从纪录片浅谈固定画面的构图Word文档格式.docx
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不就是角度、距离控制着不同画面结构嘛。
构图具体化到行为，的确就这么简单的事儿了。
行为更加具化，可以细数为——横竖画面决定、距离或焦距控制、角度选择。
我说的是图片摄影。
横竖画面决定
电视摄影师唯一轻松于图片摄影师的，就是横竖画面决定了。
尽管宁浩当年也玩儿过竖着拍电影，那是刻意营造一种紧张的气氛，让剧中人显得无助，属于个案故不做详细分析。
常规中视频要么呈4：
3普通幅面，或以上下黑幕呈16：
9宽屏。
这是电视摄影师在开始拍摄前要做的第一选择。
五十年代前的电影几乎全部是4：
3的天下，战后电视产业的蓬勃发展（当然不是中国），电影除了画面大已经毫无吸引力。
为挽救票房，好莱坞电影进入宽屏时代。
在比例为1.375:
1的画格上使用Hardmatted方式或等到在电影院放映时用softmatted的方式，将图像画面以1.85:
1（宽0.825英吋，长0.446英吋）的比例作商业放映，1.85:
1被作为电影标准宽屏幕比例。
好莱坞的宽屏幕电影比例还有2.35:
1（1970年以前）和2.39:
1（1970年以后）。
简单的计算，你会得出这并不等于16：
9的长宽比例。
我要先说结果，宽荧幕的确挽救了电影，它带来了和电视不一样的视觉感受。
用同样焦距的镜头拍摄，宽荧幕相比传统也会给人更加广袤的视觉享受。
似乎它容纳了更多的画面元素。
考虑到更换拍摄、制作、播放的成本，电视仍然坚持着近乎方形的画框，直至高清来临。
高清电视的国际标准所选择16：
9并非偶然，长期误认为人眼近乎方形视觉的论调被否定，人体工程力学研究中发现两眼的视野范围即成16：
9宽长方形。
至此16：
9作新时代电视标准成为定论。
4：
3画幅（拍摄于1936年的《乱世佳人》）
16：
9画幅（裁剪实现宽屏，请对比上图）
9相比4：
3更能表现环境感
是否选择宽屏在摄像中往往是播放终端的问题，电视的屏幕决定了使用哪种幅面。
老实说现代人逐渐接受宽画幅，不再存在对4：
3的依恋，高清摄像中已没有4：
3任何事，再非多以特写构成的影片中，使用16：
9更为妥当。
多特写构成的影片，人物面部只能占宽屏的很少一部分，余下的过多环境会导致画面不够饱满，美感下降，使用标准幅面则不会出现此问题。
9不适合小景别表现
距离或焦距控制
距离或焦距的控制，决定了画面的景别。
关于景别及景别构图公式，我已在上一章中详细论述。
这里做一些常识补充。
相比距离控制景别，焦距要方便的太多，更何况在DV已经完全普及变焦镜头的时代。
构图基本靠走是定焦镜头的写照。
实际拍摄中，我建议你还是尽量使用距离实现非小景别控制。
必须要清楚远距离摄影和近距离摄影存在着画面上的巨大差异，空气中的微小粒子对被摄物反射光线的干扰造成锐度下降。
另在景深上也存在着差异，我们都知道焦距越长景深越小。
当然很多时候你需要小景深来净化画面，该点另论。
长焦的小景深
摄像的防抖要更大的表现在画面的晃动上。
特别是手持摄影中，所使用的焦距越长画面晃动愈加被放大。
尽量使用你的广角进行拍摄成了电视摄影师的口头禅。
广角并不是万能的，在小景别，如近景、特写画面的表现中，清晰度无法相对变形取得功大于过的效果。
除非你要抽象的表现被摄者。
这时选择稍远的距离，动用稍长焦距，取得小景别画面。
我以前已经回答了关于大长焦的作用——不适宜靠近拍摄的物体。
靠近导致的小景别人物变形
角度的选择
角度的选择这里得分两个范畴讨论——水平角度和垂直角度。
从字面理解起来非常容易，实现起来所依靠的也不过是体能。
有人把摄影构图描述为“选择！
再选择！
斟酌！
再斟酌！
”的咆哮体，我觉得话是没错，就是没半点用处。
为了几秒的画面，动用半天时间去每个角度检验，而且要求记忆力惊人，能记住每个角度的画面效果，最后分析哪个是最好的。
我是不具备这样的记忆，也没有这耐心，还很傲慢的觉得这世界上能比我有耐心的人应该不存在。
