新鲜感，语言没有趣味性，效果也不够震撼的片子着实没有什么娱乐性。
在我看来，《千机变》倒不如王晶电影里敞开式的嬉笑怒骂来的实际，至少这种港式幽默让人感到放松身心。
谈到喜剧，不得不谈谈周星驰了，这个我一直很喜欢的演员现在也慢慢沾染了数字化的“恶习”。
从2000年的《少林足球》到2005年的《功夫》，周星驰的电影里都注入了一些特效元素，而这些特效对电影本身来说除了追赶潮流之外别无他用。
这两部电影仍然是有很多人看的，但这只能说明周星驰作为喜剧大师的号召力，并不能因此说明电影有多么好。
显而易见的，他之前的《大话西游》、《喜剧之王》等影片的艺术成就是这两部“特效片”所无法企及的。
同样的，《情颠大圣》带来的也是大制作包装下的鱼龙混杂、不伦不类和弱智玩笑。
作为《大话西游》的续篇，很明显的它已经缺失了故事原本的精彩，去掉炫目的3D效果，电影最起码的讲故事都没有办到。
坐在屏幕前看戏的观众笑不出也哭不出，只感到麻木无聊。
名导、名演员、名武术指导的纷纷远赴西洋和港片的整体素质下降令人十分难过，与上个世纪八、九十年代的电影比起来，港片的风格化正在逐渐减弱，弄到一个武侠片不武侠，搞笑片不搞笑得四不像境地。
好像大家都被新技术敲昏了头，不知该如何运作了。
相形之下，像《无间道》系列、《宝贝计划》这样的风格回归，叫好又叫座的电影就显得难能可贵了。
当然，受到好莱坞“荼毒”的不仅仅是香港而已，内地的外来风似乎更加严重。
像《无极》这种想特效领先、内容深奥、对外拿奖而拼了命的取悦老外，最后画虎不成反类犬的就无需赘言了，毕竟群众的眼睛都是雪亮雪亮地。
现在要谈的是取向正常的电影，就拿这个美丽的《神话》来说吧，它是一个具有史诗风格的大制作，票房收入和观众反响也都还拿得出手。
可是，就是这样一部电影，当我们正在谈论它的时候，除了那首红得发紫的主题曲和金喜善美丽的脸庞外，我们还能想起关于这部电影什么呢？
恐怕就剩下那用3D效果做成的有些假的地下皇陵了。
今年暑期上映的一部名为《魔比斯环》的动画片，打出了中国第一部3D动画的名号。
这部电影我本人并没有看过，所以对于电影的故事和视效的好坏我并不能妄作评论。
但就故事取材来说，我就有一点疑问，为什么不能在中国土生土长的众多神话故事中取材呢？
难道只有西方魔幻才适合做成3D动画，中国上下五千年流传下来的民间故事神话故事就不能吸引观众吗？
作为中国的第一部3D动画，讲的竟不是一个真正的中国故事，这种奇怪的现象不能不让人感到诧异。
不禁要提起当年那部2D动画《梁山伯与祝英台》了，如果只看着一部动画片不顾其他的话，它还算是称职的，至少它该有的都有了。
使人发笑的部分，使人落泪的部分和说教的部分一应俱全。
但是，无论如何它都摆脱不了抄袭的恶名，它仅仅是对迪斯尼的《花木兰》的照搬模仿而已。
影片人物形象的设计，歌舞场面的刻画，细节的描摹都与《花木兰》如出一辙，可以说没有《花木兰》就没有《梁山伯与祝英台》，这种不加掩饰的照抄实在是可悲又可笑。
在没有先进技术动画片只能一格一格的画的时候，我们能拥有像《大闹天宫》、《哪吒闹海》这样优秀的美术电影，而现在，拥有了较先进的技术的时候，面对美国大量的2D、3D动画片的冲击，动画制作人们除了模仿跟风外竟别无他法了。
相对于日本动画片来看，我国的动画市场显示出的是令人沮丧的疲态。
并不是说模仿就是完全不好的，只是模仿也要仿出些本事来。
个人认为韩国电影其实一直都没有自己真正的本土风格，他们的影片里有着日本的、法国的、美国的味道，但是现在的韩国电影已经明显的进步起来了。
而中国电影却还在摒弃着自己美好一面的同时，踟蹰在笨拙的模仿中。
印度的宝莱坞以歌舞片闻名于世，在好莱坞电影充斥全球的大气候下，宝莱坞依然能够沿袭自己的风格，坚决的走下去，这点真的是很令人敬佩的。
我这样说也并不是想证明数字化技术的坏处，或是说特效技术在中国派不上用场之类。
科技发展之于电影制作来说无疑是可喜的，它可以完成许多单靠摄影机做无法解决的事情，能给我们带来全新的视觉享受。
所谓“视觉产生快感”，我们的观影乐趣也正来源于此。
只是，中国电影不要在发展这些的同时失掉了具有我们民族文化特色的东西才好。
文化层面的展现才是电影本质的东西，其他的只是辅助工具而已，不能反客为主。
就像任何形式的有声电影都不能撼动卓别林的无声电影的地位一样，大众仍然还是更喜欢《独自等待》、《疯狂的石头》这种小成本却能表现出人文性同时又不乏谐趣的电影。
最后，最不愿意提及的就是奖项的问题，奥斯卡金像奖对于中国部分影人的影响实在是和可怕。
老谋子不知道什么时候起就打起了奥斯卡最佳外语片的主意，《英雄》、《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲》，一部部按“要求”打造，精包装，毕恭毕敬的捧到奥斯卡评委的手里，一直打着获得小金人儿的如意算盘。
