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导演还要按照制片部门安排的摄制计划，领导现场拍摄和各项后期工作，直到影片全部摄制完成为止。
一部影片的质量，在很大程度上决定于导演的素质与修养；
一部影片的风格，也往往体现了导演的艺术风格。
什么是导演中心？
导演中心指导演在一部影片的摄制过程中所处的核心地位。
导演中心为电影创作与生产的特点和规律所决定。
电影是综合艺术，只有经过导演的集中和再创作，使各门艺术成为创造银幕形象的基本元素，才能充分调动各创作部门的创造性，运用各种艺术要素，拍摄出一部完整的影片。
什么是电影歌曲？
电影歌曲指作曲家专为电影创作的歌曲。
根据歌曲对影片内容概括范围的大小、和在影片艺术结构中所起的整体作用或局部作用，电影歌曲分为主题歌和插曲。
由于电影的题材、体裁、风格、样式不同，电影歌曲有群众歌曲、民歌、艺术歌曲、通俗歌曲等各种风格。
什么是电影节？
电影节如何分类？
电影节是电影展映、观摩、交流活动的一种形式。
多由国家、地方、社团或个人定期举办，并常同时组织评奖、学术讨论和营业交流等。
具有一定的政治宣传和商业宣传作用。
国际性电影节一般邀请各国电影界著名人士参加，有竞赛性和非竞赛性两种。
自1932年意大利举办威尼斯国际电影节起，至今世界上已举办各种名目的国际电影节三百余个，大致有三种类型：
（１）综合性国际电影节，规模较大，世界各地各种类型的影片一般都能参加展映或竞赛，如戛纳国际电影节、卡罗维发利国际电影节；
（２）地区性国际电影节，只限于某个地区或某些国家摄制的影片参加展映竞赛，如亚洲国际电影节；
（３）专业性国际电影节，规模较小，一般只展映某一专业题材或某一片种的影片，如上海国际动画电影节。
什么是电影明星？
电影明星是由于在表演艺术方面取得一定成就而在观众中具有某种影响的电影演员。
电影明星一词始于无声片时期，好莱坞的创始者之一阿道尔夫·
楚克尔创建的“名演员公司”，选用优秀电影演员拍摄影片大获成功后，电影明星之称便开始盛行，并在世界影坛沿用至今。
美国等西方国家制片人创用“电影明星”，是为了在观众中制造崇拜的偶像，从而谋取更高的票房价值。
什么是电影文学剧？
电影文学剧是一种运用电影思维创造银幕形象的文学样式。
是电影剧作者根据自己对生活的感受、认识和理解进行艺术构思，并按照电影表现手法（包括场景、环境、人物形象、行为、动作、说白、音响及其他细节）通过文字描述以表达自己对未来影片设想的作品。
电影文学剧本主要为拍摄影片而写作，因此它必然受到电影特性的制约，必须符合电影艺术的基本规律和要求；
它所创造的形象虽然以文字为媒介，但必须能够通过影片的摄制，以电影的各种艺术技术手段在银幕上体现出来。
它的独特的美学特征首先是由电影艺术本性所决定的，这就是：
①富于造型表现力和鲜明的动作性；
②形象的画面感和声音元素的有机结合；
③时空自由转换中体现的蒙太奇效果。
同时，电影文学剧本必须具备文学价值，在人物形象的塑造、思想内容的表达以及语言文字的运用方面，可以作为独立的文学作品为读者阅读和欣赏。
电影文学剧本是影片摄制的基础，其审美价值是未来影片总的艺术价值的重要前提，是影片导演和摄制组进行再创作的依据。
电影文学剧本的类别就来源而言，可分为根据生活素材直接创作的和根据其他文艺形式（小说、戏剧等）改编的；
就结构形式而言，可分为戏剧式、小说式、散文式、哲理式、心理式等。
什么是电影音乐？
电影音乐如何分类？
电影音乐泛指电影中所用的一切音乐和歌曲，也专指作曲家为影片创作的音乐和歌曲。
电影音乐是电影的重要有机组成部分，是音乐艺术的一种新的体裁。
作为听觉艺术和时间艺术，音乐进入电影综合艺术之后本质不变，其要素仍是旋律、和声、节奏和色彩，但电影音乐创作的艺术构思、艺术结构和音乐形象的体现，都受影片的艺术总构思、总结构和画面视觉形象的制约，有时，音乐的听觉形象还要与语言、音响效果的听觉形象相结合。
音乐在电影中的美学功能大体上包括：
（１）抒情性。
音乐是最长于表现情感的艺术，在电影中能够充分发挥抒发感情的功能，从而深入揭示剧中人物的内心世界。
（２）戏剧性。
交响音乐的创作经验，有助于表现影片的戏剧性矛盾冲突，烘托戏剧高潮。
（３）气氛性。
音乐能有У靥逑钟捌氖贝铡⒒肪称铡⒄秸铡⒖植榔铡⒚尉郴蚧镁称盏鹊取?
