高中美术选修课校本教材1Word文档下载推荐.docx
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第二十三讲、八大、石涛……………………………………………………………………23—25
第二十四讲、任伯年…………………………………………………………………………25
第二十五讲、齐白石…………………………………………………………………………25—26
第二十六讲、优秀传统艺术的传承与创新…………………………………………………26—27
第一讲春蚕吐丝
顾恺之是我们认识的第一个中国画家。
为什么会有这种情形呢？
难道在顾恺之以前，中国没有画家吗？
当然不是的。
只要有作品，就有画家存在。
只是古代的画家，在陶罐上、墙壁上画画。
他们画得很好，也画得很快乐，可是他们并没有把名字流传下来。
有人认为，这是因为当时的社会不重视画画的人，所以他们的名字都失传了。
也许，画画的人只要自己画得快乐就够了，并不在乎名字是否流传罢！
总之，一直要到顾恺之，我们才有了有名字的画家，也留下了他们的作品，和很多关于他们的故事。
也许因为书读得多的关系罢，顾恺之的画就和别人不一样。
他能够把一个旧的题材重新构图，用新的方法表现，他也能够根据当时人的文章，创造新的绘画。
顾恺之大概是中国绘画史上最受推崇的画家之一。
顾恺之留下的作品中，最受重视的一件是《女史箴图卷》。
“女史”指的是在宫廷里的妇女，“箴”是规劝的格言。
“女史箴”原来是西晋时代，一个叫张华的文人写的文章，用来给宫廷里的妇女阅读，使她们知道什么是妇女们应该遵守的道德。
顾恺之看了张华的文章之后，就把文章中描写的内容，一段一段画成了画，一共有十二段。
有一段是描写汉朝的女官冯婕妤。
她陪同汉元帝到花园中玩，不料一只黑熊跑出了兽槛。
在惊险的时候，冯婕妤很勇敢地挡住黑熊，保护了汉元帝。
有一段描绘一个人在镜子前梳妆。
文字却说：
人们大都只知道修饰外表，却不知道美化内在的德性。
“女史箴”是提倡道德的一卷绘画。
我们仔细看一下，可以发现，画中的线条的确像“春蚕吐丝”一样，在空中循环婉转，非常均匀而优美。
顾恺之画的女性，身材非常修长，裙子的下摆比较宽，使每一个人物的造型都很稳定。
这些画里的人，和我们在前面的壁画中见到的人物不一样。
女史箴中的人物大都是宫廷贵族，衣服都很宽大华丽，身上有许多装饰用的飘带，给人一种高贵端庄的感觉。
顾恺之另外一张以文章为依据的作品，就是《洛神赋图》。
“洛神赋”原来是曹操的儿子——曹植的一篇文章，描写他在洛水河边，看到美丽女神的景象。
“洛神赋”写得非常美，把人们幻想中的女神，用文字形容得十分令人向往。
顾恺之就以这篇中国的文字名著为依据，用绘画来表现了。
慢慢展开这张画，可以看到曹植和他的侍从站在洛水岸边，远处河面上的女神正凌波而来。
女神驾着六龙拉动的车子，四周有旗帜飘扬。
最后是曹植乘坐华丽的大船，在洛水上寻找洛神。
这篇有名的文学名著，由顾恺之用具体而形象化的方法画了出来，使文学上的想像，转变成美术绘画上的形象。
顾恺之启发我们：
当我们阅读一首诗或一篇文学作品之后，也可以把文字中的感受用绘画表达出来。
顾恺之好像对画女性的角色特别有兴趣，“女史箴”和“列女传”都是以女性的美为主题，不仅希望描绘女性外在形体的美、表情上的美，更希望能借此传达出女性内在品德上的美。
因此，他的绘画可以说是以有教养的女性为题材的。
古代的中国人常常用绘画来歌颂有道德，有功勋的人。
他们相信：
