素描教案静物写生docWord格式.docx
《素描教案静物写生docWord格式.docx》由会员分享，可在线阅读，更多相关《素描教案静物写生docWord格式.docx（14页珍藏版）》请在冰点文库上搜索。
自然光或平光可产生安祥朴素的效果，适用于某些具有朴素风格的静物。
总之，同光线可以产生不同的形体效果、质感效果和美感效果，需要运用不同的技法去表现。
因此，在静物组合写生中，应当选用不同的光线，多方面培养感受力和表现力。
设置灯光时，要十分注意光线造成的投影形象，尤其是出现在背景或衬布上的投影不要过大和过于清楚，应把投影当做整体构图形象的一部分。
静物组合的背景可利用墙壁或深远空间，也可以用衬布。
在选择衬布当背景时，衬布的深浅和质料应与静物的形态、质地、色调关系一起考虑。
色调关系应既和谐又有对比，起到相互衬托的作用。
从情调上说，较豪华的静物可以选用较豪华的衬布，朴素的静物可选用一般的粗布。
衬布最好以单纯的色调形式出现，不要有明显的花纹图案，以免造成花乱和喧宾夺主的后果。
（4）构图的形式美。
不论选择什么样的静物，体现的情调如何，若想摆出较理想的组合关系，画出较理想的构图，就要认识构图形式美的一般规律。
静物写生形象比较丰富，是培养构图能力和认识构图形式美的良好机会，应引起重视。
一般说来，较好的构图必然符合美的规律，其优点如下：
①集中而不单调；
②稳定而不呆板；
⑧饱满而不滞塞；
④活泼而不散乱；
⑤有主有次；
⑥有远有近；
⑦疏密相间；
⑧黑白有序；
⑨考虑动势；
⑩不分割画面。
以上各点除“考虑动势”外，都是比较容易理解的。
静物是处于静止状态的，但由于视觉心理的作用，在某种情况下，静物也会产生某种动势，给人某种动的感觉，包括动势的方向感、力量感等，从而影响构图的形式美。
如将一把茶壶放在桌子上，那么，茶壶嘴所指的方向就是茶壶的动势方向。
将两把茶壶放在桌子上，茶壶嘴同朝一个方向，可以使这种动势感加强并产生形式美；
如果壶嘴朝着不同的方向，则会产生不同的动势和不同的形式美。
将一把水果刀放在桌子上或盘子里，其刀尖所指的方向构成它的动势方向；
如果将两把水果刀放在一起，不同的摆法会产生不同的动势。
一个圆罐和一个苹果，如果单看其中任何一个，都不会产生某种方向的动势；
若把它们放在一起，就会产生某种动势。
一般地说，较小物体所处的位置，即是这组物体的动势指向，如果沿着这种指向在较小物体的前面再放一个更小的物体，这种动势就会更加强烈，形成一边倒的动势形式；
如果在相反的方向放一个物体，则会使这种动势有所抵消，构成某种动势的平衡。
在静物组合中，背景的衬布也会构成某种动势。
衬布呈垂直状，动势最为稳定；
如果是呈倾斜状，或它的折纹呈倾斜状，就会形成某种动势并带有方向性。
如果这种方向性和静物的动势方向相一致，则会加强静物的动势感；
如果相反，则会减弱其动势感，产生某种视觉平衡。
以上所述只是构图的最基本的原则，在实践中应灵活运用。
可以说，组织和摆放静物的过程就是艺术实践的过程，就是学习和提高的过程。
所以，应当学会组织静物，从而画出较理想的作品。
三、要点把握
1、色感与明度
素描是一种单色的绘画艺术，因而关于对象的色彩感觉只能通过黑白灰色调的明度变化来表现。
因而在静物写生中，准确观察和判断物体之间固有色的明度及其差异，对于色感的传达至关重要。
而明度关系的表达是一种相对关系的表达，我们无须也不可能在白纸与笔的墨色这一有限色调中表达出对象世界光与色的绝对强度。
因此，需要学习的是运用物体明暗变化的“五调子”格局和规律，以黑白灰色调层次恰当的明度比例，来概括和表现出对象色彩的明度效果。
