电影基础知识解析Word格式.docx
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对电影特性认识的比喻性说法．电影由于采用了＂光－－光＂反应的原理制作，从拍摄一直到放映，光亮度基本上没有损耗．可以说胶片上接受了多少，就能在银幕上释放多少，这就使画面的逼真性，清晰度达到很高的程度；
能准确的还原世界．相比较另一种媒介形式－－电视的＂光－－电＂反应工作原理拍摄光信息受到损耗，画面不够清晰，逼真，需观众参与补充，电影被称为＂热媒介＂，而电视则被称为＂凉媒介＂．其理论提出者是美国大众传播学家迈克卢汉
蒙太奇
来自法语，montage的音译，原义为建筑学上的构成、装配，借用到电影艺术中有组接、构成之意。
在电影创作中，根据主题的需要，情节的发展，观众注意力和关心的程度，将全片所要表现的内容分解为不同的段落、场面、镜头，分别进行处理和拍摄。
然后再根据原定的创作构思，运用艺术技巧，将这些镜头、场面、段落，合乎逻辑地、富于节奏地重新组合，使之通过形象间相辅相承和相反相成的关系，相互作用，产生连贯、对比、呼应、联想、悬念等效果，构成一个联绵不断的有机的艺术整体——一部完整地反映生活、表达思想、条理贯通、生动感人的影片。
这种构成一部完整影片的独特的表现方法称为蒙太奇。
全景
摄取人物全身或场景全貌的电影画面。
全景具有较为广阔的空间，可以充分展示人物的整个动作和人物的相互关系。
在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。
全景和特写相比，视距离差别悬殊。
如果两者直接组接，会造成视觉上和情绪上大幅度的跳跃，常能收到特有的艺术效果。
中景
摄取人物膝盖以上部分的电影画面。
视距比近景稍远，能为演员提供较大的活动空间，不仅能使观众看清人物表情，而且有利于显示人物的形体动作。
由于取景范围较宽，可以在同一画面中拍摄几个人物及其活动，因此有利于交代人与人之间的关系。
中景在影片中占较大比例，大部分用于需识别背景或交代出动作路线的场合。
中景的运用，不但可以加深画面的纵深感，表现出一定的环境、气氛，而且通过镜头的组接，还能把某一冲突的经过叙述得有条不紊，因此常用以叙述剧情。
。
近景
摄取人物胸部以上的电影画面。
视距比特写稍远。
近景中，人物上半身活动占据画面显著地位，成为主要表现对象，能使观众看清人物的面部表情，或某种形体动作。
近景和特写的作用有相似之处，即视觉效果比较鲜明，有利于对人物的容貌、神态、衣着、仪表做细致的刻画。
在表现人物的感情交流，揭示特定的人物关系方面，近景有其独到的艺术功能。
近景有时也用于摄取景物的某一局部。
有些摄取人物腰部以上的镜头，一般称为“中近景”。
白昼电影
能在光线明亮条件下放映的电影。
这种电影白天也可在露天放映。
放映时须在银幕前装设暗框，以使画面具有足够的亮度与反差。
白昼电影改变了电影必须在暗室放映的限制，扩大了电影的放映范围。
电影表演
电影表演是由演员扮演角色，在摄影机前表演情节的艺术。
电影表演与戏剧表演同属表演艺术范畴，具有共同的基本规律。
电影表演继承了戏剧表演中许多适合于电影表演的原则和方法，然而，又和戏剧表演不同。
戏剧演员在舞台上表演并直接与观众交流，演员的表演是观众接受的最后形象。
而电影演员的表演是通过银幕间接地与观众交流，演员在摄影机前的表演并不是观众感受到的最后形象。
银幕上的最后形象须经摄影艺术处理和导演运用蒙太奇手段的艺术再创造才能完成。
特别是电影艺术的纪实性、综合性、时空观、蒙太奇以及电影特有的生产过程，更为电影表演带来了种种特点，既要求电影表演真切、自然、生活化，同时还要求演员具有镜头感以及对于非连续创作的适应等。