为这些有品德的圣贤，有功业的帝王、将军画像，可以借着这些人像，影响一般的人，使一般的人看了这些图画，不知不觉地效法圣贤的行为，成为对社会有贡献的人。
顾恺之生存的时代，恰好就是这种观念流行的时代。
所以，他的《女史箴图》、《列女传图》，都是有教育意义的。
你相信常常看一个伟人的画像，也会影响你的行为吗？
在生活中，有没有你特别佩服的人？
：
中国人把自己佩服的人称为“偶像”。
你愿意为你的“偶像”画一张像吗？
或者，你愿意用顾恺之的方法，把一篇你喜欢的故事改画成绘画吗？
第二讲吴带当风
人们说吴道子的出现，是中国人物画史上光辉的一页。
吴道子，生活于盛唐时期，约生于7世纪90年代，卒于785年以后，是古代最富盛名的画家之一，被誉为“画圣”。
曾学习著名书法家张旭，贺知章的草书，后改学画。
吴道子原本是唐玄宗时代，一个替寺庙画壁画的画工。
他在长安、洛阳所画的壁画，一共有三百多幅。
吴道子因为画得好，名声传进了宫廷，就被皇帝召进宫，让他做了官，要他替宫廷画一些历史画。
吴道子因为原本是民间画家，所以表现的技法比较自由，不像宫廷画家那么小心翼翼。
他在寺庙墙壁上画的，多半是有教育意义的宗教画。
画中人物都用线条勾勒，线条非常生动有力。
在很大的壁画上，几尺长的线条，好像被风吹动，在空中飞扬一般。
所以，一般人称吴道子画的线条是“吴带当风”。
“吴带当风”和“春蚕吐丝”的差别在哪里呢？
“春蚕吐丝”表现比较均匀、缓慢的节奏；
可是，“吴带当风”似乎具有狂风暴雨的速度，气势很大。
吴道子的《送子天王图》，现在看到的摹本，但是，也可以看到画面上都是飞动的线条。
每一根线条都有几次转折变化，的确像被风翻动的衣带。
其实，在敦煌壁画中，我们也可以看到具有吴道子风格的作品。
例如，一○三窟的“维摩居士”，完全用白描线条勾画。
一层一层的衣纹，全是流畅的线条。
这都是“吴带当风”的影响罢。
第三、四讲丰满唐风
胖美女在唐代最盛行。
这个时期的人们认为妇女以胖为美，越胖越美。
仕女画中的美女个个都有肥硕丰满而健康的体形。
张萱，盛唐画家，曾为画直，实即宫廷画家。
擅长人物画，尤工仕女题材，常以宫廷游宴为题作画，题材有贵公子，鞍马，宫苑等。
张萱的有另一件名作《捣练图》。
现在保存在美国波士顿博物馆的一卷，就是宋代大画家宋徽宗赵佶的临本。
《《捣练图》是描写宫廷妇女整理丝布的情形。
卷首的部分是四个妇女，手中拿着木杵，正在一个大槽中捣丝。
她们的服装非常华丽，衣裙上都用金线勾描出很细致的花纹。
头发梳成高髻，插着很多镶了珠宝的饰物。
中段是两个妇女对坐，正在缫丝或缝纫。
旁边有一个女仆，用扇子煽火炉。
炉中有燃烧的木炭，火势很旺。
由炉火带出了第三段的画面：
两个妇女拉着一匹线布；
中央一个妇女，手上拿着熨斗，熨斗中装了烧红的炭，正在利用熨斗的热，熨平丝布。
旁边有一个侍仆背对画面。
另有一个无事可做的小孩子，在丝布上钻来钻去。
这幅《捣练图》，表达了唐代宫廷仕女的家庭生活。
十几个人物，分成三段，活泼地传达了工作的程序，也描绘了唐代宫廷仕女的服装，颜色雅致，图样精细。
像《捣练图》这样的宫廷仕女图，用的颜料非常讲究，多半是用矿石磨成粉做成的。
这种颜料，经过了一千年，色泽还是非常艳丽，并不褪色。
张萱之后，唐代另一位画仕女图出名的画家是周昉。
周昉的年代要比张萱晚一些。
经过了安史之乱，唐朝已由初唐、盛唐、转入中唐，国势也衰微了。
周昉有名的《簪花仕女图》，描写的是宫廷妇女悠闲的生活。
图画开始一段，画的是两名妇女相对而立。
其中一名，手中拿着指尘，正在逗弄一只小狗。
她们的头发梳得很高，这是唐朝流行的发式。
头发上还戴了一朵很大的花。