因此，画面黑白色调的分寸感是静物写生的重要训练内容。
我们需要在各物体之间固有色的明度范围内，细致敏感地辨别和把握色彩明度的层次关系，以获得准确的色调依据。
2、质感的表现
由物体的物质属性带给人的视觉感知即为质感。
如玻璃表面的光洁、绸缎的柔软滑亮、陶瓷的粗糙、金属的坚硬等。
质感的获得源自人的视觉经验和触觉经验。
在静物写生中，质感的传达是一个重要的表现内容，它可训练我们视觉的敏感和写实效果的真实丰富。
3、量感的表现
由物体的重量带给人的视觉感知即为量感。
在绘画表现中体感和质感是造成物体量感的重要因素。
如果画面出现的是一个没有体积的平面，纵然表现出了质感，却难以产生量感。
而不同的质感又会唤起人们不同的量感经验，如绸缎的柔薄产生的轻感或陶瓷的粗厚产生的重感等。
作业安排：
48学时完成3-4张有特色的静物作业。
（静物的布置可以根据学生的学习情况灵活掌握，提倡由学生自己动手布置静物，然后加以指导）。
四、作业检查：
1、画面上的构图安排是否适中、匀称。
每个物体前后左右的空间关系是否准确。
在构图上每件物体是否都被感觉是从属于一个不可分割的整体；
2、是否注意了光源的投射方向，掌握住各种调子总的关系，真实地画出了每一个物体的比例、结构、明暗色调和质感；
3、是否掌握了静物构图的基本方法，在自己布置的静物中，也能体现出一定的主题思想和美感效果。
石膏像素描
通过石膏像的写生，掌握人物造型的基本规律，学习塑造人物形象和性格特征的艺术表现方法。
理解所描绘的对象的解剖结构、形体结构，整体观察对象，掌握局部和整体统一的立体造型的基本方法，准确地表现具体对象的比例、动态、性格特征。
石膏像写生的基础知识；
写生的基本方法和步骤。
一、石膏像写生基础知识
（一）石膏头像造型
石膏像的头发、眉毛、眼珠和皮肤都是白色的，各个部分的质感相同，初学者更容易观察和表现，真人的五官则有不同的质感和固有色。
石膏像静止地摆在那里，一切造型因素都清晰地呈现在习画者眼前，可以对其进行长时间反复深入的观察、分析。
画好石膏头像，是为了进一步画真人头像打基础。
现在常用的石膏像，一般都是西方历代艺术家的优秀作品。
通过画石膏像，不仅能够学习掌握人头的五官忱置、各部位比例等知识，还可以从中感受到西方古典艺术刻意追求的外表美感与崇高精神内涵的结合，这对初学者提高艺术品味有着重要意义。
虽然画好石膏像不是最终目的，但应该对这一阶段的学习给予足够的重视。
现在我们失演示一下画一张石膏像的过程：
（伏尔泰头像）
演示分析
通过以上过程，可以看到，写生石膏头像要求：
首先要了解人头的骨骼肌肉的解剖知识，五官在头部的位置和比例，五官的形状特征，以及人头在各种角度的变化中五官位置产生的透视变化；
其次要具备娴熟的排线变调技术，善于表现从亮到灰、从灰到暗，再从暗到灰、从灰到亮的渐变层次；
还要掌握正确的方法步骤。
重要的是在反复的写生实践中，养成正确的整体观察习惯，训练准确的目测力，培养并辨别明暗微妙差别的敏锐感觉。
大家知道，每画一笔都要经过眼眼看、脑子想、手去画的过程。
这个过程需要重复无数次才能完成一幅画。
在这一过程中有三个环节非常重要，应该在这三个方面狠下功夫。
第一，强调在反复实践中养成整体现察的习惯，提向目测力和分辨力，这是针对“眼睛看”的，其目的是耍提高观察能力。
第二，熟记骨骼肌肉和五官位置及其透视变化规律：
这是针对“脑子的”，其目的是提高理解能力。
第三，娴熟掌握排线技术，擅长画出各个方向的明度渐变，这是针对“手去画”的，其日的是要提高表现能力。
