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古筝学习入门
古筝学习入门
民乐界有句顺口溜：
一年古筝，二年箫，三年二胡不咋着。
意思很明了，说古筝简单好学，用一年时间就学得不错了。
二胡则比较难，学三年了还不一定能学出个样来，甚至音都拉不准。
这种观点显然很是片面。
说古筝入门快，还有一定道理，要说它简单，那就大错特错了。
古筝入门快，是针对传统古筝和简单的传统曲目而言。
如果是按照新筝十二平均律定弦，按固定调弹奏的话，我认为筝的演奏入门是民乐中最难的一种。
为了调动孩子们的学习兴趣，提高入门速度是有效措施之一。
好在现在古筝、新筝同时存在，可以先学容易入门的古筝，待古筝达到一定水平的时候，再学较难掌握的新筝。
这样，就可以极大地减轻了孩子们的学习压力。
古筝是一件高深莫测的民族乐器，有“音能传神，韵能达意”之美誉。
《燕太子篇》中有段文字记载，把琴筝高深莫测到能传神达意的地步叙述得非常清楚。
往往越是高深的乐器，入门时倒不觉得难。
既便是不会弹古筝的人，用手指慢速刮一下，也能产生似流水的声音。
因为古筝的共鸣体设计比较合理，琴弦振动比较科学，再加上它是五声音阶弦序排列，所有自然音中没有半音关系。
所以，即便只是用手指慢速刮奏一下，也能使它自然而然地产生一种令人满意的流水声，十分好听。
由于它产生的顺序音和谐流畅，所以普遍为人们所接受。
古筝的学习比较容易入门，这是能吸引学习者学习的长处。
但如果把握不好，因为好人门而急于求成，最后欲速则不达。
古筝弹奏入门，应从弹筝姿态做起。
如果不在入门时解决这一问题，以后就很难解决了。
有很多技巧娴熟的古筝演奏者，由于入门时弹筝姿态没有学好，致使在演奏时丑态百出。
有的几乎是趴在筝上弹，有的拉出骑马蹲裆步的架式，有的如同石雕、呆若木鸡，有的摇弦时右肩比左肩低下去足有半尺，有的
在演奏忧伤的曲目时面带微笑，有的在演奏欢快的作品时也“一脸阶级斗争”。
诸如此类，不胜枚举。
演奏姿态包括两个方面的内容：
一是姿势，二是表情。
弹筝姿势总的原则是顺其自然。
也就是说大多数人看着舒服优美的姿
势就是正确的，反之就是错误的。
如：
弹筝时，上身挺拔，双腿自然靠拢，大家一致认为如此好看，那么就是正确的；弹奏时，双肩在一个水平线上，双肩活动和平常活动是一致的，大家一致认为如此好看，那么就是正确的等等。
弹奏表情总的原则是自然得体，符合表现乐曲内容、深化音乐主题需要。
要把过渡弹奏，激烈情感，忧伤思绪，欢快热烈等等明显地表现出来。
古筝弹奏入门的姿态和入门的基本指法学习往往是同步的。
也就是说，在基本指法弹奏训练的同时，姿势要正确优美，表情要自然显现。
基本指法的训练重点在于：
每个弹奏指的独立功能训练。
要充分．发挥腕关节和指关节的活动轴心作用，使每个手指都能准确自如地完成弹奏任务。
在基本指法训练的同时，往往也掺杂着左手一些技法的学习，要注意这些基本技法的弹奏要领，注意双手的配合，使入门一些比较简单的曲目的弹奏科学规范，为今后的学习打下良好的基础。
新筝常见问题的处理方法
如发现某一弦的码子在用力弹弦后有柱底打面的声音，俗称“跳码”，这说明弦的张力不够或有效弦长太短，或码子高度不够。
先检查一下是否按编号排码的，如果排列没有问题，可将这只码子向左移动一些再上紧琴弦即可。