她们的衣服是很薄的丝绸，半透明的外衣下，还可以看见底下衣裙的花纹。
这都表现了唐代画家高超的技巧。
第二段是一个衣着华丽的妇人在庭园中间逛，手中拈着一朵红花。
她的前面有一只鹤，后面跟着一名手持纨扇的宫女。
最后一段是两名妇女和一只小狗，走到花朵盛开的庭园中游玩。
另外还有一名妇女，手中拈着一只蝴蝶。
这一幅《簪花仕女图》是最典型的唐代宫廷仕女绘画。
这幅画，色彩十分艳丽，画面中充满宫廷的宝贵和悠闲气氛。
许多人觉得这张画中的仕女很像电影中看到的日本女人。
其实，那是日本受到唐朝仕女服装和化妆术的影响，后来一直保留下来的缘故。
改变的，反倒是中国妇女自己了。
例如画中妇女的眉毛，画法很特别，叫做“蛾眉”。
这种化妆的方法，直到今天，仍然深深地影响了日本女性。
这一类宫廷仕女图，在唐代形成一种绘画风尚，自然也影响到了民间。
我们在敦煌发现的帛画上，也看到一些仕女画，风格技法和周昉《簪花仕女图》中所画的仕女，非常相似。
第五讲韩滉爱牛
唐代有很多画马的画家，画牛的画家却不多。
韩滉画的《五牛图》是其中有名的一幅。
画马和画牛很不一样。
马的个性刚烈，速度很快，反应也比较灵敏，所以画马的画家，多半喜欢捕捉马的矫健特性，表现马的奔跑或嘶叫。
可是牛的个性，几乎和马完全相反。
牛的行动迟缓，有勤劳、忍耐和顺从的天性，反应也比较慢。
在韩滉的《五牛图》中，第一头牛是大黄牛，从右向左行进。
它身驱庞大，步伐缓慢，脸上露出温和可爱的表情。
第二头牛身上有黑白斑。
它昂首向前行进。
第三头牛最有趣，牛头意外地转向画面，像是要和我们打招呼一样。
正面的动物很难画。
韩滉把牛的臀部画得比较高，表示出身体的长度。
你如果要画一只正面的猫，你会怎么画呢？
再说第四头牛。
它虽然继续向前行进，却回过头来，并且还伸出红色的舌头，表情很好玩。
它脖子下的皮很多，一层一层的，都被韩滉画了出来。
第五头牛是最后一头。
它有点不高兴的样子。
有人说，它是因为被人类装上了鼻环和笼头，行动受人控制，不再是一头自由自在的牛，所以表示出不高兴的样子。
你可以比较一下：
韩滉的《五牛图》所用的线条比较粗，这种粗重的线条，使画面产生一种缓慢的感觉，像牛；
再看韩滉的《照夜白》，线条速度比较快，很能表现马的灵活矫健。
如果你要画家里养的猫，你会用哪一种线条呢？
第六讲诗与画
“诗是无形的画，画是有形的诗”，大诗人变成了大画家。
你听过唐朝有一个大诗人叫王维吗？
他的诗非常有名，一直到现在还被人传诵。
可是，他不只是诗有名；
他的画，在中国绘画史上，也有很大的影响力呢！
王维（701~761），字摩诘，著名诗人。
晚年隐居蓝田辋川别墅，以琴诗绘画自娱。
苏轼评价他的作品称“味摩诘之诗，诗中有画；
观摩诘之画，画中有诗。
”王维以诗入画，创造出简淡抒情的意境。
特别是他首先采用“破墨”山水的技法，大大发展了山水画的笔墨意境，对山水画的变革做出了很大的贡献。
王维是一个文人，读过很多书、诗和文章，文笔非常好。
他做过官，可是后来不喜欢政治，不喜欢宫廷的生活，就到山里去隐居，过很淡泊自在的日子。
王维画过《伏生授经图》，描写一个中国古代用功读书的老先生，不断努力把古人的学问、知识传授给后人。
画面上一个骨瘦如柴的老人，盘膝坐在蒲团上，靠着几案，右手拿着一卷书，左手正在指点，好像老师对学生讲书。
案上有笔、砚等文具，地上还有一大卷书。
老先生那么老，看起来又瘦又丑，也没有华丽的衣服。
可是，王维觉得，画画并不是要炫耀美丽的色彩，也不是一定要去画帝王的尊贵和宫廷仕女的艳丽。
他觉得，一个努力读书的人，一个努力教书的老师，也可以是很多的绘画题材。