在这三个万面，解决“眼睛看”的问题，即提高观察能夕力，又是重中之重。
下面我们依次介绍。
（二）面部的体面转折
1、分面像面部是人头上最重要的部位。
要想以形传神，画谁像谁，必须准确地描绘面部：
一般都先学画亚历山大分面像，这是为了方便初学者理解面部的体面关系而制作的专用教具。
它将人复杂的面部概括为苦干平由组成，使初学者容易理解人脸表面的起伏卯转折，为下一步画好复杂的曲面头像做准备。
2、从分面像到雕像画过分面像后，就要画亚历山大半切雕像。
将两者进行比较，不难发现：
雕像的体面部是各种曲面组成，不再像分面假那样都是转折明确的平面。
因此明暗调子都是渐变的，面部的起伏转折都在微妙的明度渐变中显现出来，而不像分面像那样是突变的。
轮廓也都是曲线，不象分画像那样是直线。
初学者刚一接触时可能感到难以把握，但大家应该以分面像为参考，认真观察雕像表面的形状和起伏，运用已经学过的表现球体和柱体的技巧，尽可能将雕像画准确。
教具雕像的气质神态生动逼真，有骨有肉，是很好的艺术形象。
二、画法步骤
（一）“戴帽老人”画法步骤示范
1、确定天点、地点（极端点）
2、确定中间点
3、勾画轮廓
4、确定五官位置和形态
5、分面
6、加强对比度
7、黑白灰的深入
8、深人刻画
9、调整完成
（二）主观与客观、感性与理性
这里介绍的是写实方法，要求忠实地表现客观对象，但绘画在表现客观物象方面，无法与照相机相比，既然不能，也就没有必要一味地追求。
客观对象的精神面貌打动了我们，使我们产生了要表现的强烈冲动，这是我们作画的动力。
在这种冲动的驱使下，作画时不由自主地强凋了某些部分，忽略了另外一些部分，甚至为了表现某种感觉而无意间变了形，因此不知不觉地就把个人的思想感情注入到作品中去了，使画与照片有了本质的区别。
这就叫作品的主观性。
这种主观性是不可避免的，也是因人而异的。
所以，作画者在努力再现客观对象精神面貌的同时，必然会表现出自己强烈的思想感情。
由此可见，画面应该是客观对象与作者主观世界的统一体。
作品中的客观性和主观性哪个应该多些，哪个比该少些，视作者气质、性格的不同而显出差异。
不顾客观性只顾主观忙就容易画不像，过于强调客观件又容易画得机械呆板。
所以，作品中的主观性和客观性应该是统一的，应该画得既像客体，又有个人风格。
就主观来讲，表现欲来源于强烈的感觉，但仅凭感觉去画，只能停留在表现浮面的东西，还必须运用解剖透视知识，分析理解对象，才能深人地表现。
这也就是常说的，把感性认识的水平上汁到理性认认的高度，使我们的主观认识与客观对象—致越来。
感觉就象—匹野马，理性是缰绳，失去理性，感觉就成了脱缰的野马。
不管画面像不像，只顾由着性了渲泄，这是应该反对的。
相反，单纯追求画得像，在理性压迫下没有了感觉，素描将变得枯燥乏味。
作画的时候只行达到感性与理性的统—，画面才能达到十观与客观的统一。
第一个作业：
荷马或阿波罗石膏像写生（12学时）
第二个作业：
大卫或伏尔泰石膏像写生（14学时）
人物头像素描教案
人物头像素描的教学目的和意义：
1、人物是素描研习的一个重要内容，也是很多专业画家研究的对象。
我们可以从很多大师那里找到他们画的人像素描，并可见其所具有的艺术质量，那些充满魅力的人像素描大多是创作画中的设计稿，但是却具有独特的艺术价值。
2、研究素描头像的作画技法应对有关艺术问题进行广泛的思考和研究，使之在提高技法的同时对艺术的思维、观点进行培养和锤炼。
这样有利于在绘画成长的过程中发育健全。
研究人像素描应该遵循从简单到复杂的循序渐进的练习程序。
教学过程：
一、人物头像写生
