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《美术基础知识与欣赏》全书考试笔记
美术基础知识与欣赏
第一章美术的概述
第一节美术的概念
美术又称造型艺术、空间艺术、视觉艺术，要利用各种物质材料创造立体的、平面的视觉形象，作为人们之间交流审美信息的手段。
一、美术是造型艺术
美术是通过形象化的手段来表达艺术家的理想和意志。
在中国美术中，线描造型占重要地位。
西方美术造型常用“造型”这个术语来描述。
推崇绘画中体现雕塑性;中国的美术正相反，线的描绘统率着造型。
在现代观念中，既有具象形式的造型美，也有抽象形式的造型美。
二、美术是空间艺术
美术创作是以一定实体性物质材料创造占据一定空间位置的形象。
三、美术是视觉艺术
美术的创作和欣赏都必须通过视觉来进行。
第二节美术的本质
一、美术的社会本质
美术所有的活动都是围绕人进行的，所以社会性是美术的首要本质。
美术是一种社会意识形态，是经济基础的上层建筑。
美术来源于社会生活，是社会生活全面的反映，同时，美术也是一种特殊的生产形态即精神生产形态。
二、美术的认识本质
美术是对世界的一种认识，它以特有的方式掌握世界。
它与文学、音乐不同，视觉形象性是它的基本特征。
美术的视觉形象是感性与理性的统一，也是主观与客观的统一。
三、美术的审美本质
美是美术作品的灵魂，审美就是美术的核心本质。
美术在本质上说，就是美术家审美意识或审美观念的一种表现形态。
第二章美术的起源及作用
第一节美术的起源
目前发现最早的人类美术遗物，最重要的是旧石器时代晚期人类的一些装饰品和欧洲的洞穴壁画。
劳动的需要，促进了美术的产生。
美术的幼芽起源于劳动，同时，也正是劳动的需要促进了美术的产生。
第二节美术的作用
一、美术的审美作用
美术欣赏指欣赏者对美的全部感知、体悟和升华。
美术的审美过程包括对美的欣赏和对美的评判两大方面。
对美的批判指欣赏者对美的主观审查和批评。
美术的审美作用正是通过欣赏者对艺术美的欣赏和批判，才得以实现艺术的社会功能和价值。
二、美术的认识作用
北宋张择端创作出525厘米长风俗画《清明上河图》。
三、美术的存在刺激作用
四、美术的教育作用
通过形象的感染和激发效能，启发观者的意识与情意活动，从而达到提高思想、品德和情操的目的。
第三章美术的基础特征及其主要门类
第一节美术的基本特征
一、美术的造型性
造型就是塑造形体。
由于造型艺术的形象是用一定的物质材料固定下来的客观实体，这使它具有一种直观性和具体性的特点。
特点是用一定的物质材料在平面上或三维空间里将客观事物本身所固有的视觉形象固定下来，以具体方式再现世界的可视的、感性的真实存在。
在当代造型艺术中，艺术形象是具象与非具象并存，模仿性与非直接模仿性共存，这些都是对作为造型艺术基础的直接描绘规律的发展。
二、美术的视觉性
艺术家通过视觉感官并借助与相应的审美手段，把审美心理加以物态化，创造出艺术作品，以传达审美经验；观赏者同样通过这种审美器官以及相应的审美形式去接受艺术作品所传达、表现的审美心理，从而产生审美愉悦。
三、美术的空间性
美术创作是以一定实体性物质材料创造占据一定空间位置的形象。
美术的空间意识产生与视觉、触觉和运动感觉之中，这些感觉感知的空间，其性质也是不同的。
四、美术的静态性
空间艺术的形象是在空间中展开，并固定于一定的物质材料之上，它只能塑造凝固不变的空间形象而不具备时间因素。
它反映客观物象发展过程中的某一瞬间艺术那样表现动态过程中的活动形象，这就使美术作品的形象具有一种瞬间性和静止性特点。
第二节美术的主要门类
纯美术主要指满足欣赏和娱乐等精神需求，以审美为目的的美术，主要包括绘画、雕塑、书法篆刻等。
实用美术主要是以实用为目的，实用与审美相结合的美术，包括建筑、工艺美术和艺术设计等。
一、绘画
绘画是美术中最主要的一种艺术形式。
绘画指使用工具和物质材料通过线条、色彩、明暗及透视、构图等手段，在平面上，创造出可以直接看到的、并具有一定形状、体积、质感和空间感觉的艺术形象。