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在无声电影时期，音乐从头至尾不断，但是只起伴奏的作用。
进入有声电影时期，影片中的听觉形象除音乐之外，增加了语言和音响效果，使音乐在电影综合艺术中得到了解放，开始能够更符合音乐艺术规律地、合理地使用音乐。
电影音乐的曲式，也改变为分段陈述。
音乐在电影中美学功能的发挥，必须与画面视觉形象相结合。
由于影片的题材内容、体裁形式丰富多样，在音画结合上也各有特色，大体上可以归纳为两大类：
（１）音画统一，包括音画同步和音画平行。
音乐形象和画面形象互为补充，相得益彰。
（２）音画矛盾，包括音画对比。
音乐形象和画面形象各自独立发挥作用，推动戏剧性矛盾冲突的展开。
什么是电影语言？
电影艺术在传达和交流信息中所使用的各种特殊媒介、方式和手段的统称。
即电影用以认识和反映客观世界、传递思想感情的特殊艺术语言。
电影语言以现代科学技术提供的一定的物质条件为基础，它的演进与电影技术的进步有密切联系。
与一般语言不同，电影语言是一种直接诉诸观众的视听感官，以直观的、具体的、鲜明的形象传达含义的艺术语言，具有强烈的艺术感染力。
银幕画面是电影语言的基本元素，参与画面形象创造的表演、场景、照明、色彩、化装、服装等都在构成特殊的电影语汇方面起了重要作用。
由摄影机的运动和不同镜头的组接（剪辑）所产生的蒙太奇不仅形成了银幕形象的构成法则，也完善了电影语言的独特语法修辞规律。
说白、音响、音乐以其自身并以新的蒙太奇方法——“音响蒙太奇”和“声画蒙太奇”——丰富了电影语言。
电影语言的章法，是影片内容的组织和构造的特殊法则，一般由若干场面和段落按照蒙太奇规则相互交织构成，按其时间空间关系安排可分为客观现实结构和主观心理结构两种类型，其结构形式可分为时空顺序、时空交错、单线结构、复线或多线对比结构、多侧面多视角立体网络式结构等。
什么是电影院线？
电影院线简称“院线”。
电影放映行业一种具有垄断性的经营体制。
经营者为发展和保护其经营利益，在某些城市或地区，掌握相当数量的电影院，建立放映网络，借以垄断某国或某一电影制片公司新版影片的公映。
中国最早出现的电影院线，是本世纪初至20年代中期，由西班牙电影商人雷玛斯在上海建立的，由虹口、夏令配克、维多利亚等七家电影院组成的电影院线；
其后中国影戏院公司在平、津、沪等地也建成相当规模的电影院线；
20年代初中国电影资本家罗明佑在华北、东北建立电影院线；
30年代，天一影片公司企业家邵氏兄弟在新加坡、马来西亚等地组建南洋电影院线。
现在港台等地仍有些电影发行放映商采用电影院线体制。
什么是电影作曲？
电影音乐的创作者。
作曲家为电影创作乐曲，首先研究电影文学剧本和导演的分镜头剧本，从而了解影片的主题思想、人物性格、戏剧冲突和高潮，以及时代特征、地方特征等。
经与导演共同研究，确定影片的音乐段落、具体内容和关于音画结合的艺术处理，然后根据样片的画面形象和导演的艺术风格、美学趣味以及演员的表演，处理音乐与画面，音乐与语言、音响的关系。
由于电影音乐必须通过录音录制在胶片上，所以作曲家熟悉录音技术、与录音师密切合作，对提高电影音乐的质量十分重要。
什么是定格？
定格是电影镜头运用的技巧手法之一。
其表现为银幕上映出的活动影像骤然停止而成为静止画面（呆照）。
定格是动作的刹那间“凝结”，显示宛若雕塑的静态美，用以突出或渲染某一场面、某种神态、某个细节等。
具体制作方法是，选取所摄镜头中的某一格画面，通过印片机重复印片，使这一停止画面延伸到所需长度。