1、深入研究素描头像的一般规律
深入研究素描头像的一般规律，从头骨研究开始并借助头骨及肌肉解剖知识以及面部细节的帮助，大致掌握不同角度俯仰透视时头部的关系和表现方法。
2、掌握构图的基本原理
在画头像时要掌握基本的构图规律、原则，要看好纸的大小，而后开始定位、高低左右、中心线等辅助线的勾画，再确定头部的尺寸及比例和它的运动趋势，然后轻轻的定位描画。
3、头像的画法步骤
掌握画素描头像的方法和步骤，始终进行认真的观察、细致的比较，坚持从全局出发，从大处入手刻画，注意结构和比例关系。
小的细节如眼睛、鼻子、嘴巴等五官只用长短不一的直线表示则可。
确定脸部的大轮廓、体积特征和比例之后，标出明暗交界线的位置，要考虑面部的高点和低点，细部的加工要仔细研究形体。
从各方面多角度观察模特。
找到对象的面部特征和心理表情，在逐渐加重暗部颜色的同时，更加清楚地画出明暗面、中间色，并使色调从属于整体并去掉那些不必要的细节。
画素描的过程中要把注意力集中在比例关系、构图和模特的特征上，训练学习习惯，从不同角度观察模特儿，在任何时候都清楚头部各个面在空间中的状态，头部骨骼和肌肉、在脸部不同表情状态下其结构在细节上的相互联系，明暗和色调以及对细部造型研究，所以这些都必须统一于一个整体，做到画面在任何时候都具有完整性。
二、头部造型结构
1、头骨的结构：
头骨是由呈球状的脑颅骨、额骨、颧骨、眼眶凹穴，以及连接牙齿的上下颌骨所构成。
2、简化头部的形体的观察方法：
头部的体积，可以借助最简单的立方体来理解，再进一步分析正面和侧面是不同方向的两个面。
3、头部的动势和透视：
找到头部的中心线与眼、鼻、嘴三条平行线成直角相交，头部倾斜时他们的关系不变。
三、头部的标准比例和五官的位置
1、标准比例：
发际到眉毛为上停，眉毛到鼻底为中停，鼻底到下巴为下停。
2、三停五眼：
正面看脸部最宽处为五个眼睛的距离。
3、不同角度的透视变化。
四、脸部的表情
1、重视五官的造型特征和神态：
要熟悉他们的形体结构，理解五官由于脸部表情的变化而形成的变化。
2、眉、眼、鼻、嘴、耳：
深入观察掌握结构，各角度的透视变化。
3、肌肉对表情所起的作用：
头部骨骼决定头的形状，脸部肌肉决定脸部的表情，学好解剖知识掌握脸部肌肉收缩对表情的影响。
五、素描头像的其他因素
1、头、颈、胸的关系：
要简单的理解成几何形体，掌握解剖知识，及前后关系。
2、头发的表现：
头发的不同样式，体现了人的各种身份和性格，表现时要注意大型和整体关系的把握，注意远近虚实的刻画。
3、头部质感和色感的表达：
认真观察每个人的不同的皮肤颜色和身份特征，年龄、性别等因素，依靠线条和明暗来刻画对象。
4、背景和头像的关系：
背景的刻画是为了更好的突出头像，起到烘托主题的作用。
六、素描头像的技法及工具
1、结构素描和全因素素描：
结构素描主要指以线为主的素描。
全因素素描是包含光影反映真实的素描，三大面、五大调子。
2、工具：
铅笔、碳笔、木炭条，
专业的素描纸、绘图纸、宣纸、新闻纸等，画板、画架、橡皮、定画液等。
七、素描头像的三个阶段
1、大体阶段。
，
先观察，首先看对象的特征，主要任务是整体入手，安排构图、定位置、确定结构轮廓用长短不一的直线，要求动势、头、颈比例和基本型正确，画出大的明暗交界线及投影位置。
2、深入刻画阶段
深入刻画，是进一步地刻画对象，根据作业要求、时间长短来确定，刻画的细致程度，以长期作业为例，要更加细致地调整外轮廓线和内部结构线，达到造型精确，更加仔细地观察并牢记第一印象，理性的分析加上感性认识，表现对象的精神面貌及心理活动，做到画面人物形象生动，但深入刻划阶段要求从整体出发，分清主次，着重刻划和神态有关的部分（五官），所以，深入刻划阶段主要是正确处理局部和整体的关系的过程。