电影演员
影片中角色的扮演者，银幕人物形象的直接体现者和创造者。
电影演员和戏剧、曲艺等其他表演艺术的演员一样，都是以自身的形体、声音作为艺术创作、塑造人物形象的手段。
电影演员依据文学剧本和分镜头剧本提供的人物形象，在导演的指导下，完成影片所要求的银幕形象的塑造。
电影不同于舞台演出，电影演员不是在舞台上和直接在观众面前连续进行表演，而是在摄影棚或实景中，间接地在代表观众眼睛的摄影机镜头前，根据电影镜头的非连续性和不按时序拍摄等特殊要求进行表演，并且一经拍摄，就永远定型在胶片上。
电影演员的角色创造，总是在导演设计的一个个镜头中实现。
导演调动电影艺术的一切表现手段让演员在真实的环境中活动，这就要求电影演员的角色创造始终与人物活动的真实环境融为一体，其外部表现力，不应超过人们在实际生活中表现力的限度，对白的语气、声调也不宜夸张做作，而应与实际生活中的音响相协调。
总之，电影演员的表演必须适应银幕的逼真性特点，力求真实、自然和生活化。
本色演员
演员的一种类型。
多扮演与演员本人的外形、气质、性格近似的角色；
本色演员塑造的银幕形象比较接近于生活，表演较为真实自然，符合电影特性的要求并为观众所接受。
其局限是往往只能表现单一的银幕形象，而不能通过表演去创造不同的性格。
彩色影片
在银幕上能够还原被摄体自然色彩的影片。
一般用彩色多层胶片制作。
先用彩色底片拍摄成原底片，再用彩色多层正片通过底－正片工艺印制成彩色拷贝；
也可用染印法工艺以黑白接受片为原材料，印制成彩色拷贝。
插曲
为影片中某一场面、某一情节中的人物而作，并不直接概括影片主题思想或基本内容的歌曲。
也有的只为表现时代气氛、地方特征等。
插曲一般在影片中不反复出现。
电影摄影
电影制作的主要工种之一。
以条状感光胶片为载体，摄取景物的活动影像的过程。
摄影机借助透镜组（物镜）的光学成像，并根据视觉的生理与心理特性，以24幅/秒（有声电影的标准画幅频率。
早期无声电影为16幅/秒）摄取被摄对象的一系列姿态渐次变化而活动连贯的静止画面。
这样拍摄到的一段段画面，即称为组接未来影片的一个个镜头。
电影摄影所获得的影像，显示被摄体的形体、颜色、质感及其在时间和空间中的运动等，都与正常人肉眼观察所见相似，既具体可视，且具艺术描绘作用，给人以真实感。
在电影创作中，摄影担负着运用各种技术手段，从事电影画面造型的创作任务。
主要是根据影片内容及导演创作意图，精心设计与组织实施每个场景及每个镜头的光线、颜色、画面构图处理，以及摄影机在拍摄过程中的运动等，赋予影片画面造型以艺术魅力。
电影摄影作为一种艺术手段，在故事片中用以表现故事情节、刻画人物、烘托环境、渲染气氛；
作为一种记录手段，分别用作采访报导（新闻纪录片）和科学研究、电化教育（科学教育片、形象教学片、实验纪录片等）。
电影摄影按片种的不同，分为故事片摄影、新闻纪录片摄影、科教片摄影、美术片摄影等；
按影片制式的不同，分为标准银幕电影摄影、变形宽银幕电影摄影、遮幅式宽银幕电影摄影、立体电影摄影（其中包括双片制立体电影摄影与单片制立体电影摄影）、宽胶片（65/70毫米）电影摄影、环幕电影摄影等；
按拍摄对象及技术方法的不同，则除一般摄影方法外，还有变速摄影（区别于２４幅／秒的正常速率的快速、高速、低速摄影）、逐格摄影、延时摄影（区别于正常的即时连续摄影）、特技摄影（即具有各种特技效果的合成摄影）、特殊摄影（包括显微摄影、放大摄影、水下摄影、空中摄影、红外线摄影、紫外线摄影）等。
长焦距镜头
长焦距镜头指焦距长于标准尺寸的摄影物镜。