*如发现某一弦有沙音，俗称“狼音”，可能是琴柱上端牙骨的缺口将弦夹住影响了震动，只要用三角锉将缺口的两侧扩大一些就可避免。
*如发现某弦不发音或发出沙音，用手捻一下此弦的外缠尼龙，如果捻的动，说明尼龙未缠紧，阻碍了弦的震动，则这根弦是次品，必须更换。
*如果发现筝体不平，检查一下筝架摆放的地面是否平整，设法把筝架放平，如筝架腿有长短则用锯子锯掉长出的部分即可；如使用的是组合架，可在筝体与组合架有空隙的地方钉上一块厚度相当的橡皮就可将筝放平。
*如拨动琴弦时筝头处发出嗡嗡的声音，请检查一下筝头琴盒盖是否关紧，如盒盖密合不好的话是引起这一问题的原因之一，再者察看一下筝头琴盒内的物品是否排放的不平或是触碰到盒内的琴钉，还有筝盒内不要放置太多的东西，如果放的东西较多或不平的话在弹琴的时候会引起盒内物品的共振，从而产生噪音。
乐理知识
第一章 音名与唱名乐音 在丰富多彩的音乐世界里，充满了各式各样的音。
这些音有的听起来纤细，有的听起来粗犷。
有的显得柔和，有的却显得低沉……。
真可以说是千姿百态，变化无穷。
音乐就是一门音的艺术’。
根据声音产生的规律，我们可以把音分成两大类：
一类叫做乐音（乐字读作yu6），另一类叫做噪音。
乐音有固定的音高，又和谐、又好听。
钢琴、电子琴、小提琴、二胡等乐器奏出的音，人们在唱歌时发出的音都属于乐音。
音乐世界主要是由乐音组成的。
音名 唱名为了称呼音乐中所使用的乐音，人们采用了七个英文字母。
这七个字母的排列是从C开始，依次为CDEFGAB，这就叫音名。
而在唱歌的时候，我们用do、re、mi、h、s01、h，si来唱出乐谱上的音，这就叫唱名。
音名与唱名既有联系，又具有不同的用途，各自运用于不同的场合，使用时要多加注意。
在中国民乐中有特定的调式，即五声调式，五声即：
宫、商、角、徽、羽五声。
基本音级 循环使用CDEFGAB七个音名，这些以七个音名为名称的音就是基本音级。
半音 全音 音与音之间最小的音高距离叫半音，两个半音构成一个全音。
在简谱中，7、1之间3、4之间是半音。
音符 乐谱中表示音的长短的符号叫音符，在简谱中用1、2、3、4、5、6、7表示。
平时在乐谱中常见到的音符有：
全音符。
如5---。
二分音符如5-。
四分音符如5。
八分音符如5。
十六分音符 如5。
音符相互之间的长短关系，就跟它们的名称一样：
全音符=2个二分音符=4个四分音符=8个八分音符=16个十六分音符。
休止符 乐曲中的音响并不是一直不停的，有时中间会有间断，出现无声的时间，这时，就用另一类符号——休止符来表示。
休止符的名称与音符名称相似，简谱中用0表示。
常用的有：
全休止符0000。
二分休止符00，四分休止符0 八分休止符0 十六分休止符 0。
全休止符的长度相当于全音符。
二分休止符的长度相当于二分音符，等等。
附点音符 有的音需要延长一定的时间，记谱时就在这个音符的右边点上一个小圆点，这个小圆点就叫附点。
这个音符也就被称作附点音符。
附点增加原来音符时值的一半。
常用的附点音符有：
附点四分音符 附点八分音符 等等。
附点休止符 知道了什么是附点音符，你也就知道什么是附点休止符了，附点休止符同样也是增加原来休止符时值的一半：
延音线 延长号要延长某个音的时间，除了用附点之外，还常用另外的两个方法。
一个方法是用延音线把几个音高相同的音连在一起，演奏的时候，这几个音加起来奏成一个音。