对于普遍的大多数，你只能先了解内幕，以形成有效捷径。
构图的目的除了明确表达重心，剩下的就是美观了（创新以后再聊）。
美是个很主观的概念，很难去具象的形容它。
速成的摄影教学中一般以民众的心理标准进行界定。
美就表现为简洁、完整、稳定、生动四个关键。
画幅长宽比和景别选择主要在于控制表达重心，而角度选择即是为了实现四词关键。
弄清楚这点，选择水平角度和垂直高度就不是那么费劲的事儿了。
简洁，就是简明扼要。
与主题无关的、不必要的景物一律撇开。
突出主体，使主题鲜明。
简洁与不简洁
简洁不是简单，画面纯一表现主体为简单，简单的画面
枯燥乏味，失去可读性
简洁仍然需要环境（有时需要陪体，如上图中的荷叶）。
完整，主体不能残缺不全，影响主题和主体的表现。
完整与不完整
稳定，是指画面景物要给观众以均衡的感觉，不会让人感到一头重、一头轻，或上重、下轻。
不稳定构图，画面左右视觉重量失衡
不稳定构图，画面上下视觉重量失衡，头重脚轻
稳定的构图
生动，是指在拍摄人物时，要抓住最能反映其性格特征、表情、动作的瞬间姿态；
拍摄某一事件必须抓住事件发展的高潮，要注意其典型性。
没有用图更能说明四词规律了，关于电视摄影中的静态取景构图，我们可以告一段落，使用运动摄影的手段补充构图是我们的下一话题。
Z摄江湖:
从纪录片谈固定画面的构图片章
我说过跟镜头会让初学摄影师丧失构图的学习动力，这还只是不提倡过多使用“跟”的其中一点。
必须承认，跟镜头相比其他所有的运动摄影，在实现成本上要更高。
摇臂、轨道、斯坦尼康、脚架都会在跟镜中作为稳定器出现，还要求摄影师本身对速度的严谨把控，即纯粹的长期练成经验。
就辅助器材、技术、经验三者来谈，初学电视摄影师练习跟镜头是不合适的。
尤其是构图惰性而影响其他拍摄手法。
从纪录片谈起在本周已经是第四次谈及了，在几次的运动摄影分析后，有必要开始基础性的构图要领。
这就得从固定画面做起。
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[详细]
文章|图片|点评|论坛注意力高度集中的单反取景
构图的中心思想——主体突出，在固定画面中实现起来并无难度。
相比单反相机的操作者苦于照片杂乱，使用LCD取景的摄影师要轻松很多。
多利用光学取景是单反的特性。
眼平取景时，摄影师注意力高度集中，以至于眼神被集中于主体，环境和陪衬在这时变得视而不见。
在谈摄影取景构图时，所提出的“扫描取景器”一说，即基于此生理特性。
使用LCD取景时，摄影师要放松的多，即使注意力集中，也是被锁定在LCD整框内，实现主体在视频中显眼，甚至都不用刻意。
那么构图对于初学电视摄影师来说，则意味着形式美感的实现，还有咱们之前提到的立体空间的塑造。
画面杂乱
LCD取景示意图
杂乱构图与简洁的构图
形式美感在画面构图中主要表现在主体位置的摆布、四边画框的切点、还有各类元素的搭配。
第三者较为复杂，也牵涉到对立体空间感的塑造，我就放到以后去详谈了。
原文地址:
主体位置的摆布在国内的教材中，都是以黄金分割法构图作为引入，甚至是全部。
我自认为这样的教育是危险的。
它的结果导致的是同题材作品，在画面形式上千篇一律。
艺术被文艺家科学分析化，这本身是好的，问题出在摘录时节选的过于片面。
黄金分割法在数千年来，一直被证明是好的构图形式，特别是地平线水平线的三分法处理。
拍摄中，摄影师要做的是经常性突破该规则。
举一个逻辑上的简单例子，看看单反相机的焦点分布，你就不难推断出，主体的位置除了画面边缘，几乎可随意处置。
当然前提是，画面简洁和形式美感分明。
形式美感对于初学摄影师，只能或者说只需要通过原始审美来判断。
文章|图片|点评|论坛
黄金分割法构图
水平线、地平线的三分法构图
单反取景器中的焦点分布
教材之所以强调黄金分割法构图，将画面的焦点（主体）置于黄金分割点上，这是有一定的历史文化原因的。
统治中国上千年的传统文化，在与民众最为密切的建筑艺术上，体现为四平八稳的布局构成。
长期所在环境和文化所致的普通中国民众，居中的形式几乎成了画面设置的条件反射。