根据镜头剪辑的需要，定格处理可由动（活动画面）到静（定格画面），也可由静（定格画面）到动（活动画面）；
也有的在影片结尾时，用定格表明故事结束，或借此点题，以便给观众留有回味。
什么是动画片？
动画片是用图画表现电影艺术形象的一种美术影片。
曾沿称“卡通片”。
摄制时采用逐格摄影的方法，将人工绘制的许多张有连贯性动作的画面，依次拍摄下来。
连续放映时，在银幕上产生活动的影像。
这种影片可以展示形体的任意变化，动物、景物、器物的拟人活动，充分发挥真人实物所难以表达的想像、夸张的幻想。
什么是动作衔接？
动作衔接是使影片主体动作具有连贯性的剪接方法。
包括人物形体动作、镜头动作和景物动作三个方面。
人物形体动作以动作变换瞬间的转折处为剪接点，运用分解法或增减法，使上一个镜头与下一个镜头的转换连接具有连续性而无跳跃感；
镜头动作指推、拉、摇、移、跟、升、降等运动性镜头的剪接，一般以动接动，以静接静的方法，使上下镜头动作有机结合，连贯流畅；
景物动作指自然界景物在镜头中的动作，诸如行驶中的轮船、火车，日出月落，风云变幻等等，一般都根据影片内容、情节和人物情绪选择最佳的剪接点，以取得情景交融的艺术效果。
什么是多机拍摄？
多机拍摄是使用两台或两台以上摄影机，对同一场面同时作多角度、多方位的拍摄。
例如某些场景规模宏大，出场群众演员众多，而且场面调度复杂，为使拍摄一次成功，并提高拍摄效率，一般都采取多机拍摄的方法。
安排多机拍摄，以其中一、二台摄影机为主，拍摄大远景或表现主角的场面，其余摄影机则作为辅助，拍摄该场面中某些相应部分。
多机拍摄有一次完成的优点，但也给现场拍摄工作，诸如布光、同期录音，以及各个摄影小组的隐蔽等带来一定的难度。
同时，胶片的消耗量也较大。
什么是多银幕电影？
多银幕电影是以特制放映机在多块银幕上同时映出不同画面的电影。
观众在观看主要画面的同时，还能在其他银幕上看到有关细节。
多银幕电影可以丰富影片内容，加深观众对影片的感受和理解。
什么是分镜头剧本？
分镜头剧本又称“导演剧本”。
将影片的文学内容分切成一系列可以摄制的镜头，以供现场拍摄使用的工作剧本。
由导演根据文学剧本提供的思想与形象，经过总体构思，将未来影片中准备塑造的声画结合的银幕形象，通过分镜头的方式予以体现。
导演以人们的视觉特点为依据划分镜头，将剧本中的生活场景、人物行为及人物关系具体化、形象化，体现剧本的主题思想，并赋予影片以独特的艺术风格。
分镜头剧本是导演为影片设计的施工蓝图，也是影片摄制组各部门理解导演的具体要求，统一创作思想，制订拍摄日程计划和测定影片摄制成本的依据。
分镜头剧本大多采用表格形式，格式不一，有详有略。
一般设有镜号、景别、摄法、长度、内容、音响、音乐等栏目。
表格中的“摄法”是指镜头的角度和运动；
“内容”是指画面中人物的动作和对话，有时也把动作和对话分开，列为两项。
在每个段落之前，还注有场景，即剧情发生的地点和时间；
段落之间，标有镜头组接的技巧。
有些比较详细的分镜头剧本，还附有画面设计草图和艺术处理说明等。
什么是风景片？
风景片亦称“风光片”、“风景速写片”。
专题介绍风景、地理、名胜古迹的一种影片。
除以优美画面展示风景外，也有普及历史、地理，以及考古学、气象学等科学知识的作用。
早期风景片多为纪录性，近年也有以故事情节加以贯串的。
随着世界旅游事业的兴起，风景片也有导游的作用。
中国第一部风景片系商务印书馆活动影片部1919年摄制的《西湖风景》。
什么是歌舞片？