世界上最重要的两大绘画体系是东方绘画、西方绘画。
二、雕刻
雕塑是指艺术家使用一定的物质文化实体，通过雕、刻、塑、铸、锻等手段，创造出实在的体积形象，以表达审美或反审美感受的艺术形式。
立体性指雕塑作品的具体艺术形象为三度空间的实体形象。
长久性指传统雕塑和当代多数的雕塑都是选用坚固持久的硬质材料，作为创作媒体，故而作品多具有永恒性。
象征性指雕塑作品具有某种特定的象征意义。
圆雕是指不附着任何背景上，可以四面观赏的、完全立体的一种雕塑。
浮雕是在平面上雕出凸起的形象的一种雕塑。
法国近代雕塑家罗丹的代表作《思》，在一块粗糙的石底座上雕出了一个陷于深思的少女头像，在这个非常单纯的形象里，却可以激起人们丰富的联想。
三、工艺美术
工艺美术是在生活领域中以功能为前提，通过物质生产手段对材料进行审美加工的一种美的创造，是美化生活用品和生活环境的美术。
工艺美术按照功能目的的不同可以划分为生活日用品和装饰欣赏品。
工艺美术的根本特性是它具有物质的和精神的双重属性。
四、建筑
建筑的三要素分别是适用、坚固、美观.
建筑具有技术科学与艺术的双重性，所以，从艺术的角度讲，建筑和其他艺术一样，也是社会生活的反映。
建筑作为一种实用与审美相结合的艺术，它的艺术设计总是受物质材料和形体材料的制约。
五、书法
书法艺术具有实用性与艺术性相统一的本质特征。
书法艺术具有再现与表现状物与抒情相统一的本质特征。
书法艺术是指书法家将毛笔字的间架结构和用笔，通过主题情感的创造性活动所形成的、线的抽象表现艺术形式。
书法依循历史发展可分为——实用书法、艺术书法、美术书法三种形态。
六、篆刻
篆刻是中华民族传统艺术形式之一，它是书法与雕刻相结合的艺术，因多采用篆刻，先写后刻起源于实用印章。
篆刻必须依靠刀刻来完成艺术创作，以刀代笔，刀法的重要地位好比书法中的用笔。
七、艺术设计
艺术设计是20世纪中叶兴起的一门美术学科，是在现代科学技术和经济发展的基础上形成的一门综合性应用科学。
艺术设计包括产品设计、环境艺术设计和视觉传达设计。
第三节美术与其他艺术门类的关系
一、美术与音乐
在美术的诸多门类中，建筑常被认为与音乐最为接近，故人们称之为“凝固的音乐”。
二、美术与文学
三、美术与舞蹈
四、美术与摄影
美术与其他种类艺术的关系是既相互区别、独立存在，又在不失去自身独特的质的规定性的条件下互相联系、相互渗透、相互影响。
相互排斥，使其能够发挥自身特长，解决其他艺术样式无法解决的那些任务；相互联系，使其可以吸取其他艺术的经验和特长，取长补短，扩大自身的创造力、丰富自己的艺术表现力，并有可能派生出一些新的艺术品种与样式，使美术的内容变得更加丰富多彩。
第四章美术的语言
第一节美术语言的含义
由美术构成要素——点、线、面、体、明暗、色彩、空间、材质、肌理等，依据美术家内心情感和审美需求，在特定情景中的结构关系形成的一种特殊的、具体语言性质的交流形式，是构成绘画作品的全部内容。
美术语言指美术家能精心设计的审美意向，其中包括所使用的构成要素和关系。
第二节美术语言的主要构成要素
一、点
点是形象或者空间中最小单位。
二、线
线具有表现形态。
三、面
在徐渭大写意《杂花图卷》中很好的运用了美术语言中的面构成要素。
四、体
体在美术构成要素中具有形状、体量、质感、色彩等特征，具有不同的原始性格。
五、明暗
六、色彩
色彩是美术中最具感染力的语言。
七、空间
八、材质、肌理
肌理即依附于材质表面的肌质与纹理。
第五章西方美术作品及欣赏
第一节西方古代美术
一、原始美术
洞窟艺术指涂绘在洞窟石壁上的绘画作品和当中的一些浮雕作品。
现已发现的欧洲许多洞穴壁画中最著名的是拉斯科壁画、阿尔塔米拉壁画。
小型雕塑比洞窟艺术更为古老。
《受伤的野牛》它刻画了野牛在受伤之后的卷缩、挣扎，准确有力的表达了动物的结构动态。
欧洲古代小型雕塑艺术作品中有不少以女裸体为题材的圆雕或浮雕，现统称为母神维纳斯。
《威伦道夫的维纳斯》她整个像由若干个球体组成，头部只能覆盖着整齐的小发卷，没有其他任何特征，而胸、腹、臀却异常的丰满。