3、调整完成阶段
调整阶段，主要任务是上大色调和整体到局部，局部到整体的这样过程，要多动脑，少动手，对画面进行全面检查，对画面黑、白、灰的调整统一的过程，不要进行大的修改，以观察概括和加强减弱等方法，突出主要五官刻划，屏弃琐碎的不必要的非本质的东西的描写，努力做到使形象准确、鲜明、生动、做到画面的完整和谐统一。
完成阶段，画到什么程度是一张素描头像的完成呢？
一张完整的作品，要求画面色调统一，黑、白、灰安排合理，线条排列及轮廓线处理有虚实软硬的变化，并尽力做到自己极限，错的地方要及时修改，按步骤制作，要求到任何阶段画面需具有一定的完整性，一张完成的作品，跟人的个方面素质、修养密切相关，在一定时间里要多读、多看大师的作品，从中吸收精华。
作业要求：
1、长期作业：
时间要把握好，严格的按步骤要求进行，多些理论的分析，完成在解剖、透视、三大面、五大调子、结构等方面全因素的写实头像。
2、短期作业：
时间控制在四课时左右，要求造型准确，结构严谨，线条流畅，作业具备完整性和可观赏性.
3、时间安排：
短期作业：
四—六课时一幅
男、女青年头像。
长期作业：
十—十二课时一幅
中、老年头像。
水粉静物写生
静物写生，简便易行。
普通的日用器皿、古董文具、蔬菜瓜果、室内摆设等皆可入画。
一般室内光线环境比较稳定，因此，很适合初学者进行写生练习。
下面我们试以陶罐和鸡蛋组成的一组静物为例，说明静物画的一般画法。
面对这组静物，我们在动笔之前，先来分析一下构成画面的几个基本关系。
1.明度关系即素描关系
在大片的灰色衬布上浓重的釉色显得特别突出，重色的陶罐与亮色的鸡蛋形成强烈的明暗对比。
无论是陶罐、鸡蛋或衬布等，处在侧面光的照射下，其本身的明暗变化也很显著。
也就是说，每一样东西在这种特定环境下，它的受光面、背光面及反光面都呈现着不同的明暗变化。
例如鸡蛋虽为较亮色的物体，但它的暗部与暗灰色的阴影融合起来了；
陶釉虽为重色，但亮部特别是高光部位，呈现出耀眼的亮色。
画过素描的人很容易明白这一道理。
2.色彩关系
整个画面为一处暖灰色调，沉着和谐，浑厚古朴而不失其淡雅明快。
这种总的色彩情调，是写生中对各个物体进行具体描绘时应特别注意的。
此外，还应找出最基本的冷暖关系。
就此画面来说，总的倾向是亮面暖、暗面冷，但不是绝对的，如瓷釉的反光、罐口内的反光，鸡蛋暗面的反光等，冷中有暖，冷暖色互相对比互相依存，反映了客观物体色彩变化的复杂性。
3.着色步骤
稿子起好，就可以开始着色了。
如觉得没有把握，可画一个小色稿，用几块颜色点一点，探索一下画面基本的色彩构成。
着色步骤多种多样，对初学者来说，为把握总体关系，最好是先铺上对画面色调起决定性作用的大面积背景色彩，它为画面主角的出场提供一个舞台。
然后果断地涂上陶罐上最浓重的色块，力求形色准确，尽量不再涂改，留出罐口、鸡蛋部位的白纸地子。
此时画面上黑、白、灰三种明度的色彩差度基本拉开，为处理其他部位的明度层次构建了比较的依据，便于寻找各个局部的色彩变化。
再者，因为水粉中的最重的颜色和最亮的颜色变化。
水粉中的最重的颜色和最亮的颜色都怕脏，一旦不慎，容易造成暗色暗不下去，污浊晦涩；
亮色亮不起来，越涂越脏，很难补救。
所以，从绘画程序上就应加以注意，防止由于下面的色层向上渗透所造成的麻烦。
此外，在用色、用水、用笔时也必须加以讲究。