如：
5---∣5---。
另一个方法是在音符的上方加一个延长号。
延长号的样子像一个眼睛，它表示可以根据需要自由延长这个音的时间。
延长号也可以用在休止符上。
变化音级 音乐中除了七个基本音级以外，还有许多把基本音级升高或降低的音，它们叫做变化音级。
在念变化音级的时候，要把‘升”或‘降’字读出来，比如升4、降5等等。
为了区别于变化音级，基本音级也叫做本位音。
变音记号 把基本音级升高，降低或回复本位的记号叫做变音记号。
简谱中使用的变音记号一共有五种：
升记号﹟表示把基本音级升高半音。
它的形状有点类似斜写的汉字‘井’。
降记号b表示把基本音级降低半音。
它的形状有点类似英文小写字母b。
重升记号x 表示把基本音级升高一个全音。
它的形状似一个叉。
重降记号 bb 表示把基本音级降低一个全音。
它由两个降记号合在一起而成。
还原记号表示把已经升高或降低的音还原到基本音级，也就是还原到本位音。
所以还原记号也可以叫做本位号。
念重升或重降的变化音级时，同样要把‘重升’或‘重降”两个字读出来。
比如‘重升1’、‘重降6等。
调号打开琴谱，我们可以看到1=D、或1=G的字样，这是简谱中的调号，1=D表示该曲是D调，即1音是D音。
临时记号变音记号是直接写在音符前面的，这种变音记号叫做临时记号。
临时记号只对与变音记号同音高的音起作用，而且只限于一小节内，过了小节就失去作用。
常用速度术语我们平时生活中常用到速度这个词，在音乐名词中，速度指的是旋律进行的快慢，它是表现音乐的一个重要手段。
一首乐曲必须用适当的速度去演奏，才能正确地表达出其中的内容。
所以对演奏者来说，掌握好速度是一件非常重要的事。
在乐谱开始处的左上角，往往标着速度的术语，用的是本国文字或是意大利语，这些术语表明了大致的演奏速度。
常用的速度术语有：
慢速 Largo广板 Lento慢板 Adagio柔板中速 Andante行板Andantino小行板Moderato中板Allegretto小快板快速 Allegro快板 Vivace或Vivo充满生气而活泼 Presto急板其他 rit．（略写）渐慢 accel．（略写）渐快 atempo原来的速度常用力度术语力度指的是音乐的轻响程度。
音乐中的轻响变化加深了感情的起伏，形成鲜明的强弱对比，使乐曲更加扣人心弦。
力度同样是表现音乐的一个重要手段。
力度术语大多采用略写形式，因此也就常被称作力度记号。
用得较多的有:
f（略写）强 p（略写）弱 mf（略写）中强 mp（略写）中弱 ff（略写）极强 pp（略写）极弱 cresc（略写）渐强 dim（略写）渐弱 sf（略写）个别音特强常用表情术语表情术语也叫风格术语，大部分也使用意大利文。
表示感情、风格的音乐术语内容非常广泛，从各个方面很细致地对演奏进行了提示。
现在从中挑选一些列举如下：
agitato急促、不安地 animato活跃地 espressivo富有表情地 cantabile歌唱般地 grazioso优美地 conbrio有活力地 legato连奏 dolce柔和地 marcato着重，清晰地 mesto悲哀地 sostenuto保持着 morendo渐渐消失 tranquillo宁静地 nontroppo不太过份
浅谈古筝的学习方法