在电影摄影中，选取水平视角为23－24，相应焦距约为画幅对角线长度两倍的摄影物镜作为标准镜头。
35毫米电影摄影的标准镜头，其焦距相当于50毫米，凡长于50毫米者即为长焦距镜头；
16毫米电影摄影的标准镜头，其焦距相当于25毫米，凡长于25毫米者即为长焦距镜头。
故事片摄影，使用75毫米或１００毫米的长焦距物镜拍摄特写或大特写镜头，因摄影机远离被摄对象，可避免演员产生紧张心理，且便于照明布光。
焦距特别长的摄影物镜（如400、800、1000毫米甚至更长）称为“望远镜头”，能摄取很远景物的某个细部成为特写镜头，造成远处景物被移近的银幕效果。
但其所摄画面，缺乏空间感、纵深感和透视关系。
在科教影片中，运用望远镜头，可在隐蔽的远处摄取野生动物，避免动物受到惊扰，从而使画面显得自然真实。
长镜头
长镜头是“短镜头”的对称。
指在一段持续时间内连续摄取的、占用胶片较长的镜头。
能包容较多所需内容或成为一个蒙太奇句子（而不同于由若干短镜头切换组接而成的蒙太奇句子）。
其长度并无明确的、统一的规定。
一般分为固定长镜头、变焦长镜头、景深长镜头、运动长镜头四种。
其中运动长镜头包括摄影机的推拉摇移升降等运动。
由于长镜头能把镜头中的各种内部运动方式统一起来，因此显得自然流畅，又富有变化，为画面造成多种角度和景别，既能表现环境、突出人物，同时也能给演员的表演带来充分的自由，有助于人物情绪的连贯，使重要的戏剧动作能完整而富有层次地表现出来。
长镜头的拍摄，由于不会破坏事件发生、发展中的空间与时间的连贯性，所以具有较强的时空真实感。
场记
场记是影片拍摄阶段的一项工作内容，也指担任这一工作的专职人员。
主要任务是将现场拍摄的每个镜头的详细情况：
镜头号码、拍摄方法、镜头长度、演员的动作和对白、音响效果、布景、道具、服装、化装等各方面的细节和数据详细、精确地记入场记单。
由于一部影片是分割成若干场景和数百个镜头进行拍摄的，拍摄时不能按镜头顺序进行，因此，场记所作的记录有助于影片各镜头之间的衔接，为导演的继续拍摄以及补拍、剪辑、配音、洗印提供准确的数据和资料。
影片完成后，这些记录还可供制作完成台本之用。
出画入画
出画入画是电影艺术处理镜头结构的一种手法。
镜头画面中的中心人物或运动物体离开画面，称为出画；
人物或运动物体进入画面，称为入画。
当一个动作贯串在两个以上的镜头中时，为了使动作流程继续下去而不使观众感到混乱，相连镜头间的人物或运动物体的出画和入画方向应当基本上一致，否则必须插入中性镜头作为过渡。
传记片
传记片是以历史上杰出人物的生平业绩为题材的影片。
主要情节受历史人物本身事迹的制约，不能凭空虚构，但允许在真实材料的基础上作合情合理的添加和润色。
优秀的传记片具有史学和文学价值，如中国影片《林则徐》、《聂耳》、《董存瑞》和《孙中山》等。
大特写
大特写又称“细部特写”。
把拍摄对象的某个细部拍得占满整个画面的镜头。
取景范围比特写更小，因此所表现的对象也被放得更大。
这种明显的强调作用和突出作用，使大特写和特写一样，成为电影艺术独特的表现手段，具有极其鲜明、强烈的视觉效果。
在一部影片中这类镜头如果太长、太多，也会减弱其独特的感染作用。
淡入淡出
淡入淡出也称“渐显渐隐”。
电影中表现时间、空间转换的技巧之一。
后一个画面逐渐显现，最后完全清晰，这个镜头的开端称“淡入”，表示一个段落的开始；
前一个画面渐渐隐去直至完全消失，称“淡出”，表示一个段落的结束。
淡入、淡出节奏舒缓，具有抒情意味，并能给观众以视觉上的间歇，产生一种完整的段落感。
随着电影节奏的加快，今已较少采用。
导演
导演是电影艺术创作的组织者和领导者，把电影文学剧本搬上银幕的总负责人。