黄金分割法作为在画面形式美学的第一课，意图打破惯性思维。
你不能否认，画面的几何中心点是整幅中最为吸引注意力的地方，但它不一定是最美的。
我要强调下“不一定”的措辞，有些时候中心点也会在视觉注意和形式美感上达到统一。
特别是在表现平静的影片中，居中构图更能显现出作者的心理用意。
形式美的居中构图
形式美的非黄金分割非居中构图
强调黄金分割法构图的用意是为打破居中的条框，不幸的是往往后果是形成了另一个法则。
你必须永远对艺术的条框持怀疑态度，它们的作用永远都是“不一定化”的。
非抓拍中，尽量改变视觉角度，不受规则制约，你能获得真正完美的主体位置。
当然这是建立在你已经确定景别的基础上。
所谓的景别，是指由于摄影机与被摄体的距离（或焦距）不同，而造成被摄体在电影画面中所呈现出的范围大小的区别。
多数文艺理论中，以远、全、中、近、特写五类划分。
景别还表现出画面四框的切点。
以人为例，远景较为模糊，人物主体多以点出现，涵环境整体；
全景以画框包含从头到脚；
中景则切腰部；
近景指胸部以上；
特写即个别器官、组织。
近年来，七分身人像开始作为一个新的景别不断被提及，指膝盖以上的人像。
景别的选择取决于表达意图，困扰摄影师的往往是画框的切点具体位置。
教条的理解景别，会形成生硬难看的画面形象，而放弃景别判断，又形成景别不分的画面格局。
结果都是破坏视觉形象。
值得高兴的是，切点的选择有既定的规则参考，在“不一定”的表现上要比主体位置的概率少很多，这套标准完全可以取代初学时的摸索，通过执行并尝试更改，以达到视觉形象的完美。
文章|图片|点评|论坛景别示意图
解释一下抽象的图谱。
公式化的来说，景别的画框切点可归纳为：
头顶给予透气的空白，按照景别从关节下放切框。
切忌关节处构图，以免造成断肢错觉。
在视觉艺术中，这往往被解释成，适当延续主体元素，以使得观众获得画框外联想。
特写则是反其道而行，截取面部局部，而将更多的置于画外，让观众以联想完整画面。
倘若特写以头顶天，下巴切框为准，画面给人的感觉将极度压抑，并产生脑门从洞中挤出的不愉快感。
远景的构图，人物在画面中已成为点、线的抽象描述，故没有任何可参考的切点条框，本着上述主体位置处理和环境所需要面积为准，寻找人物和环境的结合完美。
远景构图体现着画面的空间。
在平面的影视作品中，空间的体现反而对立体、光轴方向，有着更严格的要求。
二维画面必须能提供洞深的错觉，才能使得观众不感到平面化。
让画面更具立体感、层次感也是构图任务的主要。
对于初学电视摄影师来说，必须牢记两个方法：
选择前景；
利用纵走元素。
前景指拍摄光轴上距离镜头最近的景物，摄影师最容易犯的错误是将主体置于该处，而放弃陪体或环境作为前景。
这样的画面给人的感觉，是主体与观众交流轻松，较为直接，但立体感容易在此丧失。
选择环境陪衬物作为前景，而将被摄主体置于中景位置，镜头的近大远小特性，能使得画面的三维感极大增强。
要注意的是，摄像机的自动对焦模式往往会误将前景作为主体对焦，摄影师需要随时检查，通过设置或位置调整，实现主体聚焦。
前景的运用与画面立体感
前景的运用是最有效的立体化方法，由此也产生了滥用化。
文艺批评者认为，很多影视作品中，为了前景而去设置前景，导演的意图被发挥到令观众觉得假的程度。
这是需要注意的一个问题，新闻摄影师往往对此感到不公平。
他们进行新闻采访时，即使是固定不动，也不允许去破坏现场环境而设置前景。
对他们来说，固定机位，较好的表现立体的办法，就在于寻找纵深环境元素构图。
参见下图：
通过纵深路径表现画面立体
固定画面的电视摄影构图，和摄影构图的不同就在于，很多时候被摄物体是在运动中完成被拍，那是另一个很值得去讨论的话题。
（未完）
谈光线角度选择对摄影的影响-3
一般只有在阴天才不需要去考虑光线的水平角度。
阴天的光线自厚厚的云层散射而下，角度极不集中。
摄影上一般定义该类光线为软光。
在能满足充足曝光的亮度下，任何时间点拍摄获得的画面明暗反差都是相当的。
晴天和多云天气就完全不一样了。