你也可以试试看，在不同年龄，不同身分，不同职业的人身上，发现他们独特的美。
一般来说，王维是中国“文人画”的鼻祖。
“文人画”就是读书人画的画。
这种画，不用太多颜色，不像宫廷画那么艳丽。
他们用的主要是墨，所以画面看起来很淡雅。
苏东坡说王维“画中有诗，诗中有画”。
也就是说：
因为王维本身是诗人，读过很多书，所以他的画中富有诗意，境界很高。
王维晚年隐居在陕西蓝田的辋川，写了很多歌咏山水的诗。
“行到水穷处，坐看云起时”，这两句诗，就仿佛一张画。
他的山水画影响也很大：
用淡墨画山水，使得以后一千年间，画山间多用水墨，而不用青绿了。
第七、八讲峻险山水画意浓
传说是五代一个叫荆浩的画家的《匡庐图》，就是这种大山垂直陡立的代表。
荆浩，字浩然，河南沁阳人，是一位博通经史的士大夫。
唐末社会动乱，他隐居于太行山中，自号洪谷子。
他长期接触北方雄伟的自然山川，有着较深的认识和感受，笔下的山水大都是崇山峻岭，气势宏伟而壮观。
大山，大水，巍峨，高远，楼阁掩映，飞瀑流泉，在五代画家荆浩的传世名作《匡庐图》（如右图）前，无法不让人惊讶于描绘的精到和磅礴的气势，图中虽表现江南庐山，却没有江南山川的柔媚之气，而是以雄奇的笔力描绘出了北方山水的神韵。
披图幽对，只见雕梁画阁，精彩飞扬；
大山阔水，气度泱泱，山峰重峦叠嶂，壁立千仞，水泊苍苍茫茫，深远辽阔，是典型的“全景山水”样式。
这种大气又不失精微的画面效果，一方面是因为画家具有“忘笔墨而有真景”的胸襟，另一方面是画家通过“远取其势、近取其质”的表现方法来得到的。
画家巧妙的安排下：
画，上留天，下留地，近处写水、舟船、行人，山脚画楼阁，山中作古寺，册顶多置松树、密林，向上画幅的中间，危峰重叠，以湍急的飞瀑反衬山峰的高大险峻。
以大面积的描绘取其气势。
右面山中、水边各有一条山中小道，曲折蜿蜒深入峰后，逐渐将景致推向远方，峰入云中，水与天接。
山为主体，水为映衬，一边密集，一边空疏，层次分明。
山石圆中带方，以刮铁皴法画出，局部刻画强调了山石的质感。
荆浩因为逃避战争，所以就隐居在山西的太行山里。
他画画非常用功，常常带了纸笔，在山里写生，一次一次地观察，把山的各种神貌都捕捉到，回家以后，再依着写生的画稿来创作。
我们可以看出来，五代以后，山水画已经和唐代的青绿山水很不一样了。
唐代的山水画多半用线条勾勒，勾出山的轮廊。
可是五代的山水画，岩石的部分，除了轮廊以外，还有用毛笔慢慢擦出的一些阴影，使岩石看起来的有粗糙的表面纹理。
这种画法，使山石看起来更厚重，更有体积的感觉。
这种用比较干的毛笔，在岩石上做出的纹理，就叫做“皴”。
“皴”是皱纹的意思。
后来中国画山水的画家，都用到“皴”。
荆浩有一个学生叫关仝，住在陕西一带，他刻苦认真地揣摩专研荆浩的艺术，终于青出于蓝。
他多描绘关陕一带山水，写景绘形更为概括提炼，笔简气壮，景少意长，予人以深刻印象。
关仝善画秋山，寒林，村居，野渡等景。
使人看后身临其境，有着很强的艺术感染力。
宋人认为他的山水画具有“石体坚凝，杂木丰茂，台阁古雅，人物幽闲”的特色，被称为“关家山水”。
他也画高峻的山脉。
北方比较寒冷，所以他画的树木，也大多是枯树，很少画树叶。
中国绘画史上，一直到唐末五代，都是人物画居于首位的，自荆浩之后，真正把山水画推向了中国画的首位并使之成为中国画的主干。
所以，荆浩的山水画是前无古人的，他开创了北方山水画派，他的山水画也标志着中国山水画的成熟。
第九、十讲南国山水情
我们刚才提到，山水风景会影响到画家的风格。