作为电影创作中各种艺术元素的综合者，导演组织和团结摄制组内所有的创作人员和技术人员，发挥他们的才能，使摄制组人员的创造性劳动溶为一体。
导演的再创作以电影文学剧本为基础，运用蒙太奇思维进行艺术构思，编写分镜头剧本和“导演阐述”，包括对未来影片主题意念的把握，人物的描写，场面的调度，以及时空结构、声画造型和艺术样式的确定等。
然后物色和确定演员，并根据总体构思，对摄影、演员、美术设计、录音、作曲等创作部门提出要求，组织主要创作人员研究有关资料，分析剧本，集中和统一创作意图，确定影片总的创作计划。
导演还要按照制片部门安排的摄制计划，领导现场拍摄和各项后期工作，直到影片全部摄制完成为止。
一部影片的质量，在很大程度上决定于导演的素质与修养；
一部影片的风格，也往往体现了导演的艺术风格。
导演中心
导演中心指导演在一部影片的摄制过程中所处的核心地位。
导演中心为电影创作与生产的特点和规律所决定。
电影是综合艺术，只有经过导演的集中和再创作，使各门艺术成为创造银幕形象的基本元素，才能充分调动各创作部门的创造性，运用各种艺术要素，拍摄出一部完整的影片。
电影歌曲
电影歌曲指作曲家专为电影创作的歌曲。
根据歌曲对影片内容概括范围的大小、和在影片艺术结构中所起的整体作用或局部作用，电影歌曲分为主题歌和插曲。
由于电影的题材、体裁、风格、样式不同，电影歌曲有群众歌曲、民歌、艺术歌曲、通俗歌曲等各种风格。
电影节
电影节是电影展映、观摩、交流活动的一种形式。
多由国家、地方、社团或个人定期举办，并常同时组织评奖、学术讨论和营业交流等。
具有一定的政治宣传和商业宣传作用。
国际性电影节一般邀请各国电影界著名人士参加，有竞赛性和非竞赛性两种。
自1932年意大利举办威尼斯国际电影节起，至今世界上已举办各种名目的国际电影节三百余个，大致有三种类型：
（１）综合性国际电影节，规模较大，世界各地各种类型的影片一般都能参加展映或竞赛，如戛纳国际电影节、卡罗维发利国际电影节；
（２）地区性国际电影节，只限于某个地区或某些国家摄制的影片参加展映竞赛，如亚洲国际电影节；
（３）专业性国际电影节，规模较小，一般只展映某一专业题材或某一片种的影片，如上海国际动画电影节。
电影明星
电影明星是由于在表演艺术方面取得一定成就而在观众中具有某种影响的电影演员。
电影明星一词始于无声片时期，好莱坞的创始者之一阿道尔夫·
楚克尔创建的“名演员公司”，选用优秀电影演员拍摄影片大获成功后，电影明星之称便开始盛行，并在世界影坛沿用至今。
美国等西方国家制片人创用“电影明星”，是为了在观众中制造崇拜的偶像，从而谋取更高的票房价值。
电影文学剧
电影文学剧是一种运用电影思维创造银幕形象的文学样式。
是电影剧作者根据自己对生活的感受、认识和理解进行艺术构思，并按照电影表现手法（包括场景、环境、人物形象、行为、动作、说白、音响及其他细节）通过文字描述以表达自己对未来影片设想的作品。
电影文学剧本主要为拍摄影片而写作，因此它必然受到电影特性的制约，必须符合电影艺术的基本规律和要求；
它所创造的形象虽然以文字为媒介，但必须能够通过影片的摄制，以电影的各种艺术技术手段在银幕上体现出来。
它的独特的美学特征首先是由电影艺术本性所决定的，这就是：
①富于造型表现力和鲜明的动作性；
②形象的画面感和声音元素的有机结合；
③时空自由转换中体现的蒙太奇效果。
同时，电影文学剧本必须具备文学价值，在人物形象的塑造、思想内容的表达以及语言文字的运用方面，可以作为独立的文学作品为读者阅读和欣赏。
电影文学剧本是影片摄制的基础，其审美价值是未来影片总的艺术价值的重要前提，是影片导演和摄制组进行再创作的依据。