古筝是中国最古老的弹拨乐器之一，据考证，筝在春秋、战国时期及其广泛流传，至今已有两千五百多年的历史，自秦、汉以来古筝从我国西北地区逐渐流传到全国各地，并与当地戏曲，说唱和民间音乐相融汇，形成了各种具有浓郁地方风格的流派，有河南筝，山东筝，潮州筝，客家筝，浙江筝，内蒙筝六个派系，现在简称南北派（下面流派可按南北两大方面分，而现代筝的派别主要分南北两派，大多为长江以南、长江以北），其筝曲及演奏方法各具特色。
山东筝；多和山东琴书，民间音乐有直接联系。
曲子多为宫调式，以八大板编组而成，其演奏风格纯朴古雅。
潮洲筝：
流传于广东潮洲一带，音乐结构特殊，奏法别具一格，它以其右手的流畅华丽，左手按滑间的独有加花奏法，变化细腻、微妙而独具一格。
主要曲调有《重六》《轻六》《活五》《反线》等。
其中《重六》调乐曲比较委婉；《轻六》调乐曲清新明快；《活五》调乐曲缠绵悲切，律调很有特色。
浙江筝：
即武林筝，流行在杭州一带。
与江南丝竹有着密切的联系，其乐曲以移植琵琶曲为多。
对我而言，古筝是一种古老的乐器，它的音色优美，易于入门，近几年来受到越来越多人的喜爱和热衷，古筝艺术从原先的凤毛麟角走向了可喜的普及，又从普及走向可贺的提高，如今又逐渐不可估量的渗入于大力提倡素质教育之中。
我认为要深入地学习这有着丰富表现力和艺术个性鲜明的乐器，应该把古筝分为“学筝、练筝、弹筝、说筝”的形式来完善它。
“学筝”不是要说如何去学习弹奏古筝，而是在谈谈学习中古筝在全面提升素质上有不可低估的作用。
因为音乐的学习可以潜移默化地使人增强对美的感受能力，能促进增强观察力，记忆力，想象力，思维力和人际交流能力以及自我心里控制的能力，如果学习乐器，还可以因为手指动作的反复训练，而提高动作的协调能力和平衡能力。
由于古筝的弦长、形状、木结构，大共鸣箱等器制决定了它发音典雅柔和，悦耳动听。
所以在演奏古筝时，左右手手指勾、踢、托、劈、抹、挑等富有弹性的拨弦和左手揉、按、滑音间等变化无穷的按弦动作，同样可达到学习其它乐器所能产生的智力开发效果。
在传统乐曲中包含很多历史故事。
例：
《渔舟唱晚》是一首古典风格的作品，引用了唐代王勃《滕王阁序》中的“渔舟唱晚，响穷彭蠡之滨”佳句为题，措绘了在夕阳西下时，渔人愉快的劳作和荡桨归舟，歌唱丰收的情致。
它的风格传统，意韵悠长，证明了古筝艺术有着悠久的历史和丰厚的文化底蕴。
例：
《林冲夜奔》也是一首有故事情节的作品，它以：
一、惨遭陷害回忆往事百感交急 二、逼上梁山心急如焚乘夜疾驰 三、狂风大作大雪纷飞千难万险 四、冲破险阻信心百倍奔向梁山 这四个情节贯穿全曲，表现力极强。
现代作品《长安八景》取材于清代文人朱集义的诗画。
描写长安周围名胜古迹，这样，既让学习者更容易理解和掌握乐曲所表达的思想内容，又使学习者从中学会了众多的词语及应用。
可见古筝艺术不但有着其它乐器的共同特征，还有着得天独厚的优越性和全面提升文化素质的内涵性。
因此，我们学习古筝是为了全面提升文化素养。
“练筝”我以为学会有效的学习方法尤为重要。
要想学好任何一件乐器，学习者在练习中必须自己掌握和运用一套有效的学习方式，这对已学完了初、中级水平的学习者就更为重要了。
当然，学古筝不可缺少有经验的专业教师的指导和建议，以及有说服力的示范和激励手段，但是，在绝大多数情况下有一定基础的学习者都是没有外来帮助的情况下进行练习的。