故事脱离现实，架空在空旷的历史背景下，缺少先前冷静的文化反思精神和对社会现状的人文关怀，一味的追求好莱坞式的大片气势以及某某奖项，这些就是现在的一些第五代导演的弊端所在，是他们精神“失贞”的表现，当然也带来了失败的必然性。
依照本人的想法，奥斯卡充其量就是美国的金鸡百花，只不过它的年代更久远，只不过它的影响力更大，只不过小金人儿的造型更别致罢了。
那些导演们曾经获得的任何一项荣誉都比这奥斯卡要辉煌的多，但不知为什么却偏偏要苦苦追求它。
把电影做好和把电影做到获奖在本质上是两码事，这种目的性的混淆也是导致中国大片质量下降的直接原因。
现在的中国电影正处于一个由颓靡慢慢觉醒的状态，很多新生的力量也正在为中国电影输入新鲜血液，比如像张元这样的“屡次将电影非法带入某电影节参展”，不管最后获奖与否的（当然，他获奖了。
），他的精神也正代表了第六代导演共同的特质——清醒、执著而振奋。
有着这样的生力军，相信中国电影是可以走出低谷，再度登上一个娱乐和文化的新高度的。
奥斯卡最佳摄影奖（AcademyAwardforBestCinematography）于1928年设立至今，由美国电影艺术与科学学院通过业内人士投票，颁给每年得票最高的摄影，奥斯卡金像奖之一。
历届奥斯卡最佳摄影：
2001-2002----《指环王》
2000----鲍德熹《卧虎藏龙》
1999----康拉德-L.-霍尔（《美国丽人》）
1998----《SavingPrivateRyan》（雷霆救兵）,JanuszKaminski
1997----《Titanic》（铁达尼号）,RussellCarpenter
1996----《TheEnglishPatient》（别问我是谁）,JohnSeale
1995----《Braveheart》（惊世未了缘）,JohnToll
1994----《LegendsoftheFall》（燃情岁月）,JohnToll
1993----《Schindler'sList》（舒特拉的名单）,JanuszKaminski
1992----《ARiverRunsThroughIt》,PhilippeRousselot
1991----《JFK》,RobertRichardson
1990----《DanceswithWolves》（与狼共舞）,DeanSemler
我喜欢的影片：
《贫民窟的百万富翁》所以动人，在于它既拍出了真正的黑暗与残酷，而又在这样的残酷中未曾放弃其理想与纯真。
电影的很多段落颇似童话，但又将这童话很残酷的毁灭掉。
片中未放弃的理想的寄托，是主人公杰玛。
他未像哥哥舍利姆那样用自己的力量和野心去追求自己想要的东西，他只是从不放弃。
为了一个偶像的签名可以跳进粪坑，他不放弃伙伴，在逃出生天之后仍回到火坑寻找被困于黑帮的伙伴，他爱一个人，不论时间和环境怎样改变，仍像阿甘一样的绝无改变。
他没有任何的豪言壮举，惊世骇俗的举动，他只是一直，不抛弃，不放弃。
这个人物让庸庸碌碌的我们为之惭愧，警醒
《贫民窟里的百万富翁》（SlumdogMillionaire）是英国导演丹尼·波尔所执导的电影，于2008年上映，是根据印度作家维卡斯·史瓦卢普（VikasSwarup）的作品所改编的。
拍摄地点和故事背景设于印度，叙述一名来自贫民窟的青年，到孟买参与游戏问答节目《百万富翁》，当中过程非常顺利，在答至最后一道题目时，被节目主持怀疑其作弊。
之后在警方的拷问下，他道出一段段与题目相关的往事。
该片获得第81届奥斯卡最佳影片奖等8个奖项。
托德·麦卡锡（ToddMcCarthy），《综艺》的影评人，称赞西蒙·比弗伊的剧本“精细复杂，构造聪明而巧妙”，本片的摄影“深入人心”，剪辑“扣人心弦”，最后麦卡锡总结道，“它是一部巧妙的剧情片，也是得以一窥一个越来越聚焦于世界闪光灯下国家的机会；《贫民窟的百万富翁》充满生机，虽然是由外来人士制作，但他们很显然已与这个地方心心相印。
”而别的全国性大媒体也纷纷给出极高赞誉：
“扣人心弦，让人激动，同时既令人心碎又使人振奋”、“娱乐性极佳，活力四射，也许是我能承认的最娱乐的杰作之一”、“我对这部电影不仅仅是钦慕与赞美，而是狂热的爱”……
在第11届英国独立电影奖上，《贫民窟的百万富翁》获得了包括最佳影片、最佳导演、最有前途新人在内的三项大奖。
电影与摄影的关系：
电影！
神奇的影像艺术，但刚开始它是以纪录生活的作用而存在的。
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