歌舞片是纪录歌剧演出或根据歌剧改编的影片。
多由歌唱演员担任主要角色。
主要依靠歌唱刻画人物、展开情节。
30年代在西方曾风行一时，中国大陆从50年代开始摄制歌剧片，较著名的有《白毛女》、《刘三姐》和《江姐》等。
蒙 太 奇（MONTAGE）
来自法语，原义为建筑学上的构成，装配，借用到电影艺术中有组接，构成之意。
在电影创作中，根据主题的需要，情节的发展，观众注意力和关心的程度，将全片所要表现的内容分解为不同的段落，场面，镜头，分别进行处理和拍摄。
然后再根据原定的创作构思，运用艺术技巧，将这些镜头，场面，段落，合乎逻辑地，富于节奏地重新组合，使之通过形象间相辅相成和相反相成的关系,相互作用，产生连贯，对比，呼应，联想，悬念等效果，构成一个联绵不断的有机的艺术整体＿＿＿一部完整地反映生活，表达思想,条理贯通，生动感人的影片。
这种构成一部完整影片的独特的表现方法称为蒙太奇。
在蒙太奇的产生和发展中，英国导演斯密士，美国导演鲍特，格理菲斯，苏联导演库里肖夫，维尔托夫，爱森斯坦和普多夫金等人起过特殊的作用。
尤以爱森斯坦和普多夫金贡献卓著，他们总结了前人和自己的创作经验，不断研究，探索实践，不仅丰富和发展了蒙太奇技巧，还创立了蒙太奇理论，提出了蒙太奇是电影艺术的独特的形象思维方法，并且将它与辩证思维直接联系起来，使它上升到美学和哲学的高度。
镜 头
一、景别镜头
景 别
为了让人们在银幕上看到想要看的表现对象不同的距离、不同角度的形态，就产生了镜头的不同景别。
景别主要是指摄影机同被摄对象间的距离的远近，而造成画面上形象的大小。
景别的大小也同摄影镜头的焦距有关。
焦距变动，视距相应发生远近的变化，取景范围也就发生大小的变化。
景别的运用是影视艺术创作中的重要手段。
为了塑好鲜明的影视形象，要求创作者根据人物的主次、剧情的需要、观众的心理，处理好景别的大小 远近。
景别的划分没有严格的界限，一般分为远景、全景、中景、近景、和特写。
为了使景别的划分有个较统一的尺度，通常以画面中人物的大小作为划分景别的参照物。
如画面中无人物，就按景物与人的比例来参照划分。
1.远景
摄影机远距离拍摄事物的镜头。
镜头离拍摄对象比较远，画面就开阔，景深悠远。
此种景别，能充分展示人物活动的环境空间，可以用来抒发感情，渲染气氛，创造某种意境。
《黄土地》中的远景，人物都处理得很小，表现了人对自然的一种受制与无奈。
远景中视距最远的景别，称为大远景。
它的取景范围最大，适宜表现辽阔广袤的自然景色，能创造深邃的意境。
2.全景
出现人物全身形象或场景全貌的镜头。
此种景别的视野相对小些，既能看清人物又可看清环境，故可以表现人物的整体动作以及人物和周围环境的关系，展示一定空间中人物的活动过程。
它常常用来拍摄人物在会场、。
课堂、集市、商场等一定区域范围中的动作，是塑环境中的人或物的主要手段。
《牧马人》中用远景展示主人公许灵均选定的生活环境后，用全景描叙了他下放劳动发行的过程。
在绿色的摹草原上，牧群在蠕动，一个40岁左右的牧马人仰天躺在草地上听着富有苍凉的敕勒川之歌，使这个已生活了20年的主人公更富有造型性，表现力。
3.中景
显示人物膝盖以上部分形象的镜头。
此种景别的人物占有空间的比例增大，观众能看清人物的形体动作，并比较清楚地观察到人物的神态表情，从而反映出人物的内心情绪。
在影视作品中是使用较多的基本景别。
中景在主要表现人物的同时，也提供人一定的活动范围，如房间的一隅，院落的一角等。
一部影视镜头的成功一与否，主要看中景的运用处理。