调配暗色时，要选用本身就具有一定暗度的颜色，如深红、深褐、深蓝、普监、紫、黑色等，切不可在调色盘中无目的的乱掇乱点，尤其使用像柠檬黄、粉绿、白色等含粉质较多的明亮的颜色时，更要慎重。
水粉画的颜料虽有较强的覆盖力，但有时也并不那么理想。
所以，描绘高光及其他最明亮的色彩部位时，不宜多层反复涂改，应局部留出些白地，最后再涂以适当的颜色为好。
画面大体的颜色铺好后，就可以进一步刻画每一物体的具体形象，包括这些物体的形体结构、空间透视、色彩变化、光影明暗、质地感觉等，同时注意整幅构图的虚实，色调的变化与统一。
另外因为水粉画是以色彩来塑形体的，所以每一笔颜色上去，既是色又是形，形色这样有机的结合在一起，成为构成视觉形象的最基本要素，这也是写实性绘画区别于其他类艺术表现方法的最显著的特征之一。
光照、质地是形成物色变化的外部条件和内部根源，在一特定的环境中，只需特色彩关系表现妥当，其光影气氛、质地、空间等感觉便自在其中了有关体积、空间、质感的表现规律，我们还将在以后的章节里详细叙述。
4.细节刻画
细节的刻画，应该是对画而整体关系的进一步丰富和深化，因为每个局部都是构成整体的一个组成部分。
但事实上，特别是对于初学者来说，因为局部的深入刻画而导致整体关系的破坏是屡见不鲜的，就是有相当经验的人也常常遇到这样的问题：
一张费了九牛二虎之力完成的画其整体效果有时还不如寥寥数笔的草稿。
作为训练基本功的写生练习，细节刻画是必不可少的，一张画如没有细节，就不会有表现的深度；
精彩的细节刻画，能获得画龙点睛之妙。
有的人担心影响整体效果而不敢深入局部，他们每画到一定程度就停步不前，似乎一画细节就必然影响整体，这种认识显然是片面的。
的确，细节刻画是写生画中的攻坚战，需要毅力和对全局宏观控制。
在局部细节描绘的时候，难免出现这样那样的问题，应随时注意整体效果的变化。
例如有的将局部的色彩对比夸大了或将不应该强调的过分地强调了，都可能造成整个色调的比例失调或零乱涣散。
发现问题应及时解决，特别是当一张画临近完成的时候，要再进行一次整体的调整。
把画面放置远一点观察，很容易发现有的地方画得不够，有的地方画过了，这时就可以先从最有问题的地方开始，一直修改到满意为止。
当画面实在无法收拾时，不妨在总结经验的基础上重新画一张。
只要有这种决心，总是会成功的。
5.体积的表现
素描是靠明暗变化来表现体积的，过去，在美术教学中曾经有一种训练方法：
即在画好的素描稿上罩上一层颜色，称做铅笔淡彩。
这种训练方法，常常给人一种误解：
色彩画似乎是素描加颜色，欧洲早期的油画也曾较多的使用类似方法，在明暗底子上罩染颜色。
自从19世纪印象画派出现以后，人们对光与色的变化规律有了新的理解，画家们已不满足于对固有色的表现，而是向着更新颖、更丰富的领域不断开拓。
物体给人以颜色的感觉是一种复杂的光学现象，当一种物体占有左右、上下及纵深三度空间时，构成物体表层的各个面上从不同的角度反射着各种光线，尽管每件物体在各种不同的光照环境中有着各种各样的色彩变化，但经过分析，也不难找到它的规律。
一张白纸如果展成平面，假如光照均匀，颜色变化并不显著；
如在中间折弯，白纸则产生两具朝向的面，当两个面受到不同的光照时，则表现出明显的色彩差异；
如果将一条白纸带变成弧形，其色彩的变化则随着弧形的弯曲度缓慢的变化。
由以上试验我们可以得出这样的结论：
在同一种材料的物体上，剧烈的体面转折常常形成强烈的色彩变化和对比；
缓和的转折关系则一般表现为缓和的色彩。
前者多见于方形或近似方形的物体，后者多见于圆形或类似圆形的物体。
直接受光源照射的面多受光源所含色性的影响，暗面多受环境反射光的影响。
当光
升级会员 