所以练习是否有成效，很大程度上取决于是否自己能够教会自己。
怎样是好的学习方式呢？
一、合理安排练习时间（是起步和关键）
（1）按时定点：
因为人的生理机能常常是受到生物钟控制的，所以按时定点训练可以养成定时对感受音乐的兴奋习惯。
这样能够让练习者快速进入状态，从而达到省时、高效的作用。
（2）连续不断：
连续不间断地上课和练习是始终保持学习进取心理状态的唯一方法。
间断了的学习和练习再要断续时，都需要一个“热身”过程才能重新进入状态。
这样的学习只能是浪费了大量时间，并大大降低了学习乐器的效果和作用。
二、明确练习的目的
要想练习的既省时，又有效果，就必须明确练习目的。
漫无目的地练了几个小时没有丝毫进展，不但会令你苦恼，并且会使你怀疑自己的能力而失去自信心。
所以在练习前应先静静地思考一下：
这次练习的技术难点是什么？
要解决哪几点问题？
上课时老师提示了哪些？
乐曲所要表达的思想内容是什么？
然后根据你的能力和这次所练习的时间，能解决多少问题就解决多少问题。
这样练习才有价值。
三、视谱练习与背谱练习相结合
我们在学习一个乐段时，一定要清醒地认识到，这反复奏了无数遍的乐段是否正确无误。
错误的重复只能是养成了改不掉的坏习惯。
“视谱练习”为的就是把每个音，每个节奏，都弹的准确无误。
“背谱练习”为的是做到“胸有成竹”地把乐曲潇洒自若的表现出来。
因此，在学习器乐演奏中视谱练习都不可少。
初学某个乐曲时，在通过了练习前的默练后，就可以进行认真仔细地视谱练习。
待视谱能完整的演奏该乐曲时，即可进行背谱练习了。
为了确保其正确性，在能够背谱演奏后，应再次视谱练习，从中发现错误，并加以纠正。
四、慢练与快练相结合
在练习速度快、技巧又较复杂的乐段、乐句时，用把速度放慢一倍或二倍的慢练来练习是很有必要的，也是有效的训练方法。
但是在练习技巧并不复杂的乐曲时，不根据具体情况而一味的运用慢练的方法那就太不合适了。
因为长期这样，不仅会让练习者丧失了正确的了解乐曲的能力，而且还会逐步减弱他们对音乐表现的积极主动性和乐感。
正确练习方法是慢练与原速演奏相结合，在学习一首新作品的初期，一旦完成了指法，节奏时，就得考虑正确的速度要求。
再把一些技巧较复杂的乐句通过慢练，确定了指法的正确性和协调了左右手的动作后，就应该开始用原速进行练习。
只有原速演奏，才能真正理解乐曲，才能真正发现所存在的不足和技巧的问题，也才能找到真正需要慢练的地方。
要记住，练习时应困难点重点练，易错点仔细练，慢与快相结合练。
五、不可忽略的左手的按颤技巧练习
在练习中左右手拨弦的发音作用是明显的，出现的错误也易被察觉，所以一般都把精力放在右手上，但千万不能忽略左手的按颤技巧。
古筝演奏中，左手的“揉、按、滑音”正是它的“灵魂”所在，“以韵辅声、音韵相成”是古筝音乐的特色所在，左手按弦的好坏，很大程度上决定了一个古筝演奏者的艺术水准的高低，缺乏了左手的按颤运用，筝乐就淡而无味失去了光彩。
因此，在练习中须认真仔细的琢磨左手按颤技法，不可忽略。
六、不要轻视演奏技巧“简单”的乐曲或乐段
在有的筝乐作品中，一看乐谱就知道技巧很简单，因此容易被人忽视对它的练习，但往往这些看似简单的乐曲恰好是风格特点，韵味十足的曲目，所以才更要注意，由于这些乐曲一般速度比较慢，在练习时不但要把握好风格特点表现的左手按揉技法，还应该注意其节奏的准确，句法的呈现，音色的纯净，强弱的控制，所以在学习这类乐曲时，练习重点只是不同于那些快速度，大力度的技巧练习罢了，更多的是要多加强对乐曲的风格和表现手法的分析。