如上章末所说的，当拍摄主体为人物时，采光最起码要考虑明亮的太阳是否会对被摄者的眼睛造成伤害。
即使是黄昏时分，正射的光线也会导致画面层次平淡，使用广角镜头时还容易将摄影师的影子纳入画面；
当更改为太阳于侧面时，人物会显得个性分明；
人物背对太阳时能获得很好的轮廓亮斑，但正面的亮度成了问题……
首先我要把摄影用光的水平角度分析，建立在角度计算的定义上。
为更好的描述光线与画面关系，角度定义为光线方向与镜头光轴的夹角。
这样的定义更为科学，我们总是习惯性的认为被摄者背对太阳即为逆光，而忽略了摄影师机位的选取，完全可将逆光作侧光使用。
光位图
当光线与镜头光轴呈0°
至30°
时，该角度定义为顺光。
顺光为被摄物的迎镜头面提供了充足的照明。
画面反差较小，各细节展现分明。
顺光人像
顺光风景
如果摄影只是追求详细记录，那顺光无疑是最佳的角度光。
事实上在注重记录的侦查、取证摄影运用中，它的确是用的最多。
但在创作上，顺光的意义就被极度的削弱了。
不可否认，娱乐的摄影也是一门艺术，艺术要求源于生活而高于生活。
用光让摄影变得更美和修辞让文章变得更顺一样，这点你很快会从后面的造型光效果图看出。
过于客观的影像展现在艺术上可描述为平庸，顺光的劣势绝不仅仅在此，因缺少明暗反差，阴影衬托，被摄物为人时，还可通过调度人物身姿起伏加强画面立体，若被摄物为风景时，这种平面感将很难被避免。
对被摄人物使用顺光造型还要考虑前文所提的睁眼问题。
人在强光迎面照射下，往往会像地面看，平面化的画面下就好似闭眼。
顺光并不是一无是处，得益于充足的光线照明，它对鲜艳颜色的表现是非常到位。
镜头光轴与光线成30°
至70°
角时，定义为前侧光。
光线角度稍微的移动，画面发生了很大的变化。
前侧光人像
前侧光风景
略出现的阴影增加了画面层次，亮部好似距离相机更近，暗部反之。
人物在该光位照明下要较顺光显瘦。
因迎镜头面受光较多，画面的色彩仍然很艳丽。
调子也和顺光一样高。
注：
调子指画面的明暗趋势，亮为高调，暗为低调。
前侧光的风光较顺光变化不大，但阴影的衬托恰似点睛之笔。
实际上在户外运用中，前侧光人像会和顺光人像一样出现睁眼难问题，风光摄影也需要依靠更大的角度才能获得更强的视觉效果。
随着光线与镜头光轴的角度增大，接近直角的便称之为侧光。
侧光的特征是出现明显的明暗分布，不采取暗面的补光措施（如反光板），在户外硬光下反差极大。
侧光人像
侧光风景
可以看出侧光勾勒出的人物面部有分明的明暗分割线，是光赋予画面的新造型元素。
很多时候应用它能为构图带来创新。
被摄物为人时，侧光表现出极强的个性，拍摄风景时，侧光又体现出极佳的质感。
当然要说明的是，表现出个性不是任何时候都要刻意去用。
摄影师在使用时要注意侧光形成的两面反差是否太大，是否符合情境需要。
当光线与光轴构成钝角时，我们称其为侧逆光。
达到近180°
或0°
时称为逆光。
侧逆光与逆光都是大角度光线，它们塑造的都是偏低的调子。
侧逆光
逆光
反差很大、不采取补光措施暗部细节会因曝光严重不足而丢失，即使你使用DV上的曝光补偿提高主体亮度也无济于事，那样背景会高光溢出，在画面中形成极高的灰雾度。
但很多时候，大反差对于艺术创作并不坏，极大加强画面的立体感，并拉开影像作品与现实生活的距离。
剪影就是这么形成的，通过曝光补偿减少曝光，在黄昏逆光下能轻易获得。
逆光剪影
侧逆光能获得单边的美丽轮廓，逆光的轮廓更加全面。
摄影师想保留背光面得细节时就必须要使用补光设备进行辅助照明。
反光板和照明面积大的连续光源都是不错的选择。
使用人工光源时一定要注意色温问题，多色光源造成的画面往往风格诡异，但标准色温（5500K左右）的光源在黄昏时却是不错的选择。
既保留了背景暖色调，又正确还原了前景色彩。
使用摄像机自带的led灯可进行近距离的补光，这个距离不会超过两米。
户外自然光的角度选择，依赖于摄影师调整被摄者站位及相机机位，但拍摄风光类题材就只能根据时间的等候，来选择最佳角度光线了。
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