西班牙拉文特岩画多表现人类活动的情节，通过有意识的构图，运用丰富的线、形、色来叙述日常生活的片段，形象多成剪影的效果或带状样式，以拉长的四肢、夸张的动作来强调动势。
“斯通亨治”巨石圈它有着雄伟的环形结构，粗大的石柱上原先的技术条件下修筑如此规模的巨石构造，其难度不言而喻，但也可以从一个侧面反映
二、古代希腊美术
古代希腊美术的成就主要体现在建筑和雕塑上。
古代希腊美术史分为荷马时期、古风时期、古典时期、希腊化时期。
古风时期的瓶画相继出现三种装饰艺术风格：
东方风格、黑绘风格、红绘风格。
米隆是古典初期的著名雕刻家，他的《掷铁饼者》造型准确，对人物的内在骨骼和肌肉运动有较深的理解和传达。
多利亚柱式朴素、粗壮，没有柱基，柱身由下向上逐渐缩小，中间略鼓，柱身有凹槽，柱头有方形柱冠。
伊奥尼亚柱式精巧，纤细，有柱基，柱身细长，匀称，凹槽密而深，柱头为涡卷形。
古希腊古典盛期最杰出的雕刻家菲狄亚斯主持修复了雅典卫城，并承担了城中大量的雕刻和装饰浮雕。
雅典卫城各建筑顺应山冈的地形不规则分布在山顶，它设计精确、外观典雅、庄重的神庙，柱式是多利亚柱式，立柱挺拔而结实，檐壁采用伊奥尼亚的柱式。
神庙的两侧有六根女神像柱，姿态优美的希腊少女顶着神庙檐部，完全没有负重的紧张感。
萨莫色雷的胜利女神以昂扬、舒展富有韵律的动态展现一种奋发的、乐观的精神，女神站在船头，面对大海，海风将女神的衣服吹得紧贴身体向后飞扬，女神张开的翅膀像是在欢呼胜利。
第二节意大利文艺复兴美术
文艺复兴是指14世纪到16世纪欧洲历史上的一场伟大的文化思想运动。
文艺复兴中人文主义思想——首先它的世俗性，与封建文化的宗教性截然对立；肯定人是生活的创造者和主人，要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性；提倡人权以反对神权，提倡个性自由以反对人身依附。
文艺复兴时期美术渐从基督神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面，从希腊，罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索发明了透视法，解决了平面上真实的表现三度空间的方法；同时，不断改革油画材料和技法，大大提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空间的提高。
一、意大利文艺复兴美术的开始
意大利文艺复兴时期的伟大画家乔托主要绘制教堂内的壁画，这些壁画描绘的都是《圣经》中的故事。
二、意大利文艺复兴早期美术
桑德罗·波提切利强调优美典雅的节奏和富丽鲜明的色彩。
三、意大利文艺复兴盛期美术
达芬奇的艺术实践和艺术理论都是人类文化史上最珍贵的遗产。
《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》
米开朗基罗的作品《大卫》《创世纪》
拉斐尔的作品《花园中的圣母》《西斯廷圣母》《雅典学院》
四、威尼斯画派和它的画家们
15世纪后期美术题材从宗教转向世俗，画面色彩丰富而富于变化，且洋溢着追求欢乐、激情和狂热的调子，从而形成——威尼斯画派。
威尼斯画派的创始人是乔万尼·贝利尼。
威尼斯画派的最杰出的代表是提香。
第三节17世纪欧洲美术
一、17世纪意大利美术
意大利学院派艺术：
主张要保持古代和文艺复兴盛期大师艺术的永恒性。
现实主义艺术
在16世纪未和17世纪初，与样式主义艺术和学院派艺术相对立的是现实主义艺术，这一时期它的最主要代表人物是卡拉瓦乔。
巴洛克艺术特点：
无论是建筑、雕刻、绘画都强调运动感、空间感、豪华感、激情感，有时还带有点神秘感。
意大利巴洛克艺术首先表现在建筑上，它强调宗教的热情，运用了大量的雕刻和绘画来装饰，并强调明暗变化，给人一种神秘的感觉。
二、17世纪佛兰德斯美术
佛兰德斯最杰出的画家，巴洛克绘画最伟大的代表是鲁本斯。
三、17世纪荷兰美术
17世纪荷兰现实主义画派的奠基人是朗斯·哈尔斯.