在北方的荆浩和关仝，都以画高峻的大山出名，岩石也比较方正坚硬。
可是南方的画家就很不一样。
江南河流很多，地势也比较平缓；
气候温暖，草木也很茂盛。
因此，五代时的南方画家，像董源，画出来的山，多半是圆圆的土坡，很少陡直的感觉，也没有坚硬的石块。
土壤肥厚，树木茂密，水气氤氲，就是南方董源绘画的特色了。
董源，字叔达，钟陵（今江苏南京）人。
在南唐任北苑副使，能作山水，人物，龙水，但尤以画山水著称。
他生于山明水秀的南方，“多写江南真山，不为奇峭之笔”。
他的《潇湘图》，画的土山就是标准的江南风景。
画面有很多水平的沙洲，沙洲上有芦苇。
江面宽阔，有船只来往，岸上还有人送行。
董源为了要表现平缓的土坡，所以常用向两边斜披的皴法，被称为“披麻皴”。
董源的学生巨然，是一个和尚，他也用“披麻皴”画画。
他的《秋山问道图》（如右图），画的虽然是直立的大山，但是仍然由土坡构成，而每一个土坡里的纹理都是用“披麻皴”。
这一段时间，北方的荆浩、关仝，南方的董源、巨然，都开创了中国山水水墨画的技法，成为后来很多画家的学习对象。
因此，有人就把这四个人的姓连起来，称为“荆、关、董、巨”，表示五代山水的重要。
我们发现，那个时期，山水画大概也都还画人物，只是画得很小，不容易发现而已。
后来，中国的画家越来越觉得大自然太伟大了，人真是很渺小。
因此，在山水画里，人物的比例也越来越小。
到了元朝，山水画里甚至连人都不画了呢！
第十一讲生活既真实
顾闳中，江南人，五代时南唐画院待诏。
他绘制的《韩熙载夜宴图》，构图严谨精妙，人物造型透逸生动，线条遒劲流畅，色彩明丽典雅，在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物的风貌。
五代十国（公元907—960年），在中国历史上是一个动荡、分裂的年代，而在绘画艺术上却是一个承前启后的重要时期。
对意境的追求和对情趣的探索，使山水画与花鸟画得到新的发展，预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。
五代人物画也更为精进，融汇了秦汉的纯朴豪放，魏晋的隽永含蓄，逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。
然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能，要求生动地再现实的事件和人物，在客观上直接促进了写实技巧的发展。
从古代人物画中，我们不仅可以了解一些历史事件，还可以通过那些或浓丽丰腴、或柔淑温婉的生动形象了解那个时代的面貌和人们的精神境界。
据《宣和画谱》记载，《韩熙载夜宴图》是顾闳中奉南唐后主李煜之命，夜至韩熙载的宅第窥其夜宴的情景而作的。
画中的主要人物南唐中书舍人韩熙载，出身北方豪族，避难来到南唐，李后主欲命其为宰相，而韩熙载见国事日非，不愿担当此任，遂终日纵情声色，与宾客作长夜之饮，画中的其他人物也大多真有其人，如状元朗粲、和尚德明等，都是韩常的常客。
画卷里，韩熙载虽放浪形骸，但始终双眉紧锁，难掩忧心忡忡。
桌案都比较低矮，正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期，琵琶箫鼓、秀墩床榻，室内的陈设器物无不体现了时代的特点。
现实主义的题材要求画家深入地观察生活，捕捉生活细节，目识心记，悉心体会，然后艺术地再现，把自然形态上升为艺术形态。
画家对人物的刻画尤为深入，以形写神，显示出高超的艺术水平。