《红樱桃》中许多场景的奥地利精心审慎设计，其中女主人公楚楚坦诚直白自己身世一场最突出。
整场戏大多用了中景、大中景来拍摄。
开始时楚楚用俄语讲述编造的故事后来，女教师要求她讲实情时，经历坎坷的楚楚再也编不下去，久积心头的悲痛、仇恨、哀怨齐涌心头，她转用母语动情地叙述起身世来。
此时创作者用了一个近乎静止的中长镜头把人物难以觉察的细微表情准确鲜明地记录下来。
观众也在不知不觉中和镜头视点合一，在情感上认同，进入，成为身临其境的体验者。
4.近景
表现人物的腰部或胸部以上形象的镜头。
此种景别人像占据大部画面，环境变得零碎而模糊。
观众已难于看全人物的动作，注意中心往往在人物的肖像和面部表情上。
所以常用来表现人物的感情、心理活动，它的作用相当于文学作品吕的肖像描写，适宜于对人物音容笑貌、仪表神态、衣着服饰的刻画，突出人物的神情和重要的动作，也可用来突出相当的景物，是影视作品中大量运用的景别。
《老井》有一组旺泉婚后与喜凤的感情戏，都用近景加以精雕细刻。
尤其是夫妻俩为自己儿子取名的场景，通过一个长达215英尺的镜头，把个具有生活本色的画面作了尽兴的渲染。
5.特写
表现人物肩部以上部位或有关物体、景致的细微特征的镜头。
它是视距最近的一种景别，能把表现的对象从周围环境中强调、突出出来，近使观众去注意某某关键性细节，诸如惊愕的眼睛、欲滴的泪水、颤抖的睫毛、抽搐的肌肉等等,造成强烈而清晰的视觉形象。
当视距特近时，就称为大特写。
特写镜头的作用是多方面的。
可以介绍人物，突出影片的主体形象；
可以突出贯穿的物体，如《魂断蓝桥》的吉祥物；
可突出人物细致的表情或动作；
可以反映特写环境，使某个物件含义深邃，如《芙蓉镇》中扫帚的三次特写：
分立墙角的扫帚、渐渐靠拢的扫帚、并排合一的扫帚，写了两个扫街人相爱的独特经历；
可作转换时空的手段；
还可与其它景别镜头反复，使速度节奏加快，造成紧张激烈的气氛。
特写镜头不宜毫不无节制的滥用，一般应和全景结合起来使用。
二、运动镜头
主要是指镜头自身的运动，就是用运动摄影的方法拍摄的镜头。
在影视作品中，处于静止状态的画面镜头是不多见的。
大量的是运动的镜头。
1.推镜头：
被摄对象位置不变的情况下，摄影机向前缓缓移动或急速推进的镜头。
用推镜头，使银幕的取景范围由大到小，画面里的次要部分逐渐被推移画面之外，主体部分或局部细节逐渐放大，占满银幕。
在景别上也由远景变为全、中、近景甚或特写。
此种镜头的主要作用是突出主体，使观众的视觉注意力相对集中，视觉感受得到加强，造成一种审视的状态。
它符合人们在实际生活中由远而近、从整体到局部、由全貌到细节的观察事物的视觉心理。
如《公民凯恩》有个镜头，一直把镜头推到一架刚被扔进火炉的雪撬上的几个字：
“玫瑰花蕾”。
影片突出这个细节，引起观众的高度注意，探索主人公与“玫瑰花蕾”的关系。
2.拉镜头：
与推镜头的运动方向相反，摄影由近而远向后移动离开被摄对象；
取景范围由小变大，被摄对象由大变小，与观众 距离也逐步加大。
画面的形象由少变多，由局部变化为整体。
在景别上，由特写或近、中景拉成全景、远景。
拉镜头的主要作用是交代人物所处的环境。
3.摇镜头：
摄影机不作移动，借助于活动底盘使摄影镜头上下、左右、甚至周围的旋转拍摄，有如人的目光顺着一定的方向对被摄对象巡视。
摇镜头能代表人物的眼睛，看待周围的一切。
它在描述空间、介绍环境方面有独到的功用。
左右摇常用来介绍大场面，上下直摇又常用来展示高大物体的雄伟、险峻。