伦勃朗是17世纪荷兰最伟大的肖像画、历史画、风俗画大师，也是卓越的版画家。
第四节19世纪欧洲美术
一、法国新古典美术
二、浪漫主义美术
浪漫主义美术即追求自然的、野性的和多姿多彩的境界，总是试图去表现那些不熟悉的、陌生的和新奇的世界，表现异国情调和模糊幻想。
使德拉克洛瓦成为浪漫主义中心人物的作品是《但丁之舟》.
三、现实主义美术
在库尔贝的画面中，真胜过了美和理想。
19世纪30、40年代一群画家经常结伴到巴黎郊区的枫丹白露森林作画，他们面对自然，赞美自然界的壮丽宏伟，描绘农村劳动人民的生活，这些人就是影响巨大的巴比松画派。
巴比松画派的主将是卢梭，其代表作是《巴比松附近的橡树》。
现实主义雕塑大师罗丹是19世纪法国最有影响的雕塑家,是《地狱之门》的作者。
巴比松画派风景画色调柔和，笔法轻灵，景物仿佛被一层银灰色纱幕笼罩着，给人一种如梦如幻的诗意感受。
作为巴比松画派的指导者和核心，19世纪法国民族风景画派的奠基人之一的是柯罗，其代表作为《莫特枫丹的回忆》。
四、法国印象主义
1、印象主义
印象主义画派的特征：
注重在绘画中对处光的研究和表现，提倡户外写生，直接描绘阳光下的物象。
用自己的眼睛观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。
1874年一群有探索精神和创新精神的年轻艺术家举办了展览会，其中莫奈的油画《日出·印象》的标题为一位保守记者在文中借用作为嘲讽，称这次展览为“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名。
德加是印象派中重要的成员，受过严格的古典主义教育，擅长历史、肖像和风俗画，尤以画歌剧院和芭蕾舞排练场的人物出众。
2、新印象主义
新印象派在印象派的光色分离的基础上更加深化、彻底。
修拉新印象主义“点彩派”绘画的代表人物.
3、后印象派主义
后印象派绘画的代表人物是保尔·塞尚、保罗·高更、文桑·凡高
西方现代资产阶级美术家称塞尚为“现代绘画之父”。
保尔·塞尚作为后印象派的主要代表人物，一生都是为追求心目中所谓永恒性的形和坚实结构.
文桑·凡高是精神失常但有着火一般热情的画家，他的作品有《向日葵》、《星月夜》。
凡高的艺术作品中使用的强烈的色调，充分发挥了色彩的情感因素，他的这种艺术风格，给后来西方的野兽派，表现派绘画以很大的影响。
点彩派是指在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的，要真实第表现这种分割的色彩，必须把不同的、纯色的点和块并列在一起，绝对禁止在调色板上将各种色彩加以混合，色彩只能以原色的小点来处理。
凡高的艺术作品中使用的强烈的色调，充分发挥了色彩的情感因素，他的这种艺术风格，给后来西方的野兽派、表现派绘画以很大的影响。
第五节20世纪欧洲美术
一、野兽派
野兽派最重要的代表画家是亨利·马蒂斯。
野兽派的特点是形象的夸张、变形、轮廓线条的单纯化，色彩的强烈对比。
二、立体派
立体派指画家主张要打破传统的时空概念，在艺术中表现不受时间、空间限制的物象，要求在平面上，把物体的各个面都表现出来。
毕加索一生追求改革和创新，创作风格分为“蓝色时期”、“玫瑰色时期”、“黑人时期”、“立体主义时期”、“新古典主义时期”。
1908年毕加索与勃拉克创造了“立体主义”画风。
立体派发展过程中的两种倾向：
一种是作品中分析和肢解自然形态，被称为“分析式立体派”；
一种是作品更向主观、抽象和复杂方面发展，被称为“综合式立体派”。
三、未来派
四、表现派
表现派是在20世纪初首先产生于德国的一种文艺运动，代表人物是挪威画家孟克。
表现派中的两种倾向，一种以孟克、珂珂式加、佩施太因为代表，他们追求夸张、变形，但尚未流于抽象；另一种一康定斯基和马尔克为代表，他们在作品中力图摆脱具象的表现，接近抽象派。
五、达达派
达达派站在虚无主义和无政府主义的立场上，否定一切，否定理性和传统文化，提倡无目的、无理想的生活，主张无目的、无思想的文艺。
达达派的画家马塞尔·杜桑,他曾把达·芬奇的《蒙娜丽莎》复制品加上了两撇胡子。
六、超现实派
1924年，原达达派成员的布勒敦在达达派消沉后，把达达派分散的画家组织到超现实派运动中来，并签署了超现实主义宣言.