电影文学剧本的类别就来源而言，可分为根据生活素材直接创作的和根据其他文艺形式（小说、戏剧等）改编的；
就结构形式而言，可分为戏剧式、小说式、散文式、哲理式、心理式等。
电影音乐
电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。
电影音乐是电影的重要有机组成部分，是音乐艺术的一种新的体裁。
作为听觉艺术和时间艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象的体现，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。
音乐在电影中的美学功能大体上包括：
（１）抒情性。
音乐是最长于表现情感的艺术，在电影中能够充分发挥抒发感情的功能，从而深入揭示剧中人物的内心世界。
（２）戏剧性。
交响音乐的创作经验，有助于表现影片的戏剧性矛盾冲突，烘托戏剧高潮。
（３）气氛性。
在无声电影时期，音乐从头至尾不断，但是只起伴奏的作用。
进入有声电影时期，影片中的听觉形象除音乐之外，增加了语言和音响效果，使音乐在电影综合艺术中得到了解放，开始能够更符合音乐艺术规律地、合理地使用音乐。
电影音乐的曲式，也改变为分段陈述。
音乐在电影中美学功能的发挥，必须与画面视觉形象相结合。
由于影片的题材内容、体裁形式丰富多样，在音画结合上也各有特色，大体上可以归纳为两大类：
（１）音画统一，包括音画同步和音画平行。
音乐形象和画面形象互为补充，相得益彰。
（２）音画矛盾，包括音画对比。
音乐形象和画面形象各自独立发挥作用，推动戏剧性矛盾冲突的展开。
电影语言
电影艺术在传达和交流信息中所使用的各种特殊媒介、方式和手段的统称。
即电影用以认识和反映客观世界、传递思想感情的特殊艺术语言。
电影语言以现代科学技术提供的一定的物质条件为基础，它的演进与电影技术的进步有密切联系。
与一般语言不同，电影语言是一种直接诉诸观众的视听感官，以直观的、具体的、鲜明的形象传达含义的艺术语言，具有强烈的艺术感染力。
银幕画面是电影语言的基本元素，参与画面形象创造的表演、场景、照明、色彩、化装、服装等都在构成特殊的电影语汇方面起了重要作用。
由摄影机的运动和不同镜头的组接（剪辑）所产生的蒙太奇不仅形成了银幕形象的构成法则，也完善了电影语言的独特语法修辞规律。
说白、音响、音乐以其自身并以新的蒙太奇方法——“音响蒙太奇”和“声画蒙太奇”——丰富了电影语言。
电影语言的章法，是影片内容的组织和构造的特殊法则，一般由若干场面和段落按照蒙太奇规则相互交织构成，按其时间空间关系安排可分为客观现实结构和主观心理结构两种类型，其结构形式可分为时空顺序、时空交错、单线结构、复线或多线对比结构、多侧面多视角立体网络式结构等。
电影院线
电影院线简称“院线”。
电影放映行业一种具有垄断性的经营体制。
经营者为发展和保护其经营利益，在某些城市或地区，掌握相当数量的电影院，建立放映网络，借以垄断某国或某一电影制片公司新版影片的公映。
中国最早出现的电影院线，是本世纪初至20年代中期，由西班牙电影商人雷玛斯在上海建立的，由虹口、夏令配克、维多利亚等七家电影院组成的电影院线；
其后中国影戏院公司在平、津、沪等地也建成相当规模的电影院线；
20年代初中国电影资本家罗明佑在华北、东北建立电影院线；
30年代，天一影片公司企业家邵氏兄弟在新加坡、马来西亚等地组建南洋电影院线。
现在港台等地仍有些电影发行放映商采用电影院线体制。
电影作曲
电影音乐的创作者。