例：
特别是古曲，如《出水莲》、《渔舟唱晚》等。
七、重视练习曲的训练
在古筝的学习中，人们往往只重视弹几首曲子，而忽视了练习曲的训练。
这个问题非常突出，我也存在这个问题。
随着古筝艺术的不断断续续发展，弹奏的力度、速度、技巧和乐曲表现内容都有了更高的要求，练习曲的训练也必然成了我们提高演奏技巧不可替代的一种重要手段。
因为，练习曲一般都具有针对性，通过反复、专门的某种单项练习，可以从中学会、巩固或改进某种弹奏技巧和方法。
加上训练练习曲通常是纯技巧练习，没有旋律和乐曲表现方面的负担，就能更好的把握技术要求，效率也高。
八、温故知新有助于不断提升
很多学古筝的人，也包括我在内“猴子掰玉米”的现象非常严重，学了后一个曲子却丢了前一个曲子，这样的学习是得不偿失的。
在学习过程中，我们应该把复习一些经典的曲目作为不断提升的一个重要手段，这样不但可以为我们积累大量的表演曲目，还能够训练和提高我们的记忆能力。
更重要的是通过复习可以在那些旧曲目中得到新的体会和认识，从而在演奏的技巧能力上，乐曲的理解能力上得到不断提高。
九、调整心理状态学会激情练习
练习的目的就是要演奏，而演奏和练习又有着很大的不同。
如：
在家自己练习时，错了可以反复的去改正，去练习，在舞台上演奏就完全不同了，根本是没有反悔的机会的。
由于在舞台上演奏的人内心都会十分激动，心理上和肢体上都会比平常练习时紧张得多。
平时已练习得滚瓜烂熟的乐曲，这时往往由于紧张错音百出，因此，我们在努力创造上台的表演机会之外，还应注意在平时练习完整的乐曲时调整心态，想象自己是在舞台上演奏，这样练习就能让精神处于兴奋状态，增加信心提高练习效果。
对我而言，在几年的古筝学习过程中，老师与学生的相互作用都非常大。
学生不能一味的去等老师教，并死板的学，这样只能对老师产生依赖性，不善于独立思考，学习被动等。
应该听取老师意见的同时，善于自己发现问题和增强自我感觉。
还有就是弹奏技巧是学习乐器必不可少的能力。
所以有了一定的弹奏基础后，应该回头去检查一下自己在弹奏技巧上还有哪些的不足处，重视以练习曲做针对性的训练，加以改进，还应该在学琴的同时认真学习乐理知识，熟悉各种记号、音乐术语、培养读谱习惯，增强节奏感和音乐的心理感应能力。
只有这样相结合的学习，才能在古筝上有所突破，才能不断进步。
作者：
李璐君 来源：
拙风文化论坛
右手指法概述
一、关于扎桩
筝的传统演奏方法，就是用右手拨弹筝弦，演奏旋律，左手在码外弦段上以按颤揉推等手法装饰旋律的。
累世相传的一首弹筝诗，以口诀的形式记述了弹筝的技巧。
名指扎桩四指悬
勾摇剔套轻弄弦
须知左手无别法
按颤揉推自悠然
通常人们把右手指法分为单指指法和组合指法。
单指指法，即用一个手指拨动琴弦的指法。
这类指法有托、劈、抹、挑、勾、剔、打和摘八种。
组合指法，即用两个以上单指指法配合拨弦的方法。
在组合指法中还可分为撮类指法、摇类指法和其它组合指法。
传统演奏方法要求右手拨弦的手形是“名指扎桩四指悬”，扎桩即无名指固扎在前岳山内外，跟着四指的拨弦而移动。
有人比做倒垂的花朵，也有人比做鸡爪形。