五代人物画中肖像画的技巧前所未有地发展，顾闳中就是一位著名的肖像画家。
古代称肖像画为“写真”，“真”就是指对象技巧，对创作人物画来说自然是得心应手。
通过对不同对象的形体姿态、目光手势的相应描绘，画中人物有的弹奏舞蹈，有的按拍欣赏，情态生动。
而对主人公刻意描绘，曲尽神形。
韩熙载形体高大轩昂，长髯，戴高巾，从倚栏倾听，到挥锤击鼓，直到曲终人散，各个不同的场合始终眉峰双锁，若有所思，沉郁寡欢，与夜宴歌舞戏乐的场面形成鲜明对比，表现了韩熙载复杂的内心世界，刻画了人物特殊的个性，十分传神，由此深化了《夜宴图》的内涵。
无论是设色还是用笔，《夜宴图》的表现技法堪称精湛娴熟。
古人善用矿物质颜料作画，历经岁月的磨砺依然璀璨夺目。
《夜宴图》多处采用了绯红、朱吵、石青、石绿等色，对比强烈，而整个画卷统一在墨色丰富的层次变化中，色墨相映，神采动人。
古人作画，专尚用笔，在准确地把握了对象的形体特征以后，用笔除了勾画出对象的外在轮廓之外，同时具有表达对象本质的要求，线是一个独立的艺术元素，在东方绘画中具有独特的审美意味。
用笔的变化概括起来说是“轻重疾徐，偏正曲直”八个字，实践起来却是千变万化，全凭画家妙悟，自然灵变。
《夜宴图》用笔挺拔劲秀，线条流转自如，铁线描与游丝描结合的圆笔长线中，时见方笔顿挫，颇有韵味。
人物衣纹组合丰富有变化，须发的勾画“毛根出肉，力健有余”，画尽意在，塑造了富有生命活力的艺术形象。
第十二讲虫草也传情
黄筌（？
~965年），字要叔，成都人。
曾随唐末入蜀的著名画家刁光胤学画。
他擅长花竹翎毛，亦能画佛道、人物、山水，是一位技艺全面的画家。
17岁他即为宫廷画家，历经王氏、孟氏两朝，主持画院直至宋灭西蜀为止，历时四十余年，受到统治者的欣赏。
西蜀宫殿壁屏风大都出于黄筌父子之手，他们的画卷还被作为与其他政权间交聘的礼物。
黄筌继承唐代花鸟画传统，所画多为宫廷中的奇禽名花，以极细的线条勾勒配以柔丽的赋色，线色相溶，几不见勾勒墨迹，情态生动逼真。
五代以后，一方面，有画家去画非常高大雄伟的山水画；
另一方面，也有画家去画非常细致的花鸟、草虫。
你想想看，一幅大山水画，里面有巨大的山脉、河流，有大树、房屋和人物，真是复杂得不得了。
可是，如果你很专心地去看一只小鸟，看它的喙，它小小的眼睛，它身上色彩艳丽的羽毛，它有脚爪，会发现那也是一个复杂的世界呢！
山水画很大，好像要把宇宙世界都画进去。
花鸟草虫的画很小，却也同样画出大自然的复杂性。
黄筌留下一张写生的画稿。
画中有各种鸟，有停止的鸟，有飞翔的，有低头吃东西的鸟，姿态都不一样。
他也画了各种乌龟，画了天牛、蝗虫、蝉、蜜蜂、果蝇……等。
这些昆虫那么小，我们从来就不曾注意，黄筌却很认真地观察它们。
黄筌的这幅写生画稿，看起来像是科学家的生物研究报告，有一种科学的精神在里面。
我们如果是住在城市里，看大山大河的机会比较少，不妨用黄筌的办法，在家中养一些小动物，拿它们做写生的对象。
它们也会使你觉得：
即使在一个小小的昆虫身上，也有很多的东西好观察的！
黄筌的花鸟草虫画，在宋朝非常流行，也变成中国绘画中很重要的一种题材。
第十三讲与山传神
范宽，字中立，华原（今陕西耀县）人，活动于北宋早期，仁宗天圣年间（1023~1031）尚在，为人处世宽厚疏放。
他画山水初学荆浩及李成已甚精妙，既而领悟到“前人之法，未尝不近取诸物，吾与其师于人者，未若师诸物也。
吾与其师于物者，未若师诸心。
”于是，范宽深入自然山川，长期居留于太华、终南诸
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