七、抽象派
抽象派主张用艺术完全脱离现实，脱离社会生活，反对用具象来表现事物，表现“纯精神世界”的艺术。
八、波普艺术
“波普艺术”是在20世纪50年代中期以美国纽约为中心兴起。
波普艺术是将具体的、日常使用的物品陈列出来当成艺术品。
九、视觉派
十、活动派
十一、超级现实派
第六章中国画作品欣赏
第七章造型基础知识及训练
第一节素描知识
一、什么是素描
素描是一切用单色画的画，也称“单色画”。
1、勾线素描
以线条的粗细、浓淡、虚实、强弱、疏密的变化来表现物体的形状、结构、体积、质感和空间等变化。
具有很强的艺术表现力，具有高度的概括性与装饰性。
2、明暗素描
运用明暗调子的深浅、虚实、强弱等多种变化和对比，来表现和塑造物体的立体感、空间感、质感和光感等真实效果。
二、形体结构
组成各种形体的这些基本因素，概括叫做基本形体。
基本形体与组合形体相比特点是：
形体简单，明确；结构典型、规范，具有共性，便于理解掌握。
练习中一是力求从某一形体中，找出基本形体或基本形体的变形。
二是尽可能用基本形体或变形去概括、表现物体。
三、明暗调子
1、明暗形成的三要素
光线
物体自身的结构变化
物体自身的颜色不同
2、三面、五调、七个层次
亮面、灰面、暗面、明暗交界线、高光、反光、投影
四、素描的观察方法
整体的观察又叫比较的观察。
素描的观察方法首先需要依靠眼睛正确观察和头脑的分析、判断、比较、概括，最后通过手用多种方法和技巧表现出来。
五、素描写生的步骤和方法
1、定位起稿
2、画准形体结构
3、找出明暗交界线
4、涂明暗
5、调整明暗关系
调整画面的暗面，以及它们之间的对比关系和整体效果。
调整画面各物体之间的主次、强弱、虚实等对比关系。
6、在调整中深入
7、收拾、整理、完成
第二节透视知识
一、什么是透视
二、透视形象最基本的特征
一样大的物体，离我们越远，感觉越小；一样宽的物体，离我们越远，感觉越窄，最后越来越小，消失于一点。
三、透视中的几个概念
视点：
画者眼睛的位置
视域：
保持不动时，眼睛所能看到的范围
视平线：
远处与画者眼睛高度相齐的一条水平线
心点：
视平线上与视点正对着的那一点
余点：
成角透视的消失点。
四、几种常见、常用的透视
1、平行透视
一个面与画面平行时，它的消失面向心点消失。
2、成角透视
被画物与画面形成一定的角度，并向心点两侧的余点消失。
第三节构图知识
一、什么是构图
二、构图的法则
构图的均衡与变化
（1）构图中均衡的内容包括：
对称式均衡——等量平衡；
非对称式均衡——代替平衡；
形象情感的联系；
线条布局的交错关联；
形体大小聚散的比重；
明暗色彩的呼应等。
（2）构图中对比的内容包括：
线条的疏密、虚实、开合；
色彩的冷暖，强弱变化和色块的大小；
明暗的对比、浓淡、黑白、节奏；
形体的东西、主次、远近、方圆；
形象的善恶、动静、刚柔；
技法的枯润、工意、巧拙等。
均衡的构图，就是指画面各部分的物体在比重安排上要基本相称，从而产生平衡、稳定的感觉。
三、构图因素的运用
三角型具有稳定坚实的特征。
德拉克洛瓦的作品《自由引导人民》构图具有三角形稳定坚实的特征。
画面中的方形或者平行和垂直线，有助表现肃穆、平静、沉闷的气氛，如法国画家米勒作品《拾穗者》。
画面中的圆形，有助于画面形象的紧凑和聚合力，使画面呈现一种充实与饱满之感，如画家巴巴的《田野的休息》。
四、构图中易于产生的弊病
1、有两个以上的主体同在一幅画中出现，产生“多中心”的现象，造成主题不明确；
2、太注重小处和局部，而忽略整体效果和画面答的气势，主体不突出，主次不分，要表达审美，交代不清楚；