作曲家为电影创作乐曲，首先研究电影文学剧本和导演的分镜头剧本，从而了解影片的主题思想、人物性格、戏剧冲突和高潮，以及时代特征、地方特征等。
经与导演共同研究，确定影片的音乐段落、具体内容和关于音画结合的艺术处理，然后根据样片的画面形象和导演的艺术风格、美学趣味以及演员的表演，处理音乐与画面，音乐与语言、音响的关系。
由于电影音乐必须通过录音录制在胶片上，所以作曲家熟悉录音技术、与录音师密切合作，对提高电影音乐的质量十分重要。
定格
定格是电影镜头运用的技巧手法之一。
其表现为银幕上映出的活动影像骤然停止而成为静止画面（呆照）。
定格是动作的刹那间“凝结”，显示宛若雕塑的静态美，用以突出或渲染某一场面、某种神态、某个细节等。
具体制作方法是，选取所摄镜头中的某一格画面，通过印片机重复印片，使这一停止画面延伸到所需长度。
根据镜头剪辑的需要，定格处理可由动（活动画面）到静（定格画面），也可由静（定格画面）到动（活动画面）；
也有的在影片结尾时，用定格表明故事结束，或借此点题，以便给观众留有回味。
动画片
动画片是用图画表现电影艺术形象的一种美术影片。
曾沿称“卡通片”。
摄制时采用逐格摄影的方法，将人工绘制的许多张有连贯性动作的画面，依次拍摄下来。
连续放映时，在银幕上产生活动的影像。
这种影片可以展示形体的任意变化，动物、景物、器物的拟人活动，充分发挥真人实物所难以表达的想像、夸张的幻想。
动作衔接
动作衔接是使影片主体动作具有连贯性的剪接方法。
包括人物形体动作、镜头动作和景物动作三个方面。
人物形体动作以动作变换瞬间的转折处为剪接点，运用分解法或增减法，使上一个镜头与下一个镜头的转换连接具有连续性而无跳跃感；
镜头动作指推、拉、摇、移、跟、升、降等运动性镜头的剪接，一般以动接动，以静接静的方法，使上下镜头动作有机结合，连贯流畅；
景物动作指自然界景物在镜头中的动作，诸如行驶中的轮船、火车，日出月落，风云变幻等等，一般都根据影片内容、情节和人物情绪选择最佳的剪接点，以取得情景交融的艺术效果。
多机拍摄
多机拍摄是使用两台或两台以上摄影机，对同一场面同时作多角度、多方位的拍摄。
例如某些场景规模宏大，出场群众演员众多，而且场面调度复杂，为使拍摄一次成功，并提高拍摄效率，一般都采取多机拍摄的方法。
安排多机拍摄，以其中一、二台摄影机为主，拍摄大远景或表现主角的场面，其余摄影机则作为辅助，拍摄该场面中某些相应部分。
多机拍摄有一次完成的优点，但也给现场拍摄工作，诸如布光、同期录音，以及各个摄影小组的隐蔽等带来一定的难度。
同时，胶片的消耗量也较大。
多银幕电影
多银幕电影是以特制放映机在多块银幕上同时映出不同画面的电影。
观众在观看主要画面的同时，还能在其他银幕上看到有关细节。
多银幕电影可以丰富影片内容，加深观众对影片的感受和理解。
分镜头剧本
分镜头剧本又称“导演剧本”。
将影片的文学内容分切成一系列可以摄制的镜头，以供现场拍摄使用的工作剧本。
由导演根据文学剧本提供的思想与形象，经过总体构思，将未来影片中准备塑造的声画结合的银幕形象，通过分镜头的方式予以体现。
导演以人们的视觉特点为依据划分镜头，将剧本中的生活场景、人物行为及人物关系具体化、形象化，体现剧本的主题思想，并赋予影片以独特的艺术风格。
分镜头剧本是导演为影片设计的施工蓝图，也是影片摄制组各部门理解导演的具体要求，统一创作思想，制订拍摄日程计划和测定影片摄制成本的依据。
分镜头剧本大多采用表格形式，格式不一，有详有略。
一般设有镜号、景别、摄法、长度、内容、音响、音乐等栏目。
表格中的“摄法”是指镜头的角度和运动
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