摇镜头在逐一展示、逐渐扩展景物时，还使观众产生身临其境的感觉。
4.移镜头：
摄影机沿着水平方向作左右横移拍摄的镜头。
移镜头是机器自行移动，不必跟随被摄对象。
它类似生活中的人们边看走的状态。
移镜头同摇镜头一样能扩大银幕二维空间映像能力，但因机器不是固定不变，所以比摇镜头有更大的自由，它能打破画面的局限，扩大空间视野，表现广阔的生活场景。
5.跟镜头：
摄影机跟随被摄 对象保持等距离运动的移动镜头。
跟镜头始终跟随运动着的主体，有特别强的穿越空间的感觉，适宜于连续表现人物的动作、表情或细部的变化。
如《罗生门》重场戏都 在山林，占据了全征镜头的四分之三。
特别是灌木丛中强盗多襄丸奔跑的场面，创作和高速跟拍的镜头，邮剧中人在山坡疾驰、迅捷的跳跃式的动作，淋漓尽致刻画了自恃武艺高强、狡狯残忍的山贼本性，成为全剧最精彩的部分。
三、其他镜头
1.空镜头：
画面上没有人物而只有景或物的镜头。
空镜头也叫景物镜头。
空镜头的内容不“空”，它是影视介绍环境、叙述事件、刻划人物、传情达意的重要手段。
空镜头的在展示故事发生的环境时，往往出现在影片的开头。
2.长镜头：
指长时间拍摄的、不切割空间、保持时空完整性的一个镜头。
此镜头在同一银幕画面内保持了空间、时间的连续性，统一性，能给人一种亲切感、真实感；
在节奏上比较缓慢，故抒情气氛较浓。
有人把长镜头称作“镜头内部蒙太奇”。
法国电影理论家安德烈·
巴赞是“长镜头理论”的倡导者，并总结了长镜头在电影中的运用实践：
（1）、长镜头和景深镜头的运用可以避免严格限定观众的知觉过程，它是一种潜在的表意形式，注重通过事物的常态和完整的运动揭示动机，保持“透明”和多义的真实；
（2）、长镜头（镜头－段落）保证事件的时间进程受到尊重，景深镜头能够让观众看到现实空间的全貌和事物的实际联系；
（3）、连续性拍摄的镜头－段落体现了现代电影的叙事原则，摈弃戏剧的严格符合因果逻辑的省略手法，再现现实事物的自然流程，因而更有真实感。
后人称巴赞的理论为“长镜头派”。
长镜头作为一种电影风格和表现手段在展现完整现实景象方面有其独特的优越性。
3.仰俯镜头：
大多数的镜头是平视拍摄的。
在电影画面中，拍摄角度不同，被摄对象在观众视觉范围内的方位、形象就会变化，从而引起观众对被摄对象的注意，改变观众的心理反应。
仰摄就是摄影机由下往上、从低向高的角度拍摄，仰镜头代表了观众 向上仰望的视线，在感情色彩上往往有舒展、开阔、崇高、敬仰的感觉。
俯摄就是摄影机从高往低、由上往下的角度拍摄，俯摄代表了观众向下俯视的视线。
俯镜头在感情 色彩上，使人有阴郁、渺小、压抑的感觉拍摄角度适宜表现人的悲剧命运或是反而人物的可憎卑劣。
在许多影视片中，时常用俯镜头拍摄敌人的酒宴、赌场的嘈杂、匪徒的密谋等等。
4.快慢镜头：
按正常情况拍摄的速度，每秒钟24格画面。
如果摄影机拍摄的速度减低或加快，而不改变按每秒24格的放映速度，地么银幕上就会出现特殊的视觉效果。
低于摄影机正常速度24格/秒拍下的镜头叫快镜头，放映时在银幕上出现比实际的运动快的效果。
快动作的镜头运用得当，会产生一种夸张的喜剧性效果。
但因在观众视觉上停留时间，运用得不多。
高于摄影机正常速度24格/秒拍下的镜头叫慢镜头，放映时在银幕上出现慢动作。
慢镜头在影视的造型中有特殊的意义。
它能人为“延缓”动作节奏，“延长”动作时间，使观众看清在正常情况下看不清的一些动作过程，因此普多夫金称慢
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