3、物体所安排的位置不当。
4、画面中央尽量避免出现直线的形体。
第八章色彩基础知识及训练
第一节色彩的产生
一、认识色彩
色彩是光刺激眼睛所产生的视感觉。
二、色彩的产生
光源（直光）——物（反射光）——眼（视神经）——脑（视觉中枢）——产生色感反应（知觉）
1、可见光
红色——绿色
橙色——蓝色
黄色——紫色
2、光谱
1666年英国科学家牛顿在剑桥大学的实验室里，把太阳光以一小缝引进暗室，并通过三棱镜，在屏幕上显现出一条美丽的彩带，从而发现了彩虹的成因。
3、色彩的产生
第二节色彩学的常用术语及其含义
一、光源色
某种光产生某种颜色。
二、固有色
中等光线下物体呈现出的色彩称为固有色。
三、环境色
由环境色彩影响到某个物体固有色的变化。
四、空间色
因为空间距离的远近而引起物体色彩的透视变化。
空间色的基本规律是：
近暖远冷，近纯远灰；近的鲜明，远的模糊，近的对比强，远的对比弱
五、有彩色与无彩色
六、色的三属性（三要素）
1、明度：
指色的明暗程度。
2、色相：
指色彩不同的相貌。
3、纯度：
指波长的单纯程度。
第三节色彩的观察方法
一、写生色彩观察的四个条件
光源、环境、对象、作者
二、写生色彩重在整体观察
1、学习观察色彩关系进而表达和处理色彩关系。
2、色彩关系是指色彩总色调以及画面里的明暗关系，冷暖关系，饱和度关系，还有色彩之间的各种对比，协调，相互制约的关系。
3、物象色彩的理性理解对提高色彩的感觉至关重要。
4、比较是写生色彩最有效的观察方法之一
比色调、比明度、比冷暖、比色相
色彩观察方法的根本原则是”整体－局部－整体”的观察过程。
第四节色彩的调配
一、色彩的变化
1、色彩的对比变化
色相对比：
指用不同色相的色彩组织画面进行调配，在色相对比中，一种色相的和它的对比最为强烈。
明度对比：
包括各种色彩在素描更新上的明暗对比和同一色彩不同明暗层次的对比。
纯度对比：
降低纯度——一种纯度色彩可用白色掺淡；一种色彩可用黑色掺和；一种饱和色彩可用灰色混合而掺淡；纯度色彩可调以相应的补色二减弱。
冷暖对比：
指色彩感觉中的冷色与暖色的相对立，以及这些色彩的每一种冷暖色调之间的对立相比。
补色对比：
指利用补色关系的一对色彩造成相互能使对立到最大限度鲜明性的一种对比方式。
面积对比：
指两色想对比，因各自占有的面积、比例不同、可造成色彩声发生变化的对比方法。
二、色彩的统一
1、色调：
指多种色彩不同的物体所构成的色彩在明度、纯度、冷暖、色相等方面的总倾向。
对比调即对比色组合的色调。
对比调常由纯度较高的色彩组合或纯度高的颜色与复色的组合。
色彩调子的处理方法一般可以分为三类对比调、单色调、调和调。
单色调就是一种颜色加了黑或白，以不同明暗层次的色块组合成的调子。
2、调和：
各种色彩相互构成的各种关系。
3、色彩的均衡：
画面色彩的不同形状，不同面积不同明度等色块在各种对比，变化的情况下取得的一种稳定感。
第九章设计基础知识
第一节设计的基本常识
一、设计
设计是连接精神文化与物质文明的桥梁，人类寄希望与通过设计来改善人类自身的生存环境。
二、构成
构成以提高美感为目的，传授造型方法和制作技术，属于美学形式的探讨范围。
三、结构与组合
结构是一种内在的关系。
第二节字体设计
一、字体的含义
文字是人类记录语言的符合。
二、字体的分类及其特征
三、字体设计的原则
四、字体设计的规律
五、字体设计的步骤
六、字体的大小处理
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