在演奏中一般大指与中指保持五个弦距的宽度，手掌的位置应以保持大指与中指拨弦重心的平衡，掌心在从大指弦距数起的第二、第三弦距之间，手不要过于垂直，以略偏向右侧为宜。
扎桩起着支撑的协助其他四指拨弦的作用。
某些“四指悬”的拨弦指法中仍需用无名指的扎桩，以跟弦支撑用力。
尤其大指的连续快速拨弦必用无名指的扎桩来支撑，才能用上劲。
扎桩也不限于在前岳外进行，根据拨弦音色的需要而常常在前岳山内的弦上跟弦扎桩。
随着筝演奏技巧的发展，已很少使用扎桩了。
二、右手手指的拨弦方法
右手拨弹筝弦，以大指、食指和中指为主，无名指次之，极少用小指。
在重视手指的全面训练中，要特别重视大指的拨弦训练。
在筝曲，主旋律的拨奏主要靠大指来负担。
大指拨弦用大关节。
大关节指的是大指与手掌的根部边接的关节。
大指用大关节拨弦容易保持斜下方的触弦角度。
这种角度，发音结实、音色较好。
另外，应注意保持大指与筝弦过于垂直并略向前岳山自然倾斜的位置。
食指拨弦用小关节。
指的是食指略有弯曲的第一、第二关节，以第二关节的弯曲为主。
触弦时，应避免向上扣弦的拨弦方法，并尽量使大中二指触弦的音色接过。
中指拨弦用大关节，指的是中指与掌心连接的关节。
中指向里拨弦角度与大指大致相同，即斜下方的拨弦。
中指与筝弦保持约４５度的角度，略向前岳山自然倾斜。
无名指有时在岳山内扎桩，有时拨弹筝弦。
拨弦时，一般用小关节，不触弦时，自然放松略有抬起，注意不要碰弦。
小指在演奏中保持自然放松、略微抬起的状态。
在某些长琶音中，有时用小指配合拨弦。
从低音至高音的拨弦，要有一个斜线概念。
右手拨弦的位置，在高音区距前岳山为３．５公分。
在低音区约７．５公分，从最低音弦的拨弦点至最高音的拨弦点划一条直线（实际是弧线），这条斜线就是右手拨弦的基本位置。
由于乐曲中音色对比的需要也常变换拨弦点的位置，有时拨弦点在弦的三分之一处或接近前岳山的地方。
筝的演奏技巧十分丰富。
学习时应努力通过科学方法掌握这些技巧。
合理的触弦角度是发出良好音色的必要条件；松弛而富有恰当爆发力的拨弦是学习各种技巧表现的基本环节。
右手单指指法
一、托、劈
１．托
演奏时大指向外拨弦，即向低音的方向拨弦。
拨弦角度以向斜下方用力为宜。
且忌大指的第一关节和第二关节弯曲向斜上方用力“扣”弦。
托的动作，是通过肩臂手及假指甲自然巧妙而协调一致的运动。
弹奏的手指小关节不弯曲，以大指的根部为基点，自然用力。
向斜下方拨弦。
连续托指称为“连托”。
可以用指不离弦连续托指的方法，也可用跳弹（每弹完一音手指起来再弹）的方法，前者声音连贯，后者声音结实且有助于指力的训练。
托是筝演奏法中的基本指法，它用于单音或音阶旋律下行的演奏，在“重勾劈托”以及下行“历音”等指法中也要用到托的拨弦方法。
２．劈
演奏时大指向里拨弦，指的是向高音的方向拨弦。
劈的动作仍以大指连接手掌根部的关节为基点，略偏斜上方角度拨弦。
劈是托的反向指法。
它常与托交替使用或连续交替使用。
在旋律中，音值较短的两个或两个以上的同度音依次出现时，经常采用劈托的交替指法。
一般是先托后劈。
它还运用在顺弦序连续上行音的拨奏中也常配合中指食指的演奏。
“重勾劈托”或“母指摇”中均包含着劈的指法。
二、抹、挑
３．抹
演奏时食指向里拨弦。
抹
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